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http://cvc.cervantes.es/artes/p_sonoros/default.htm

El Instituto Cervantes ha publicado los textos correspondientes a este congreso.

“Con el fin de intercambiar informaciones y métodos de trabajo y compartir nuestra diversidad sonora, se presentó este I Encuentro Iberoamericano sobre Paisajes Sonoros en el marco del Festival América España de la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), en el Auditorio Nacional de Música, en Madrid entre el 12 y el 15 de junio del año 2007. Fue una oportunidad única no sólo para discutir, escuchar e intercambiar ideas y materiales entre especialistas, sino también para dar a conocer las bases conceptuales y diferentes aplicaciones de este campo a todos los interesados.

El Paisaje Sonoro se mueve en un ámbito musical de planteamientos abiertos y pluridisciplinares con múltiples implicaciones y aplicaciones (composición musical, patrimonio inmaterial, pedagogía musical, geografía sonora, urbanismo sonoro…). Partiendo de una información y de conceptos básicos que permiten comprender la importancia y el alcance de este campo del sonido, las Actas de este primer Encuentro nos muestran las reflexiones y los logros de algunos de los principales grupos, artistas e investigadores que desarrollan esta actividad en España e Iberoamérica. Por todo ello el Instituto Cervantes, a través de su Centro Virtual, se hace eco de iniciativas como esta poniendo a su disposición las intervenciones de los ponentes”.

http://ciudadsonora.wordpress.com/

“El arte urbano es al espacio público lo que el cubismo a galerías y cafés, lugar de gestación y difusión, de la vida social y sus manifestaciones como formas de arte en la ciudad contemporánea. Los músicos callejeros, sean hippies saltimbanquis, ostentaciones étnicas o cantautores solitarios, encuentran en lo público un espacio en el que hacerse oír, un espacio que permite la difusión de su arte.

En este sentido el hip hop, como manifestación históricamente ligada a la hibridación y al mestizaje urbano, adaptada al devenir del habitus estético de las nuevas generaciones, se define y presenta como actividad fundamentalmente pública. Pero también se configura como herramienta de hibridación social, como válvula de escape y como forma de expresión, entretenimiento y consumo.

Desde las Bahamas a los Elíseos, desde los restos del muro de Berlín al Bronx Neoyorquino, desde Kreuzberg al Raval, beats y rhymes cabalgan ritmos sincopados para asaltar la realidad de un espacio público de la libre expresión. Un espacio reivindicado y re-apropiado por la música; un espacio de límites difusos, repleto de mensajes autorreferenciales cuya lectura e interpretación depende mucho del conocimiento del entorno y que no se limita a la música o al discurso”.

2 de junio de 2008 • Residencia de Investigadors (c/Hospital, 64) • Barcelona

Programa

10:30h Recepción de los participantes
11:00h Presentación del seminario a cargo de Ciudad Sonora
11:15h Le graff : signatures dans la ville ou les paradoxes d’un art de rue Claire Calogirou (CNRS)
12:00h Pausa café
12:30h Hip-Hop culture. Perceiving and changing the city (New York, Berlin). Susanne Stemmler (Haus der Kulturen der Welt)
13:15h Thirty Years Later, Despite Myspace and Youtube, The Streets are Still A Part of Bronx Hip Hop. Mark Naison (Fordham University)
14:00h Comida
16:00h La expresión audiovisual del Hip Hop en España. Alberto Blanco (Malgeniofilms)
16:30h Mesa redonda: Mark Naison, Susanne Stemmler, Claire Calogirou, Alberto Blanco y Ciudad Sonora

HOMO LUDENS LUDENS, en Gijón hasta el 22 de Septiembre 2008

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial presenta HOMO LUDENS LUDENS, una exposición internacional y un simposio que examina el juego como un elemento esencial en nuestros días, destacando su necesidad en la sociedad contemporánea. Tras las exposiciones GAMEWORLD y PLAYWARE, que reflejan respectivamente los diferentes aspectos lúdicos y sociales de la creatividad del juego y del arte interactivo, HOMO LUDENS LUDENS, dispone el escenario que abarca estos datos e investiga la noción de juego en un amplio espectro, mostrando como ha evolucionado en nuestra era digital.

