El sintetizador soviético que unió el ocultismo y la música electrónica

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[This is a translation of a post by Klint Finley published in Boing Boing: "Soviet synthesizer bridged occultism and electronic music"]

El sintetizador ANS no se toca con un teclado, tienes que grabar imágenes sobre planchas de cristal cubiertas de masilla negra e introducirlas en una máquina que proyecta luz a través de los grabados, disparando una amplia gama de tonos. Los grabados hechos en la parte baja de las planchas generan tonos graves, mientras que los grabados de la parte alta generan tonos agudos. El sonido se genera en tiempo real y el tempo depende de lo rápido que insertes las planchas de cristal.

No se trata de una curiosidad nueva de algún dorkbot o feria de inventores, es un sintetizador ruso prácticamente olvidado diseñado por Evgeny Murzin en 1938. Este sintetizador debe su nombre, y está dedicado, al compositor experimental ruso y ocultista Alexander Nikolayevich Scriabin (1872–1915). Quizá su nombre no te diga gran cosa, pero lo cierto es que ilustra una longeva conexión entre la música electrónica y lo oculto.

La historia de la música electrónica está repleta de trazas de lo oculto. El futurista italiano Luigi Russolo, quien construyó sus propios instrumentos mecánicos en torno a 1917, estaba obsesionado con lo oculto. El famoso sintetizador Moog hizo una de sus primeras apariciones en la banda sonora que Mick Jagger realizó para la invocación cinematográfica de Kenneth Anger Invocation of My Demon Brother (1969). A finales de los años 70, Throbbing Gristle construyeron sus propios instrumentos electrónicos para sus experimentos sonoros ocultistas, estableciendo las bases de muchos de los grupos industriales ocultistas posteriores. Actualmente, el género witch house sigue manteniendo viva esta tradición.

No es extraño que los sonidos sobrenaturales y las ilimitadas posibilidades de los sintetizadores y los samplers evoquen lo visionario, pero esa no es la única conexión entre ambos mundos. El objetivo del alquimista no es simplemente la síntesis literal de los elementos químicos, sino también la síntesis en el sentido hegeliano: la combinación de ideas. Solve et Coagula. Desde la magia hermética de la antigüedad al Ordo Templi Orientis de Aleister Crowley y los magos del caos modernos, los ocultistas occidentales han intentado combinar tradiciones y costumbres en un único sistema universal de práctica y pensamiento.

La música electrónica surgió a partir de un terreno intelectual similar, y todo empezó con Scriabin.

Scriabin es recordado por los expertos en música clásica por su trabajo pionero en torno a la atonalidad y el multimedia. Como apuntan casi todos sus biógrafos, estaba muy influenciado por los pensamientos ocultistas altamente sincréticos de la cofundadora de la Theosophic Society, Madame Blavatsky, y la teosofía fue lo que dio pie a algunas de sus obras más famosas.

En su última sinfonía, Prometeo: Poema de fuego, Scriabin utilizó una herramienta que construyó él mismo llamada la «tastiera per luce» para proyectar colores en sincronía con la música. Utilizó tablas de correspondencia de la teosofía que asociaban diferentes colores y tonos con diferentes planos de la realidad, como la espiritualidad y la razón. La obsesión de Scriabin por asociar colores con tonos concretos ha llevado a sugerir que sufría de sinestesia. Después de Prometeo, abandonó las tablas de correspondencia de la teosofía y creó las suyas propias, lo que llevó a los reputados investigadores B. M. Galeyev y I. L. Vanechkina a concluir que Scriabin no sufría de esa condición. En cualquier caso, el deseo de sintetizar aspectos de lo oculto a través del sonido, la luz y otros sentidos y convertirlo en una forma artística permaneció en su obra.

Según un estudio de Emanuel E. Garcia, Scriabin sintetizó su propia forma de misticismo idiosincrático influenciado por la teosofía, el movimiento simbolista ruso y pensadores como Friedrich Hegel (el abuelo de la síntesis), Konstantin Bal’montel príncipe Evgenii Trubetskoy y Vladimir Solovyov. Esta línea de pensamiento ocultista inspiró su magnum opus Misterio.

