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www.chriswatson.net

Monday 28th July (+ Sunday 27th July)
10am - 5pm (exact Sunday times to follow)
Field Recording in & around an Urban River
with Chris Watson

“Following the success of previous sound recording workshops, we are delighted to welcome back BBC sound recordist extraordinaire and founder member of Cabaret Voltaire, Chris Watson, who will lead a workshop concentrating on field recording in and around the Thames. The Museum of Garden History is located a stone’s throw from the banks of the Thames; a river which is itself a remarkable receptacle and generator of diverse sound. As the city interacts with the river, so the range and variety of sounds increases, from ferries to tidal barriers, and in doing so it creates a rich environment in which one can demonstrate field recording techniques and use amazing equipment like hydrophones. This event will provide attendees with the chance to gain practical experience in the field followed by a studio workshop.

On the Sunday, attendees are welcome to join Chris as he leads a recording session on location. Material recorded on the Sunday by attendees will then be used on the Monday as Chris demonstrates techniques and equipment and provides a critique of attendees work. Every attendee will have the chance to work one-on-one with Chris. The combined work created over the course of these two days will then be made available for each participant (subject to permission).

Cost includes lunch and refreshments on the Monday. Information concerning the times and location of the Sunday field session as well as equipment requirements will be released shortly. The workshop is suitable for both experienced and novice field recorders alike […]”

AVANT #3. Francisco López. Parte I. 17.06.2008 (37′ 43”)
Radio Web MACBA
Monográfico sobre la trayectoria y el contexto de Francisco López, con el testimonio del músico Rafael Flores.

A cargo de Roc Jiménez de Cisneros.

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AVANT #3 repasa la trayectoria artística de Francisco López a través de este monográfico. A finales de los años setenta, Francisco López comenzó desde su estudio casero en Madrid una de las trayectorias más sólidas del arte sonoro internacional. Manipulando grabaciones naturales, este biólogo-músico ha desarrollado a lo largo de estas décadas los fundamentos de eso que él denomina “música concreta absoluta”; una aproximación a la materia sonora que parte de la naturaleza para recrear mundos paralelos y realidades virtuales de extraña belleza.

Uno de los rasgos más interesantes (y al tiempo paradójicos) de la producción artística de Francisco López, es que a pesar de que en la actualidad es relativamente sencillo establecer lazos conceptuales entre ciertas tradiciones filosófico-artísticas de los últimos dos siglos y su trabajo, en realidad este fue gestado desde un aislamiento –personal, cultural, generacional– en el que no penetraban muchos estímulos externos. Hoy resulta fácil conectar la obra de este madrileño nómada a las teorías de Goethe, Richter, Herder y otros iconos del romanticismo germano, que formularon las bases de lo que dio en llamarse música absoluta: un nuevo paradigma estético y formal que desterraba la palabra como vehículo e hilo conductor, para concentrarse en los sonidos puros como verdaderos representantes de las emociones humanas. O a la “musique concrète” de Pierre Schaeffer y sus discípulos… El mismo López ha utilizado durante años la expresión “música concreta absoluta” para acotar de alguna forma los límites de su propuesta. Pero lo cierto es que a finales de los años setenta, cuando López comenzó a manipular cintas de casete y grabaciones ambientales en su estudio casero en Madrid, lo hizo desde el más sincero desconocimiento de todas esas escuelas. Y es que su forma de percibir, concebir y tratar la materia sonora ha tenido más que ver con su propia visión del mundo, influenciada por la cultura popular (desde las múltiples ramificaciones de la música rock alternativa hasta las bandas sonoras de Hollywood), que con una conexión directa con la academia. Tal y como ocurrió con otros artistas de su quinta, la obra de Francisco floreció (con dificultad) en un underground rico a la vez que disperso, la cultura del casete que bebía del mail art y la ética punk, y que dotó a los experimentadores de la época de una red de intercambio compleja, cuyas bases se extienden hasta nuestros días.