Proyectos de muy distinto carácter y orientación reflejan las múltiples expresiones y roles del juego: el juego está siendo reformado y subvertido; incorpora temas y hechos sociales y políticos; se ha transformado en una herramienta para el activismo; consigue mezclar lo virtual y lo real; revitaliza otras disciplinas; el juego puede ser utilizado indebidamente y explotado; cuando se cuestionan los estereotipos, se plantean nuevas preguntas y se ofrecen distintas interpretaciones.

En la misma dirección, el simposio internacional HOMO LUDENS LUDENS, organizada con el Planetary Collegium, tiene como objetivo enmarcar el contexto del juego contemporáneo, destacar su carácter interdisciplinar y presentar la multifacética realidad de la sociedad lúdica en la que vivimos. Para conseguirlo, el Simposio establece un especial escenario para el diálogo y la experimentación donde, a través de su programa de dos días, reúne a expertos internacionales del campo de la teoría del juego, así como artistas e investigadores que abordan elementos y símbolos del juego y la “jugabilidad” en sus trabajos y actividades de investigación.

Entonces, hoy en día, ¿qué es jugar y qué significa ser jugador? La exposición y el sim pueden concebirse como una revisión del juego como elemento vital en nuestra vida cotidiana y como una especulación de la emergencia del Homo Ludens Ludens, el hombre jugador contemporáneo.

[+info ]

En WMMNA, Regine ha hecho un exhaustivo repaso a la exposición y muchas de las propuestas mostradas, puedes empezar por este post.

The title of the show, Homo Ludens Ludens , alludes to the taxonomy of human evolution. The human being used to be regarded as a Homo faber (man the smith or man the maker in latin) for the control they could exert on the environment through tools.

In 1938, however, Dutch historian Johan Huizinga introduced the idea that man is also an Homo Ludens (a “playing man”), a man for whom amusements, humour and leisure played an important role in both culture and society. Philosopher Vilém Flusser went further. For him, we are living in a society which, instead of working, generates information by playing with a technical apparatus, implying a transition from the myth of the creator towards a player. Playing can therefore be regarded as an act of emancipation.

The exhibition speculates on the emergence of a Homo Ludens Ludens - the contemporary player of games.

**John Paul Bichard [art of game] art of war

Chopping piano –in C-
FECHAS: 28.03-09. 06 2008
Las Larvas. LABORAL CENTRO DE ARTE (Gijón, ES)

[link]

Las Larvas mostrará, a partir del próximo día 28 de marzo, en LABoral su obra sonora Chopping piano –in C- en la Sala Plataforma 2 de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial. Se trata de la segunda exposición que LAB organiza en el Cubo de Sonido, bajo el cual el Centro de Arte pone a disposición de los artistas sus espacios expositivos para desarrollar y exhibir obras que utilizan el sonido como vehículo principal de expresión.

Esta obra sonora gira en torno al concepto de la destrucción o deconstrucción de la música. Un réquiem ceremonial a partir de la destrucción del instrumento como objeto simbólico de la música occidental, el piano, por parte del performer. Un troceado de piano en do M. Un acto de protesta, la puesta en evidencia de un lento crimen, lejos del suicidio romántico, que la historia está cometiendo con la música en su permanente incomprensión y su manipulación política. Algo que ya la historia de nuestra cultura se ha encargado de anunciar a través de los surrealistas, Dadá, Stockhausen, Fluxus, Jimi Hendrix o The Who, entre otros muchos… Este es el cuento eterno de cómo el pop se comió a la estrella de la música, que surge como un violento réquiem de las pistas recogidas con micros de contacto y generadas a partir de la destrucción a Hachazos de un piano carcomido, a modo de performance, continuando la idea de la fagocitación del instrumento por partes de las larvas.

