Convocatoria: Leonardo Music Journal 25. «The Politics Of Sonic Art»

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Para su número 25, la revista Leonardo Music Journal acaba de anunciar convocatoria de cierto interés.

Fecha límite de entrega de propuestas: 15 de octubre de 2014.

Fecha límite de entrega de artículos: 2 de enero de 2015.

Orientación editorial y hoja de estilo para autores.

Más información.

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LMJ25 Call for Papers: The Politics of Sonic Art

Call for Papers: LMJ25 — The Politics of Sonic Art

For Volume 25 of Leonardo Music Journal we are soliciting articles (papers of up to 3,000 words) and shorter statements (750-1,000 words) that address the role of politics in the creation and dissemination of music and related sonic arts, especially in those genres employing new technological tools. Possible areas of attention include (but are not limited to):

  • The mechanisms by which sonic art can represent and communicate political content without recourse to language.
  • Creative activity under precarious conditions in zones of war, repression and censorship.
  • Historical and political divisions between the categories of technician, composer, and inventor in electronic music studios and live performance.
  • How gendered, racial, cultural, and class privileges operate in technologically driven music.
  • The relationship of phonography and sound walks to environmental activism.
  • The ecological politics of computers and other of short-lifespan materials (recycling vs. landfills).
  • The development of alternative music controllers in response to disabilities.
  • Who benefits and who loses in a file-sharing market?

DEADLINES

15 October 2014: Rough proposals due.

2 January 2015: Submission of finished articles.

Address proposals and inquiries to Nicolas Collins, Editor in Chief, at: ncollins@saic.edu.

Editorial guidelines and information for authors can be found at www.leonardo.info/Authors.

Note: LMJ is a peer-reviewed journal. All manuscripts are reviewed by LMJ editors, editorial board members and/or members of the LMJ community prior to acceptance.


RWM From the soundscape meme to self-awareness

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RWM llevaba un tiempo publicando directamente PDF’s sin estar estos asociados necesariamente a un contenido de audio. Ahora se han propuesto dar una importancia especial a este formato publicando en epub para dispositivos móviles y PDF.
No hay excusa para no llevarte estos textos a la playa, o bueno, si tienes ya ese agrio síndrome de septiembre/lunes, al parque o el transporte público.
En esta ocasión se presenta un texto de José Manuel Berenguer que en palabras de Anna Ramos “analiza de una forma bastante interesante el panorama de las grabaciones de campo/paisajes sonoros y problematiza algunos aspectos de esta escena/entorno.”

Taking the term soundscape as a starting point, this essay by José Manuel Berenguer addresses a number of concerns relevant to understanding the listening experience within art and everyday life. Tackling questions such as phenomenology, cognition, new media, aesthetics and the overlap between art and science, Berenguer engages in a critical analysis of recent sound art practices, using both significant historical examples and his own experience.

Johannes Kreidler: Sí a todo

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Hace pocos días, una conversación con Fran M. M. Cabeza de Vaca, que volvía de presenciar un concierto suyo en Darmstadt, me devolvió a la memoria el trabajo del compositor Johannes Kreidler.

Kreidler siempre se me había hecho algo elusivo, principalmente porque tenía más constancia de su actividad dentro de la comunidad del lenguaje de programación multimedia Pure Data – es el autor, entre otras cosas, de «Loadbang. Programming Electronic Music in Pure Data», uno de los mejores manuales de Pure Data – que de su trabajo como músico y compositor contemporáneo.

Y Pure Data fue lo que utilizó Kreidler para componer, en 2008, su obra «Product Placements». «Product Placements» es una pieza relativamente breve: dura 33 segundos. Lo que ocurre es que, a lo largo de estos 33 segundos, la pieza echa mano de unos 70 200 (setenta mil doscientos) samples.

También ocurre que la entidad de gestión de derechos de propiedad intelectual musical alemana, la Gesellschaft für musikalische Aufführungs (GEMA), en algo que parece un intento por confirmar todos los estereotipos habidos y haber sobre la corrección, minuciosidad, burocracia y retención anal alemanas, contempla el registro de obra musical que incluya citas a otras obras originales más afín a lo que habría sido la reinterpretación o versión de obra musical de hace un par de siglos, que a la cultura del sampling actual. Para el registro de obra que contenga muestras de otra obra original, la GEMA exige cumplimentar un formulario (en, cómo no, formato DIN A4) por cada sample.

Ni corto ni perezoso, Kreidler cumplimentó los 70 200 formularios y se presentó a las puertas de las oficinas de la GEMA con la intención de registrar «Product Placements», dando lugar a la siguiente escena:


En el año 2009, Kreidler la vuelve a emprender, esta vez no con el (entre nosotros, bastante risible) estado de las gestoras de derechos de propiedad intelectual, sino con el más elusivo, pero más persistente, conjunto de mitos que rodean la figura de artista, autor, músico, y la producción artística.

Al recibir un encargo por $2000 del festival Klangwerkstatt Berlin para una composición, Kreidler decide hacer lo que haría cualquier artista consolidado y legitimado: delegar el trabajo duro de producción a otros. Pero, si bien habitualmente esto recae en alumnos/aprendices/asistentes de producción, en este caso Kreidler decide hacer una externalización del trabajo en toda regla, y lo hace a través del servicio online de The Mechanical Turk. Allí, contacta con dos músicos que ofrecían sus servicios, y encarga el primer movimiento de la composición al compositor chino Xia Non Xiang, a quien paga $30 por una pieza «en el estilo de Kreidler». El segundo movimiento de la pieza es encargado al programador multimedia indio Ramesh Murraybay, a quien Kreidler paga $15 para la programación de software que genere partituras algorítmicas, otra vez, «en el estilo de Kreidler».