Lo paradójico para algunos, es que partiendo de esa premisa eminentemente post-pop, honestamente antiacadémica, López haya logrado construir una de las carreras más sólidas del arte sonoro internacional, con el reconocimiento unánime de la crítica, el mundo del arte y la comunidad mundial de la música experimental. Manipulando a voluntad grabaciones de entornos naturales, este biólogo-músico ha desarrollado a lo largo de estas décadas una aproximación al sonido que parte de la naturaleza para recrear mundos paralelos y realidades virtuales de extraña belleza, con una narrativa y un canon estético propios. Francisco López convierte las grabaciones ambientales captadas por su equipo en mundos imaginarios tan fascinantes como desconcertantes. Universos alternativos que requieren de una escucha profunda, desvinculada de prejuicios estéticos y, sobretodo, de la necesidad de asociar lo que oímos a nuestro entorno real. Porque a pesar de que los ingredientes esenciales del trabajo de López –sus “objetos musicales”, en términos schaefferianos– provengan en muchos casos de la naturaleza (insectos, ríos, viento, pájaros, paisajes sonoros urbanos), su música trasciende por completo el contexto original de estos fonemas.

En los últimos años, su vasta discografía (sencillamente inabarcable), se ha extendido con una serie de trabajos sin título, con un número de catálogo como única pista, como si de la clasificación Köchel se tratara, donde no suele haber referencias explícitas ni al origen de sus fuentes sonoras, ni a las posteriores manipulaciones. Algo así como la antítesis de la obra del británico Chris Watson, miembro fundador de Cabaret Voltaire en los ochenta y en la actualidad artista sonoro especializado en grabaciones de campo de animales y entornos naturales. En las grabaciones de Watson, retratos de cotidianeidad nunca vista/oída en parajes salvajes recónditos del planeta, (re)conocer el origen de lo que se escucha es parte de la experiencia; prácticamente un requisito indispensable para su disfrute. En el caso de López, no saber nada a priori, aproximarse a su marmita sónica con una venda en los ojos (literalmente) y en la conciencia (en sentido figurado), es igual de esencial para conectar de lleno con las esencias humanas universales que recubren el tejido de sus composiciones. La misma solemne oscuridad que rige en su puesta en escena preside el grafismo de cada una de estas ediciones sin título, tan parcas en explicaciones como en adornos gráficos/visuales: una clara invitación a escuchar por encima de todo. A concentrarnos en lo que suena y a dejarnos absorber por estas realidades inmersivas, sublimes, deformadas, aumentadas, improbables pero perfectamente posibles.

En el blog minifu hay un interesante artículo sobre los 100 años de evolución de la figura del DJ

Desde el nacimiento del primer disc jockey de radio, Ray Newby en 1909, el significado del término DJ ha mutado a raíz de la tecnologia. En 1935, Walter Winchell acuña el término “disc jockey” (la combinación de “disc”, de “disc records”, y “jockey”, operador de máquina). En 1943, Jimmy Savile organizó la primera fiesta de baile dónde el DJ reproducía discos de jazz en Inglaterra. En 1947, fue el primer DJ en usar dos tocadiscos para una reproducción continua. El Whiskey à Go-Go, en París, abrió sus puertas ese mismo año. Se considera el primero que priorizo la reproducción de música registrada en vinilo en detrimiento de la generada por bandas.

Puedes leerlo entero aquí

Exposición “Posibilidad de acción. La vida de la partitura”
Del 16 de junio al 5 de octubre
Centro de Estudios y Documentación MACBA (Barcelona). Entrada gratuita

[Exhibition “Possibility of Action: the Life of the Score” (MACBA) - english info]

El Centro de Documentación del MACBA presenta durante los meses de verano una exposición dedicada a la exploración de la notación musical entendida, en sentido amplio, como un soporte de transmisión a la vez musical y visual. Para esta exposición se han reunido tanto partituras históricas como composiciones contemporáneas y también creaciones de artistas no estrictamente procedentes del campo de la música, entre las que se cuentan obras experimentales de los ámbitos del arte sonoro, el noise/art/rock experimental y los territorios fronterizos entre estos y otros medios de creación.