Misterio debía ser lo que hoy llamamos un festival de artes multimedia. Aquí John Bell Young describe la idea del evento:

El sueño de Scriabin era celebrar Misterio en el Himalaya. Lo concibió como un gran ritual de purificación en el que había campanas colgadas de las nubes. Miles de participantes, ataviados con batas blancas, entonarían sus mantras melismáticos con el fervor de los derviches, dedicando hasta el último rescoldo de su energía al servicio de su idealismo artístico. Concibió una orgía de los sentidos, y para ese fin creó una coreografía de luces, olores, colores y danzas exóticas. Todo ello debía durar una semana, conduciendo al apocalipsis y el final del tiempo. Una vez trascendido el mundo físico, el ego se desmaterializaría y el hombre renacería como concepto puro. Incluso llegó a comprar un terreno en el Himalaya anticipando la realización de su grandilocuente evento.

Esta visión apocalíptica parece sacada directamente de The Secret Doctrine de Blavatsky, que predecía que los humanos modernos serían reemplazados por una raza más evolucionada.

La síntesis en el futurismo ruso e italiano

Según Luigi Russolo, Futurist: Noise, Visual Arts, and the Occult, de Luciano Chessa, Scriabin y la teosofía fueron influencias significativas del movimiento futurista italiano, especialmente del autor del Manifiesto futurista, Filippo Marinetti, y del pionero de la música electrónica y autor de El arte de los ruidos, Luigi Russolo. Las ambiciones futuristas de unir el arte, la ciencia y la política se hacen eco de los esfuerzos de la Theosophical Society por sintetizar espiritualidad y ciencia.

La vanguardia rusa, referida en general como «futuristas», demostró ambiciosos esfuerzos por llegar a la síntesis, tal y como se explica en el estudio de Andrey Smirnov y Liubov Pchelkina Russian Pioneers of Sound Art in the 1920s. Mientras que los futuristas italianos se unieron a los fascistas (Marinetti coescribió el Manifiesto fascista, que no tenía mucho que ver con el fascismo llevado a la práctica), la vanguardia rusa se unió al marxismo. Lunacharsky, el Comisariado Popular para la Instrucción Pública, comentó al compositor Sergei Prokofiev: «Eres un revolucionario en la música igual que nosotros somos revolucionarios en la vida, deberíamos trabajar juntos». Marx y Engels estaban influenciados por Hegel, igual que Scriabin, y los marxistas conocían la teoría de Gran Unificación.

La vanguardia rusa llevaba mucha ventaja a occidente en lo que se refiere a desarrollo de instrumentos electrónicos. Leon Theremin, inventor del primer instrumento electrónico fabricado en masa, es el experimentador más recordado de esa época. El theremin sintetiza movimiento y sonido de la misma manera que el ANS sintetiza imagen y sonido. No obstante, el instrumento epónimo de Theremin no fue su único experimento. «Thremin trabajó en infinidad de proyectos, intentanto unir música, luz, movimiento, olor y tacto en una sola tecnología», escriben Smirnov y Pchelkin. Scriabin se hubiese sentido orgulloso de él.

Algunos de los colegas de Theremin fueron más allá, intentando sintetizar arte, ingeniería y política. Por ejemplo, la teoría del «proyeccionismo» del artista y filósofo Solomon Nikritin no se aplicaba simplemente al arte, sino a la creación de toda una nueva sociedad. «En 1924, Nikritin llegó a intentar registrar el proceso de la evolución de la conciencia y la energía creativa de la sociedad desde estados primitivos, simples, hasta la perfección de una sociedad futura sin clases», arguyen Smirnov y Pchelkina. Si recuerda a Scriabin o Blavatsky es porque el proyeccionismo de Nikritin está directamente influenciado por la teosofía. Nikritin estaba también influenciado por la teoría de tektología de Alexander Bogdanov (predecesor de la cibernética y la teoría de sistemas), y Bogdanov estaba influenciado a su vez por el filósofo místico Vladamir Solovyov (ver Gnostic Wars de Stefan Rossbach y el ensayo de Charlotte Douglas «Energetic Abstraction» publicado en el libro From Energy to Information).