Se llama “larvas” a las fases juveniles de aquellos animales cuyo desarrollo es mediante metamorfosis. Las larvas siempre de muy distinto aspecto, tamaño, anatomía y fisiología a los ejemplares adultos se forman en este estado previo a su madurez en distinto hábitat. Desde estos anti-ambientes Kafkianos, “Las Larvas” pretende ser un proyecto abierto, una idea en evolución en torno al experimento sonoro en la más amplia de sus acepciones, que navega en el aparente caos de disonancias deconstructivas, en torno a piezas únicas, con un marcado carácter conceptual y dramático.

Las Larvas (Arantxa Hernández, Fernando Oyagüez, Jesús García Coronado y Paco Nadie) cuentan en esta ocasión con la colaboración de Jandro Gallego y Jorge Álvarez.

NEW YORK TIMES
A City Where You Can’t Hear Yourself Scream

By MICHAEL SLACKMAN
Published: April 14, 2008

CAIRO — Egyptians in this capital city say it is harder and harder to be heard and to have a voice, but they are not talking politics. Well, not only politics.

What they are talking about, or rather yelling about, is noise, the incredible background noise of a city crammed with 18 million people, and millions of drivers who always have one hand on the horn and a rules-free way of thinking.

“Whenever I talk to people, they always say, ‘Why are you screaming?’ ” said Salah Abdul Hamid, 56, a barber whose two-chair shop is on the corner of a busy street on the north side.

Mr. Hamid was, of course, screaming.

It was 4 p.m. in Rhode al Farag, a typical Cairo neighborhood teeming with people and shops and cars and trucks and buses and horse-drawn carts. From his shop, the landscape of sound revealed a chorus of people struggling to make a living, trying to assert themselves in a city, and in a country, where they often feel invisible.

Noise — outrageous, unceasing, pounding noise — is the unnerving backdrop to a tense time in Egypt, as inflation and low wages have people worried about basic survival, prompting strikes and protests. We’re not just talking typical city noise, but what scientists here say is more like living inside a factory.

“It’s not enough to make you crazy, but it is very tiring,” said Essam Muhammad Hussein, as he sat in a cracked plastic chair outside the corner food shop his family has owned for 50 years. He was shouting as he talked about the noise, though he did not seem to realize it.

“What are we going to do?” he asked. “Where is the way out?”

This is not like London or New York, or even Tehran, another car-clogged Middle Eastern capital. It is literally like living day in and day out with a lawn mower running next to your head, according to scientists with the National Research Center. They spent five years studying noise levels across the city and concluded in a report issued this year that the average noise from 7 a.m. to 10 p.m. is 85 decibels, a bit louder than a freight train 15 feet away, said Mustafa el Sayyid, an engineer who helped carry out the study.

But that 85 decibels, while “clearly unacceptable,” is only the average across the day and across the city. At other locations, it is far worse, he said. In Tahrir Square, or Ramsis Square, or the road leading to the pyramids, the noise often reaches 95 decibels, he said, which is only slightly quieter than standing next to a jackhammer.

[continue reading…]

** Salesmen shout in Cairo, where the noise is like living with a running lawn mower next to you.

The topic of the 3rd festival for digital arts and cultures in the city of Vienna is UTOPIA.

UTOPIA
The term utopia, ‘the non-place’, derived from old Greek ‘u-‘, non, and ‘tópos’, place, denotes a ‘nowhere’ which is untraceable and therefore projecting all longing into an unreachable beyond. Utopia is therefore an imagination which is thinkable as an idea, yet is not directly realisable. It is the great dream, concept, and vision of a world or a time with a new social, religious or technical order.UTOPIA can be traced back to the book ‘De Optimo Reipublicae Statu deque nova insula Utopia Libellus vere aureaus, nec minus salutaris quam festivus (Of the best state law and of the new island Utopia, truly a golden booklet, as pleasant as it is cheerful)’ by Thomas Morus which was first published in 1516. The text alludes to positive scenarios of technical, spatial and social constructs which have not been realised. Usually, technology plays a major role in utopian phantasms. More often than not their realistic implementation is a matter of availability of technology and very often it is – especially in digital art – the starting point of a work of art.