El contenido de esta exposición guarda especial relación con la serie de programas de Radio Web MACBA (RWM) titulada Líneas de visión, inspirada en otros proyectos recientes que investigan la partitura desde distintas perspectivas ?psicológicas, biológicas, sociológicas… además de la propiamente musical?, y la forma en que la mente y la intuición humana traducen y transmiten la música. Tanto la exposición como los programas de radio nacen de un interés compartido, y ambos proyectos han sido comisariados por Barbara Held y Pilar Subirà.
Durante las décadas de 1950 y 1960 cristalizó la actividad de numerosos compositores experimentales estrechamente vinculados al grupo de pintores conocido como Escuela de Nueva York. Este grupo de músicos, entre los que destacan John Cage, Morton Feldman, Christian Wolff y Earle Brown, se sirvieron de la partitura y la notación musical con la finalidad de crear un nuevo contexto para el sonido, basando la estructura de sus piezas en el ritmo, los sonidos y los silencios. Para estos músicos, la partitura misma era como un lienzo o el “marco” de una superficie de presentación, y su actividad creadora constituía un modo de devolver libertad a la música; en palabras de Cage, se trataba de “liberar de la música el sonido”. En su pieza 4′33″, Cage fue todavía más allá al componer una partitura libre de sonidos; en otras palabras, un “marco” en torno al vacío. A partir de la radical actividad de estos compositores, la música dejó de componerse como puntos en una línea para pasar a existir en un espacio sónico multidimensional, difuminando los márgenes entre el arte y la vida, abandonando la intencionalidad y asumiendo la indeterminación.

Este cambio de actitud marcó una ruptura radical en relación con los dictados de las convenciones musicales sobre la forma y el contenido, y trajo consigo importantes secuelas tanto en el mundo de la música como en el del arte, originando, entre otros fenómenos, actividades como el noise y sound art. Pero, además, la apertura del mundo del sonido a la materia musical que había sido excluida por el sistema de notación tradicional sirvió para transformar de modo radical la relación entre el compositor, el intérprete y los miembros del público, al abrir la obra a un gran número de “interpretaciones” posibles… entendiendo “interpretaciones” en su acepción más amplia, sin limitarla a la musical. Al mismo tiempo, el hecho de que las partituras de estos compositores pasasen a ser representaciones visuales del sonido contribuyó a renovar el diálogo entre el oído y el ojo, y las convirtió en elementos especialmente atractivos para los creadores interesados en explorar el territorio fronterizo entre los diversos medios artísticos. La lectura de este tipo de partituras reclama un proceso de acción generativa (para crear sonido o cualquier otro efecto), y exige la realización de una acción cuyo resultado es desconocido y dependerá enormemente del intérprete. Así, la vida de la partitura radica en su capacidad para generar acciones dotadas de significado en una serie de ciclos que pueden “reciclarse” al evolucionar a través de diversas interpretaciones y alteraciones.

Posibilidad de acción. La vida de la partitura presenta una selección de partituras que ofrecen una perspectiva de un momento de cambio radical en la forma en que la música se transmite y se interpreta, y que se yuxtaponen a obras contemporáneas de artistas que vinculan su trabajo de múltiples maneras al sonido, la imagen, el lenguaje, los objetos y la luz. La disposición de unas y otras se ha realizado siguiendo el concepto cageano del ciclo o el circo, es decir, no como una secuencia lineal sino a partir de una multiplicidad de centros que dependen del contexto y de la percepción del observador, que les prestará su atención en el aquí y el ahora, pero al mismo tiempo reinterpretará a la vista de los objetos presentes las creaciones de momentos anteriores; tal como lo expresó De Kooning: “El pasado no me influye a mí, sino que yo influyo en el pasado.” Los autores que están representados en la muestra son Robert Ashley, Yasunao Tone, Pauline Oliveros, Lee Ranaldo, Eugènia Balcells, Peter Bosch y Simone Simons, entre otros.

Eventos relacionados:

Jueves 10 de julio, a las 21 h
Concierto de Pauline Oliveros en el contexto del programa de Musicacciones

Jueves 17 de julio, a las 21 h
Concierto de Yasunao Tone en el contexto del programa de Musicacciones

Miércoles 1 de octubre, a partir de las 19.30 h
Conferencia de Alex Waterman, a las 19.30 h
Agape- en busca del proceso colectivo en la música, el arte, la poesía y el diálogo político en la comunidad y más allá.