El ANS

En el momento en el que Murzin empezó a trabajar en el ANS en 1938, los lazos políticos de la vanguardia rusa se estaban volviendo en su contra. Como explica Isobel Clouter en un episodio del programa de BBC Radio The Soundhunter, la mayoría de estos antiguos proyectos de arte sonoro fueron destruidos. Los ingenieros fueron forzados a trabajar en otros proyectos artísticos en secreto y se limitó su acceso a las piezas mecánicas. Estas condiciones frenaron el desarrollo del ANS. Según Stanislav Kreichi, asistente de Murzin y único operador vivo del ANS, Murzin no tuvo acceso a un laboratorio para completar el ANS hasta 1958. Quizá este desarrollo tardío lo salvó del destino que sufrieron otras máquinas de arte sonoro vanguardistas. Según Smirnov y Pchelkina, fue la última creación de arte sonoro rusa no basada en prototipos occidentales. El futuro de la música electrónica pertenecería a empresas japonesas y occidentales, no a Rusia.

El ANS se utilizó en 1972 en la banda sonora de la película de Andrei Tarkovsky Solaris, actualmente está detrás de una cuerda en el Glinka Museum of Musical Culture, raramente usado y prácticamente olvidado. Algunos artistas han grabado discos con él durante los últimos años, quizá los más famosos son los músicos electrónicos/ocultistas Coil, quienes viajaron a rusia en 2002 para grabar su disco ANS y su segunda parte, COILANS. Según las notas del disco, el grupo solo tuvo tres días para trabajar con la máquina, así que en lugar de intentar componer piezas premeditadas se limitaron a grabar sus símbolos mágicos en planchas y a convertirlos en sonido.

Mañana

Hoy en día los componentes electrónicos y los ordenadores son mucho más baratos, y además existen tecnologías de código abierto, como ArduinoProcessingPureData, que han llevado a un nuevo resurgimiento del arte sonoro. Dorkbot y Maker Faire ofrecen una plataforma para experimentos con luz y sonido, como LAMOSO de Christi Denton, que dispara sonido utilizando láseres.

Mientras tanto, en una cultura obsesionada por la retromania, el movimiento New Aesthetic está intentando responder a la pregunta de «qué será lo siguiente» en el mundo del arte y la tecnología y estudiando los sentidos de las máquinas. La tecnología de código abierto de visión maquinallos algoritmos de aprendizaje de las máquinasla impresión 3D abren caminos nuevos a los artistas-ingenieros. Existen muchas posibilidades de que la nueva generación de sintetistas multidisciplinarios forjen una nueva filosofía del todo aprendiendo de la historia y deshaciéndose de las supersticiones y dogmas políticos del pasado.

Referencias y más lecturas:

Theremin Center: ANS de Stanislav Kreichi.
Segmento de BBC Radio sobre el ANS y la música electrónica experimental de principios del siglo XX en Rusia (es un vídeo de YouTube, pero solo tiene sonido).
La banda sonora de la película Solaris, creada con el ANS.
El resumen de Jonathan Dean de las notas del disco COILANS.
Russian Pioneers of Sound Art in the 1920s de Andrey Smirnov y Liubov Pchelkina.
Scriabin: A Great Russian Tone Poet de Arthur Eaglefield Hull.
Scriabin’s Mysterium and the Birth of Genius de Emanuel E. Garcia.
Was Scriabin a Synaesthete? de B. Galeyev y I. Vanechkina.
Madame Blavatsky’s Baboon de Peter Washington.
Luigi Russolo, Futurist: Noise, Visual Arts, and the Occult de Luciano Chessa.
Gnostic Wars de Stefan Rossbach.
From Energy to Information: Representation in Science and Technology, Art, and Literature editado por Bruce Clarke y Linda Henderson.
Un vídeo de YouTube video del ANS en acción.
Y otro.
VIRTUAL ANS: Un software de sintetización para Windows que intenta emular el ANS.

Sound Studies: Art, Experience, Politics

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8 July 2015 – 10 July 2015 CRASSH, Alison Richard Building, 7 West Road, CB3 9DT – SG1&2

The conference will consist of presentations by leading academics and practitioners in the field of sound studies, alongside papers by graduate students and early career academics. We aim to facilitate dialogue between academics and artists/practitioners across the many disciplinary areas of sound studies. The conference will feature an artist in residence and a sound art installation, and will include an evening Sound Art and Criticism Salon.

  1. Call for Academic Papers
  2. Call for Sound Art and Criticism Salon
  3. Call for Artist in Residence

All proposals should be emailed to soundatcambridge@gmail.com by 15th March 2015.