In 2008, Paraflows 08 UTOPIA will try to develop the perspective, the linguistic roots of which corresponds with last year’s exhibitions. In the context of the topic UTOPIA, we want to gather concepts of a possible future, draw perspectives, dreams and prognoses, dare take a prognostic look at the future. Directly tying in with last year’s festival topic UN_SPACE – which dealt with non-space and impossible spaces – this year we will again strive to provide a multi-layered examination involving the overwhelming architectonic and historical reality of the venue – the MAK Gegenwartskunstdepot Gefechtsturm Arenbergpark.

Further information on PARAFLOWS 08 UTOPIA can be found on www.paraflows.at
Please submit proposals featuring contemporary artworks dealing with the topics mentioned above.
Pls send PDF-files via e-mail to utopia(at)paraflows.at
DEADLINE: June 2nd, 2008

NoiseGuide is out to provide the noise community with a resource for musical equipment information as well as a place to voice opinions about music gear as it relates to making noise or other forms of dissonant music.

What sets this site apart from other gear review sites is that we emphasize musical equipment that appeals to the noise / power electronic / experimental musician; concentrating mostly on pedal effects, synths and other noisy stuff.

If you have any questions, comments, whatever.. visit our contact page and write away. We always read email.

noiseguide.com

http://www.newscientist.com/blog/technology/

“There was a surprising appearance at CIEPE, the Asia-Pacific Police Logistics and Equipment expo in Beijing last month.

Amongst the displays of high-tech police equipment was the LRAD - Long Range Acoustic Device – made by American Technology Corporation (ATC). LRAD is an ultra-high-power loudhailer that can be used for crowd control, often described by the media as a “sonic weapon”. It was famously used to drive off Somali pirates in 2005.

LRAD’s appearance seems at first surprising, since the US does not permit weapons exports to China. Public Law 101-246, passed after the Tiananmen Square massacre, makes them illegal.

But ACT are happy to say in their most recent Securities and Exhange Commission filing that:

“During fiscal 2007, we expanded our international marketing activities and shipped LRAD orders to Australia, Singapore, Korea and China”.
It turns out that Public Law 101-246 is confined to items on the State Department’s Munitions List. Only standard weapons are included - it is not far-sighted enough to include acoustic weapons or various other novel technologies.

ATC themselves are always careful to refer to LRAD as a “device” rather than a weapon. Although, in addition to being used to communicate, they boast that:

“When properly operated, [it can] provide an intense but not harmful beam of sound to warn away friendlies, classify non-compliants as hostile and support decisions concerning escalation of responses.”

LRAD produces sound levels of up to 150 decibels, enough to damage hearing and above the level that causes pain.

In the US military, LRAD deployment is overseen by the Joint Non-Lethal Weapons Directorate, who refer to it as a “tool” and “an option in the force continuum”.

Whether you think it is a weapon or not, it will be interesting to see how the US reacts if this home-grown “device” is used on protesters at the Beijing Olympics”.

Entrevista corta a Peter Cusack dentro de las actividades del las Jornadas de Conferencias “Cartografías de la Escucha. Sonido y Lugar”, organizadas por el Colectivo Escoitar.org en el CGAC de Santiago de Compostela entre el 22 y 24 de enero de 2008.

PARTICIPANTES:
Bill Fontana (USA), Carmen Pardo (España) , Jean-Paul Thibaud (Francia), John Levack Drever (Gran Bretaña), Brandon LaBelle (Gran Bretaña), Hildegard Westerkamp (Canadá), Llorenç Barber (España) y Jose Luis Carles (España)

ARTISTAS SONOROS:
TUNNG (Gran Bretaña), PIERRE BASTIEN (Francia), RECHENZENTRUM (Alemania), ÁRBOL (España), RUPTURE (USA), FM3 (China), DURÁN VÁZQUEZ (Galicia), LARSEN (Italia), ALOG (Noruega) y KASSIN+2 (Brasil)

Peter Cusack
Radicado en Londres, trabaja como artista sonoro y músico, además de grabar sonidos del medio ambiente y de interesarse especialmente por la ecología acústica. Sus proyectos van desde las artes comunitarias al estudio del papel que desempeña el sonido en nuestra concepción del lugar. Su proyecto, Sounds from Dangerous Places, examina los sonidos del paisaje en aquellos lugares que sufren un importante daño medioambiental. Ha producido Vermilion Sounds –el programa del medio ambiente sonoro– para Resonance FM Radio, Londres; enseña Sound Arts & Design en el London College of Communication y es investigador adjunto del proyecto multidisciplinar positive Soundscapes Project, financiado por el EPSRC. Entre sus CD se cuentan Your Favourite London Sounds (Resonance), Baikal Ice (ReR), Favourite Sounds of Beijing (Subjam).