Concierto de Alex Waterman, a las 21 h
Alex Waterman es un músico afincado en Nueva York que también ha sido comisario de recientes exposiciones sobre música experimental, poesía y notación musical (Agap?- y Between Thought and Sound: Graphic Notation in Contemporary Music).

Los miércoles a las 17 h
RWM en emisión
Cada miércoles, hasta el cierre de la exposición, se retransmitirá uno de los programas que constituyen la programación de Radio Web MACBA.

Entrevista de Manuel Gago a Servando Barreiro (muy cercano a Mediateletipos). La entrevista es en gallego, pero creo que lo entendereis perfectamente. Servando está trabajando en Berlín desde hace unos meses.

http://servandobarreiro.es/

Servando Barreiro explícanos as novas ferramentas de VJ desde Berlín from manuel gago on Vimeo.

http://audiobombing.blogspot.com/

Audio Bombing is an alternative form of graffiti which uses magnetic audio tape as its medium. Drawing from hip hop and graffiti culture Audio Bombing starts with a basic cassette tape. Using a tape recorder you can record any information you want on to the cassette (music, poems, philosophy, subversive literature, etc.). After recording you remove the tape and cut out the segments that you want to use. Then take your tape segments and go tag whatever you want (buildings, benches, posters, buses, etc.). Using the augmented playhead spray can you can listen to the tags by running the playhead over the tape.

A Brief history of Anti-Records and Conceptual Records
by Ron Rice

http://www.ubu.com/papers/rice.html

The following chronological list of recordings hints at the vast range of material included within the realms of “‘anti” and “conceptual” music. The list emphasizes achievements of the last few years. It would be difficult to define this odd category of music, because the artists’ motivations and intentions and the results of their labors are extremely diverse. However, the records in this category have one common bond - they are all self-referential. Shifting emphasis away from the music, they point to their own existence as cultural artifacts and objects to be consumed These recordings transcend the sound contained within their packaging (often there is no sound at all) to question “‘extra-musical” elements such as music industry practice, the notion of “quality “I the role of the music critic, the role of the listener, etc.

They expand our perception of the phenomenon of music, addressing the processes of recording, manufacture, distribution, playback and perception. The beauty and “value” of anti-records and conceptual records is to be found not in the timbres they reproduce, but in their ability to make us aware of the entire ‘”apparatus” surrounding music. Also included in this chronology are related live performances and a few significant events in the history of sound recording.

*** Peter Lardong - Schallplatte aus Schokolade (disco de chocolate… ñam!) - 1990, Museum Neukölln

http://earth.wildsanctuary.com/index2.html

Brutal interface de este proyecto señero del paisaje sonoro. Basado en Poly9 FreeEarth “a cross-browser, cross-platform 3D globe which does not require any download”.

Klankenbos - Provinciaal Domein Dommelhof
Toekomstlaan 5
B-3910 Neerpelt (Belgium)
+32 (0)11 610 510 (during office hours) or info@musica.be

http://www.musica.be/

The Klankenbos is a permanent collection of sound installations in open air, unique in Europe. Visitors are encouraged to discover sounds and interact with them in a creative manner. Klankenbos is always open and free of charge for individuals and groups. Self-guided walking tour maps are available in the forest. They inform you about the collection and indicate the locations of the installations.

Sound Installations by Paul Panhuysen, Pierre Berthet & Patrick Delges, Simone Simons, Horst Rickels, Erwin Stache, Amy Franceschini & Stijn Schiffeleers, Bruce Odland & Sam Auinger, Hans Van Koolwijk, Baudouin Oosterlynck, Moniek Darge & Hendrik Leper, Eric Van Osselaer, Hekkenbergarchitects & Paul Beuk.

European Sound Delta is a 3 months nomadic residency navigating on the Rhine and Danube rivers, a performance across Europe and a radio project concerned with the perception of traversed spaces.