Sound Studies: Art, Experience, Politics is a three-day conference featuring leading researchers and artists in the field. The conference will include presentations by leading academics, as well as a sound art installation by an artist in residence, and an evening Sound Art and Criticism Salon.

The conceptual foundations of this conference are that sound is a vast assemblage of multisensory experiences and multivalent conceptualisations, and that sound is at once embodied, social and political. Sound Studies: Art, Experience, Politics invites researchers to consider not only the relationship between sound and broader sensory perception but also the social, political and economic implications of sound. The conference will address two interrelated themes: Sound, Society, Politics and Sound and the Body. Conference sessions will include papers on:

Gendered Sounds
Sound, Conflict & War
Urban Phonography
Sound, Embodiment & the Multisensory
Sound Studies: Art, Experience, Politics aims to draw attention to the international growth of sound studies, and to emphasise the innovative and potentially subversive nature of research that steps outside of the norms of academic investigation into visual and textual materials.

The conference concludes with a plenary by Prof. Steven Connor (Department of English, University of Cambridge).

Cat Ear Headphones

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Cat Ear Headphones

Axent Wear was started by two UC Berkeley alumni with an idea. An idea for some really great, unique headphones that had never been pioneered before. Or at least, not like this. Presenting Axent Wear, glowing, badass headphones that let you blast your music and express your style. The latest fusion of fashion and functionality with external cat ear speakers and LED lights.

What does a demonstration in Berlin sound like?

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Berlin is a demo-machine

In Berlin one can participate in a demonstration every day. There are so many demo’s that a local newspaper has a special section next to the movie schedule and the weather forecast. So you can easily pick your favorite demo for the next week. There is plenty of choice. Immigration, anti-immigration, for democracy, against fascism, for Charlie Hebdo, against gentrification, for bees, against genetic engineering. There is even a demo against the winter on January 31. The flyer is accompanied by a gold metallic emergency blanket.

Alexanderplatz

When Berlin is a demo-machine Alexanderplatz is the gear around which everything revolves. Many demos begin or end here. In that respect we sit in front row with our residency. Monday there were even two at the same time: The xenophobes of Pegida tried to get a foothold in Berlin and the antifascists were opposing them. There was a preponderance of riot police on the streets to keep the two groups apart…

We took to the streets and made some sound recordings with our binaural set. Wondering how a demo sounds in Berlin?

Listen with headphones to any of the tracks above and imagine you are marching with us.

Soundtrack City

The Soundscapes of New Towns

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Máster en Arte Sonoro @ Universidad de Barcelona (I/II)

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Máster de Arte Sonoro @ Universidad de Barcelona
Entrevista con José Manuel Berenguer

En los próximos días postearemos aquí las respuestas que nos ha ofrecido amablemente José Manuel Berenguer a las preguntas que le hemos formulado sobre el Máster de Arte Sonoro y que tiene lugar en la Universidad de Barcelona. Precisamente en estos días es cuando el período de matriculación comienza y finaliza el próximo 17 de febrero de 2015. Toda la información sobre el Máster se encuentra en esta página.

¿Qué novedades ofrece Master de Arte Sonoro con respecto a los años anteriores?

José Manuel Berenguer: “La diferencia con otras ediciones del Máster está en los contenidos y la orientación de los postgrados. El primero se consagra a la creación del sonido : es el Postgrado de Creación Sonora. Su generación, su tratamiento, su percepción, su experiencia, su significación, en definitiva, la relación del sujeto con el sonido. Como anteriormente, continuamos con tres ejes de conocimiento distintos : uno basado en la Estética y la Etica del empleo artístico del sonido, cuya responsable es Carmen Pardo, profesora de la Universidad de Girona, otro que explora las cualidades físicas de la materia con posibilidades de sonar, los objetos sónicos y la escultura sonora, cuyo responsable directo es Josep Cerdà, director del Máster y del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes, Catedrático de Escultura, con la ayuda de Martí Ruiz, también profesor de la UB, y un tercero que trata de la fenomenología del sonido, la Psicoacústica, su relación con la Música Experimental y el empleo de herramientas tecnológicas con especial énfasis en la computación para la generación y el tratamiento de sonido y música. Las herramientas empleadas son diversos lenguajes y entornos de programación, tales como MaxMSP, PD, Java y JavaScript. El responsable de este tercer aspecto soy yo. Todos estos contenidos se enriquecen con módulos dedicados al Registro del Paisaje Sonoro, a cargo del artista sonoro e ingeniero de sonido Carlos Gómez, a la Creación Radiofónica, a cargo del artista y productor radiofónico Ray Gallon, el contenido y el discurso en la Instalación Sonora, a cargo de la falutista y artista sonora Barbara Held y la generación de comportamientos musicales con especial énfasis en el empleo de Supercollider, a cargo del artista sonoro, teórico y programador de eventos musicales Roc Jiménez de Cisneros.