TIME.COM - Appreciation
Robert Rauschenberg, 1925-2008
Tuesday, May. 13, 2008 By RICHARD LACAYO

It may be the least of the many things that Robert Rauschenberg will be remembered for. But as we sum up the great legacy of the artist who died this week at 82, let’s pause to remember that in 1983 he won a Grammy Award for the cover of the Talking Heads album Speaking in Tongues. That feels about right. It’s hard to think of a better match for Rauschenberg, a one man principle of creative disorder, than the band that gave us the line: “Stop making sense.”

What he passed on to everyone who came after was an idea of art as a very free-wheeling transaction with the world. Marcel Duchamp may have staked out something like this position sooner, but Rauschenberg gave it a more raucous charm. That so many artists have used it since as permission to make lazy, slapdash work is beside the point. Frequently so did he. But every time you see anyone doing anything that isn’t supposed to be art — and calling it art — Rauschenberg is there.

[continue reading…]

[Robert Rauschenberg - Wikipedia]

Rauschenberg ha sido uno de los artistas visuales que han influenciado la música y el arte sonoro desde mediados del siglo XX. Pego aquí unos fragmentos acerca de estas conexiones, extraídos del libro Sound Art: Beyond Music, Between Categories, de Alan Licht.

Robert Rauschenberg´s Combines have exerted a supreme influence on postmodernism that is certainly felt in the genre slice-and-dice of fre improvisations of AMM (a British group who would improvise noisy soundscapes on top of loops of Beach Boys´ songs) or Christian Marclay (whose ability to careen from lounge music to classical to Jimi Hendrix on his multiple turntables in turn influenced composer John Zorn). But Rauschenberg also exerted a major influence on many auteurs inthe musci world of the ´40s and ´50s

Rauschenberg´s white paintings were particularly influential on Cage´s 4´33″ : “When I saw those I said ‘Oh yes, I must; otherwise I´m laging, music is lagging.”

Karlheinz Stockhausen also cites the unifying found objects in Rauschenberg´s Combines as an influence on his Kontakte and Gesang der Junglinge. Rauschenberg was an influence on Feldman´s later piece The Viola in My Life –”My intention was to think of melody and motivic fragments,” he wrote, “somewhat the way Robert Rauschenberg uses photographs in his painting– and superimpose this on a static sound world more characteristic of my music.” And Steve Reich´s determination to break with musique concrete and present taped sounds as they were, unprocessed, recalls Rauschenberg´s popstmodernist decision to leave imagery recognizable in his collages (although Reich´s integration of African music into his composition would be more comparable to the influence of African tribal art on Picasso). Indeed Rauschenberg´s famous quote about operating in the gap between life and art becomes increasingly influential even five decades later and is certainly responsible for the cceptance of daily environment sounds into an installation situation.

** Robert Rauschenberg’s untitled ‘combine’, 1963.
Oil, silkscreened ink, metal, and plastic on canvas.

In use for over twenty years by performers, composers, artists, scientists, teachers, and students, Max is the way to make your computer do things that reflect your individual ideas and dreams. Version 5 is a dramatic transformation of Max that begins a new chapter in the program’s history.

For over two decades, people have been using Max/MSP/Jitter to make their computers do things that reflect their individual ideas and dreams. Compatible with Mac and Windows, Max/MSP/Jitter provides true cross-platform authoring and a free runtime version.