Two boats will simultaneously navigate upstream on both great European rivers from the North Sea and the Black Sea down to Strasbourg. Studios of production and crews of artists -either invited or having responded to a call for participation- will be on board. During Summer 2008, participants will be asked to compose sound pieces and create in-situ devices from recordings made in the crossed cities: ambiences, languages, music… During each boat-call, the public spaces of the cities will become a sound territory to explore but also a place for diffusing the work of artists through a series of events: concerts, performances, installations, itineraries… In its final stage, the completed works will be gathered and exhibited as part several sonic cruises in Strasbourg (26-27-28 September 2008).

By involving a great number of participants European Sound Delta thus prefigures an original network of artistic and cultural cooperation focused on sound art. It will also enable young people needing professional integration to get acquainted with sound creation techniques. It will be possible to follow the entire project from a distance thanks to an ephemeral radio jointly operated with local radios and an online Travel Blog, where the artists will post their sketchbooks.

La acústica de la Cova Parpalló influyó en su arte rupestre

El estudio acústico del recinto ha sido elaborado por Rubén Picó, Laura Piqueras, Bernardino Roig y Javier Redondo, quienes analizan «las propiedades acústicas del recinto con el objetivo de encontrar elementos decisivos en la elección de ese lugar como centro de culto, o de intercambio, o de reunión social» señalan.
Los expertos han utilizado la arqueoacústica que centra sus estudios en el papel de los sonidos en el comportamiento humano. No hay que olvidar que las cuevas y espacios sagrados prehistóricos, las tumbas megalíticas, hasta las iglesias románicas presentan cualidades sonoras especiales para las que fueron específicamente diseñadas y usadas. El motivo que ha llevado a estos universitarios ha indagar en la acústica del Parpalló ha sido «buscar elementos de análisis que permitan explicar la numerosa presencia de grupos humanos en el yacimiento a lo largo de la prehistoria».
La pregunta que les movía a estos expertos en acústica era el motivo por el cual durante tantos miles de años, el Parpalló fue elegido por grupos humanos como hogar.
Las galerías y el rellano del interior de la cueva «que hace la colada estalagmítica ofrecen la posibilidad de ser usados como estrado; la visibilidad desde el vestíbulo de esta zona es buena» por lo que a través de la arqueoacústica se ha demostrado que «las propiedades acústicas de ciertos recintos determinan la presencia o no de arte prehistórico. Hay espacios naturales con megalitos, cuya colocación modifica la acústica de esos espacios» se señala en el estudio.
La conclusión a la que llega este estudio sonoro que se ha presentado es que el Parpalló posee cualidades acústicas especiales, entre ellas, que el campo de presión sonora en su interior no es excesivamente reverberante y la inteligibilidad es significativamente mayor que en otros recintos de este tipo.

Descargar texto en formato PDF

http://www.naisa.ca/soundtravels/

LE LABO (LE LABORATOIRE D’ART)
* new* gallery
Toronto Island outdoors
and at St. Andrew By-the-Lake church
June 5 to October 1, 2008

Sound Travels brings sound art to the outdoors on Toronto Island in a way that entices the curious and provides a unique experience each and every year. This 10th edition of the annual festival will this year feature an expanded set of indoor and outdoor interative installations and sound sculptures as well as indoor and outdoor concerts, site-specific performances, soundwalks, artist talks and workshops as well as the 2nd annual Toronto Electroacoustic Symposium.

Concierto de Escalera de Emergencia para un Atardecer en Madrid

Acción sonora realizada por

#Atmósfera::Sustrato_Ruido (Enrique Tomás & Verónica Pérez Pérez)

+

AU

Dónde y cuándo:
Madrid - Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense - Patio Oeste - Escalera de Emergencia
Jueves 26 de Junio a las 20h (acabaremos antes del partido de España!)

Via Musicradar.com

Literal:

Korg’s new nanoSeries devices are designed to meet the needs of artists who like to make music on the go but don’t want to make any sacrifices in the control department. The range features three compact products: nanoKEY, nanoPAD and nanoKONTROL.

MORE…