El segundo postgrado se dedica a las formas de presentación del sonido, a la proyección del sonido en el mundo. Por eso, recibe el nombre de Postgrado en Diseño Sonoro. Esta vez hay cuatro ejes de conocimiento que vertebran le programa de esudios. Se trata, en primer lugar, de las implicaciones sociales y políticas el artes sonoro y es Carmen Pardo quien lleva esta parte, del diseño arquitectónico y sus implicaciones sonoras, impartido por el profesor Francesc Daumal, Catedrático de Acústica Arquitectónica de la Facultad de Artquitectura de la UN y co-director del Máster, de los recursos técnicos para la instalación sonora, asegurado por el profesor Josep Cerdà  con la ayuda de Martí Ruiz y, finalmente, del papel del espacio, el gesto y el tiempo en la Música Experimental así como de las herramientas tecnológicas y computacionales que permiten el dominio de esos aspectos, cuyo docente soy yo. Nuevamente, hemos planteado el enriquecimiento de estos contenidos básicos con tres módulos : Metáforas espaciales del sonido, Seminarios de orientaciones artísticas y Seminarios técnicos. El primero consta de tres contribuciones. La primera, de la compositora y arquitecta, Anna Bofill, se dedica al papel del sonido y de la música en la percepción del espacio y el del espacio en la percepción del sonido y de la música. La segunda, del pianista, improvisador y compositor Agustí Fernández y el bailarín Andrés Corchero. Completa este módulo la propuesta de los compositores Medín Peirón y Pablo Fredes, que presenta el empleo de los altavoces para la espacialización del sonido y de la música. Los seminarios de orientaciones  artísticas cuentan con el conocimiento del poeta y comisario artístico Eduard Escoffet, que ofrece un módulo de Poesía Sonora y Polipoesía, del compositor Medín Peirón, que ofrece una perspectiva de la creación acusmática y de la especialista en nuevos media Anna Ramos, responsable de Radio MACBA. Los seminarios de orientaciones técnicas se aseguran con la participación de Carlos Gómez, que esta vez trata la postproducción de audio y de la flutista e improvisadora, profesora de improvisación musical la universidad de Colorado Jane Rigler.

El programa de estudios del Máster en Arte Sonoro ha experimentado un cambio importante. Es cierto que, como antes, consta de dos postgrados, cada uno con una carga de 30 ECTS que se cursan en dos semestres distintos a los que sigue la confección del Trabajo de Fin de Máster, que, con 10 ECTS, tiene lugar a lo largo de un tercer semestre. Los estudios pueden ser cursados en un año y medio, pero este tiempo puede dilatarse según las necesidades de cada alumno.”

(Nota: Este post es el primero de dos posts).

#YesWeKlang en Grecia…

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Expatriarch RADIO

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Expatriarch expatriates from the patriarchy, abandoning our toxic macho society and envisioning what comes beyond – with a killer soundtrack to for the long road trip ahead.

Expatriarch is a multifaceted platform for music and other exploits emanating from planet Earth’s current queer creative capital, encompassing a monthly transgenre radio show (broadcast in four cities) and event production. Life is a cabaret, and in Berlin, you don’t need a license for dancing.