What’s With the Name?Max/MSP/Jitter is three things:

- Max, a graphical programming environment that provides user interface, timing, communications, and MIDI support
- MSP, for real-time audio synthesis and DSP
- Jitter, for video and matrix data processing

[Max5: What´s New]
[Article: Improving Your Workflow With Max 5, by Andrew Benson]
[VIDEO: Max5 Tutorial Zero]
[Download Demo]
[Max5: Help and Documentation]

AVANT #2 repasa la trayectoria artística del compositor valenciano Llorenç Barber. Desde los primeros recuerdos musicales de la infancia hasta sus teorías sobre la escucha plurifocal, la primera parte del programa sigue los desarrollos de la carrera de Barber en orden cronológico, con especial ahínco en sus conciertos de ciudad y su trabajo con campanas. La segunda parte trata de retratar lo irretratable, mediante grabaciones y fragmentos de conciertos, performances y naumaquias.

Llorenç Barber. Parte I. 25.04.2008 (31′ 00”)
Llorenç Barber. Parte II. 02.05.2008 (67′ 25”)

Llorenç Barber fue uno de los primeros españoles en pisar los Internationale Ferienkurse für Neue Musik (Cursos Internacionales de Verano de Nueva Música) en Darmstadt (Alemania), donde en 1969 y de la mano de Berio, Ligeti, Kagel o Stockhausen entre muchos otros genios, refinó ideas en bruto y acumuló otras que despertarían años más tarde a lo largo de su larga trayectoria como compositor. Una sucesión de matices y pequeños cambios encadenados que le llevaron a practicar su personal arte sonoro bajo distintas coordenadas y formatos, saltando de la poesía fonética con su Flatus Vocis Trio, a mediados de los ochenta, hasta la electroacústica (su trabajo con el cambiante y abierto grupo ACTUM a comienzos de los setenta) o a la reduccionista poesía iconoclasta post-ZAJ (y post-Fluxus) de su Taller de Música Mundana, fundado tras el profundo impacto causado a finales de los setenta por la escena londinense de improvisadores. Y luego, claro, llegaron las campanas.

La leyenda de cómo Pitágoras de Samos descubrió por mera casualidad las relaciones aritméticas entre los intervalos harmónicos cuenta que el maestro griego pasó un mañana frente al taller de un herrero y se dio cuenta de las diferentes notas producidas por los martillos que golpeaban el yunque. Veinticinco siglos más tarde, en una calderería de Madrid, Llorenç Barber se topó con un pedazo de metal que cambió para siempre su forma de entender la composición, el tiempo, el espectro sonoro, y todo lo que cuelga de sus conciertos plurifocales, tan emparentados con la música de las esferas como las mismas teorías musicales de la Hermandad Pitagórica. “Me convertí en un ser distinto”, afirma. “Un ser tocado por el Espíritu Santo”. La campana representaba para Barber mucho más que un nuevo instrumento a explorar; a su innegable riqueza tímbrica se le añadían infinitas capas de historia, mensaje, contenido latente y, ante todo, la posibilidad de alejarse de una vez por todas del confinamiento del escenario y la academia que desde siempre le incomodaron, para dar forma a un nuevo concepto de escucha.

Y como el resto de su carrera, la aportación a la campanología y la plurifocalidad de Barber es amplia y variada. Desde de los recitales de delicados harmónicos de su artesanal “campanario portativo”, hasta los descomunales y ya incontables conciertos de ciudad, donde campanarios de iglesia, bandas de música, pitos y cañones convierten el espacio en un auditorio imposible por el que pasear durante toda la ejecución de la pieza. O esos excesos sonoros conocidos como “conciertos de sol a sol”, maratones sónicas en un espíritu parecido a los All-Night Concerts de Terry Riley en los años sesenta o los rituales de Hermann Nitsch en su castillo de Prinzendorf en Austria. O la continuación lógica de todos ellos, encarnada por las naumaquias: mezclas de batalla y concierto naval en las que se funden nuevamente flashes en el subconsciente individual y colectivo, tradición, instinto y la peculiar manera de concebir y explotar el binomio entorno-sonido de este valenciano universal.

INVESTIGACION
Investigación abre una línea de programación radiofónica con el objetivo de observar de cerca escenas y personajes clave en el mundo del arte contemporáneo que se inicia con AVANT, un monográfico sobre la música experimental en España.

De la electroacústica más académica a la música industrial, el arte radiofónico o la improvisación post-no-wave, AVANT repasa de la mano de sus protagonistas algunos de los momentos clave de la vanguardia sonora en nuestro país, a menudo poco documentada. Cada AVANT se centra en la trayectoria de un proyecto abanderado de la escena que documenta y consta de dos partes: una primera desde la que se reconstruye su contexto a través de entrevistas, y una segunda que resume su obra a través de ejemplos musicales.

A cargo de Roc Jiménez de Cisneros.

http://rwm.macba.es

El próximo sábado Alba G. Corral impartirá una sesión de iniciación a Processing via streaming. Si no puedes pillarlo a tiempo, no te preocupes, la sesión será grabada y estará disponible online. Alba es fotógrafa, creadora visual y administradora de visualp5.net, un foro sobre Processing en castellano creado recientemente, muy recomendable si ya estas trabajando o quieres iniciarte con este software libre.

Introducción a processing 2008 por Alba G. Corral
Primeros pasos

Duración: 1 hora 30 minutos

El próximo día 17 de Mayo, desde visualp5.net continuaremos con las jornadas de multiconferencia online a través de ustream.tv.

Este curso será una introducción para todos aquellos que quieran adentrarse en el mundo del processing desde cero.

[link para seguir el curso]

Agenda :

* Presentación
* Recorrido por creaciones visuales
* Primeras líneas de código. Interface.
* Pocas líneas de código: grandes resultados. Sintaxis.
* Librerías: audio, video, MIDI,..
* recursos
* Preguntas
* Otros

Y para l@s que esteis por Barcelona o alrededores, otro curso presencial en la Galeria NIU:

CURSO DE INTRODUCCIÓN A PROCESSING EN GALERIA NIU (Barcelona)

El número máximo de alumnos será de 15 personas. Se aconseja disponer de ordenador portátil propio para seguir el taller. En la sala habrá de 2 a 4 ordenadores disponibles para quién no disponga de ordenador propio.

[+info]

Fechas y horarios
Viernes 23 de Mayo: de 18:00 a 22:00 h
Sábado 24 de Mayo: de 11:00 a 18:00 h (descanso de 14:00 a 15:00 horas)

Precio
75 EUROS + 16% IVA . Total: 87 EUROS

Plazo de inscripción
Hasta el lunes 19 de mayo.

Tinnitus_Tame

“[…] The Tinnitus Tamer uses sequences of special tones and silent periods to retrain the neural networks in the auditory system of the brain to weaken, and ultimately eliminate, the positive feedback loop that creates the Tinnitus sound.

Thus, the Tinnitus Tamer uses the resources of your own body to take care of the Tinnitus in a natural way.

Initially, you may note that your Tinnitus is less bothersome while you train with the Tinnitus Tamer. After training for a few weeks, you will be no longer aware of your Tinnitus between sessions. You will have to concentrate on your Tinnitus to hear it, and even then, it will no longer be annoying.

Many Tinnitus sufferers will find that the Tinnitus Tamer completely eliminates the Tinnitus […]”

via: networked_music_review

“cero.uno.dos” es el proyecto de colaboración de 19 artistas nacionales.

Las plataformas Vjspain y Audiovisual Theorem se unen para presentar una referencia formada por 10 trabajos audiovisuales, pertenecientes a los artistas y colectivos más representativos de nuestro país tanto en el campo sonoro, como en el visual. El proyecto: Una selección de 8 artistas de audio realizada por Avtheorem en la que cada artista participaría con un track especial, una selección de 10 artistas de video realizada por Vjspain para trabajar sobre los audios y un proyecto audiovisual. El resultado: una clara expresión del estado de la creación en nuestro país, una muestra perfecta de la colaboración entre artistas de ambos campos. “cero.uno.dos” es además la referencia que cierra los primeros doce meses de vida de Audiovisual Theorem

Descarga y ve los vídeos en
http://www.vjspain.com/referencias.htm