Expatriarch operates not simply by empowering women, but by dismantling the gender binary myth altogether. Moving beyond linear thought processes (e.g. masculine/feminine, natural/artificial), Expatriarch maneuvers queer and feminist theory into 4-D experiences from a post-whatever perspective, serving as a muse, a midwife and a mass murderer of culture.

isamTM – street aCCess maChine, 1996

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Según una anécdota contada por un representante de la compañía, cuando TTTP lanzó en una conferencia en Hamburgo su campaña publicitaria de la iSAMTM, o Internet Street Access Machine, Apple con- tactó inmediatamente con ellos. Sorprendentemente, Apple no esta- ba preocupada por la posible vulneración de los derechos de autor en relación con el diseño del producto, sino que expresó su interés en la tecnología wireless que éste llevaba incorporada. En aquel mo- mento, la compañía californiana estaba promocionando el potencial creativo y democratizador de la tecnología del ordenador personal en nombre del capitalismo punto.com. Cegada por la fantasía de ordena- dores portátiles sin cable, Apple no se dio cuenta de que iSAMTM era un producto ficticio y que la campaña publicitaria era un comentario subversivo sobre la misma ideología que Apple estaba promocionan- do. En contra de lo que sostenía Apple, la iSAMTM demostraba que la tecnología del ordenador personal no conducía a una sociedad más igualitaria. El negocio billonario de Apple era un ejemplo de cómo la tecnología del ordenador personal está a todas luces implicada en una nueva forma de capitalismo que, al igual que formas anterio- res, produce jerarquías sociales, lo cual incluye a figuras como la del mendigo. La pregunta de si el mendigo que puede aceptar pagos con tarjeta de crédito es una figura prometedora o trágica queda delibe- radamente abierta, pero la obra deja claro que, en la nueva economía, los mendigos siguen siendo mendigos. La iSAMTM formaba parte de una serie de productos (ficticios) registrados y promocionados por TTTP a través de carteles, folletos y un vídeo, todo ello diseñado si- guiendo la estética común de la corporación. Entre los productos se encontraban también la Street Access Machine®, la Recovery Card® y la Personal Folkcomputer®. A través de un exceso de identificación, los productos ponían al descubierto el fetichismo de los aparatos tecnológicos y el discurso de la tecnoliberación que acompañaban la cultura Apple emergente de mediados de la década de 1990 y la mentalidad utópica de la «ideología californiana» que ésta represen- taba. Demostraban que la lógica empresarial se estaba adueñando del lenguaje de la democratización y de la creatividad como nuevo me- canismo para reforzar su control social y cultural. Al mismo tiempo, los productos también señalaban que era posible imaginar de nuevo el dispositivo tecnológico de acuerdo con principios verdaderamente creativos, democráticos y progresistas. Tal y como decía el grupo de rap Public Enemy a finales de la década de 1980, los productos alen- taban al público a «no tragarse todo el bombo publicitario» [don’t believe the hype] y reconsiderar la idea de «tecnologías para la gente».

Daniel García Andujar isamTM – street aCCess maChine – 1996

Sound Studies: Art, Experience, Politics

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Centre for Research in the Arts, Social Sciences and Humanities, University of Cambridge

“Sound Studies: Art, Experience, Politics”
July 8-10th 2015 – University of Cambridge
Deadline: March 15th 2015

Sound Studies: Art, Experience, Politics is a three-day conference featuring leading researchers and artists in the field. The conference will include presentations by leading academics, as well as a sound art installation by an artist in residence, and an evening Sound Art and Criticism Salon.

The conceptual foundations of this conference are that sound is a vast assemblage of multisensory experiences and multivalent conceptualisations, and that sound is at once embodied, social and political. Sound Studies: Art, Experience, Politics invites researchers to consider not only the relationship between sound and broader sensory perception but also the social, political and economic implications of sound.

Conference sessions will include papers on:

  • Gendered Sounds
  • Sound, Conflict & War
  • Urban Phonography
  • Sound, Embodiment & the Multisensory

Sound Studies: Art, Experience, Politics aims to draw attention to the international growth of sound studies, and to emphasise the innovative and potentially subversive nature of research that steps outside of the norms of academic investigation into visual and textual materials.

The conference concludes with a plenary by Steven Connor, Grace 2 Professor of English, University of Cambridge.

We are seeking contributions in the form of academic papers, sound art, and an artist residency. Information can be found at the URL:

All proposals should be emailed to soundatcambridge@gmail.com by March 15th 2015.

Conveners:
Ely Rosenblum (Cambridge, Faculty of Music)
Anija Dokter (Cambridge, Faculty of Music)
Professor Steven Connor (Cambridge, Department of English)

Links:
www.crassh.cam.ac.uk/events/25663
www.facebook.com/soundatcam
twitter.com/soundatcam

(via Sonic Studies)