La pieza resultante – con un coste de producción total estimado en $90 – se estrenó en directo en el festival bajo el título de «Fremdarbeit» (literalmente, «trabajo externalizado»):


Hvísl – Whispers of Iceland

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Hvísl is an invitation to both a visual and sound journey. Records from Icelandic atmospheres are played with the help of electronic sensors hidden in some pages accompanying the reading and the contemplation of pictures.

Concept and photography: Bertrand Lanthiez and Chloé Curé.
Sounds: Johannes Mandorfer.

Scientists are recording the sound of the whole planet

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Researchers are listening to everything from airplanes to bat calls in order to learn more about the state of the environment.

Full article @ The Verge

“WE NEED TO ABANDON THE IDEA OF WILDERNESS. IT DOESN’T EXIST.”

Pornografía, foley y doblaje

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Esta mañana en sounDesign han publicado un breve post hablando sobre el foley (recreación de sonidos) en el cine porno. El vídeo que habre el post es una parodia, algo que creo que salta a la vista enseguida aunque no lo sepas. Desconozco si en la industria del porno se utiliza el foley, probablemente no porque dudo que se tomen tantas molestias, lo que sí existe es el doblaje, con efectos vocales incluidos.

Miquel Parera @ Espacio Reflex (Donostia)

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V Euskarririk Gabe // Sin Soporte V:
Miquel Parera – “Sonic Mindfulness”

Miércoles 3 de Septiembre | 20:00 h.
@ Espacio Reflex, DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN

Retrospectiva SulPonticello

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Hace no mucho pensamos en que estaría bien comenzar a rebotar algunos de los contenidos de la revista SulPonticello. Con esto como excusa y como parte de las actividades a realizar con ocasión de nuestro cumpleaños, este septiembre, además de la presencia en el IV Encuentro RRSS en Museos y Centros de Arte. Musac, Leon, comienza una restrospectiva a partir de 10 post, que abre con esta entrevista sobre el proyecto.

Para empezar, una cuestión general que se nos antoja bastante complicada: en la época del mestizaje, ¿hay una definición válida que acote el concepto de arte sonoro? ¿Dónde acaba la música y empieza el arte sonoro?

JOSÉ LUIS: No creo que sea algo que nos preocupe demasiado. Yo al menos, lo que vuelco en mediateletipos es lo que está relacionado con el sonido, ya sea arte, música o cultura en una concepción más amplia. En cualquier caso, estas diferencias suelen tener que ver con el idioma en que está escrito el discurso. La música y el arte sonoro son idiomas o dialectos que hablan del sonido (o de otra cosa), bien desde la tradición del arte, la galería y el museo, bien desde la música, normalmente “culta”. En ambos casos, la distribución y percepción del sonido en relación a la historia de la ciencia, la tecnología o de la cultura popular, queda a veces fuera de estos discursos, aislando a estas tendencias estéticas, como ya se hizo con el arte de “”Vanguardia” del siglo XX y construyendo una historia de padres e hijos en la que los artistas deben reconocerse e incluirse si quieren entrar en el juego.

Ya entrando en la materia del proyecto, ¿cómo definiríais, sintéticamente, mediateletipos.net?

BLANCA: Yo creo que por un lado es un contenedor, en el sentido de que intentamos hacernos eco de todo lo que sucede en el ámbito del arte sonoro en particular y de ciertas áreas de los nuevos medios en general. Muchos de los posts son “teletipos”, difusión de noticias, proyectos, etc. a los que los medios de masas no prestan mucha atención. Por otra parte, también nos interesa la historia, la reflexión y la crítica, así que mediateletipos es una mezcla, quizá un poco anárquica, de diferentes cosas. Aunque seamos varios editores, catorce ahora mismo, no deja de ser un blog personal en el que cada uno escribe sobre lo que quiere.

Una década de observación desde un proyecto como mediateletipos da para tener una visión panorámica del arte sonoro. ¿Qué creéis que ha cambiado en este tiempo?

JOSÉ LUIS: Hay más personas interesadas por el asunto. En lo que se refiere al arte, comentamos estonuestro primer post: “Aunque al mundo del arte le cueste mucho reconocer el funcionamiento de lo sonoro, todo museo de arte contemporáneo o centro de arte que se precie a nivel internacional programa, expone oradia sonidos y arte (mezcle cada cual estas dos cosas como pueda). Incluso las grandes casas de radiomultiplican los programas dedicados al tema, no sólo sobre música experimental, sino sobre historia del sonido. Pero sobre todo, y quizás esta sea nuestra mayor alegría, el sonido importa ahora más de lo que lo hacía hace unos años.”

A lo largo de estos diez años mediateletipos.net se ha ocupado del acontecer del arte sonoro, pero también ha puesto el foco sobre unos proyectos concretos, que han  generado una atención especial. ¿Cuáles han sido y qué aspectos han hecho que el blog fije su atención en ellos?

JOSÉ LUIS: Hay algunos proyectos pasados como las colaboraciones con Sensxperiment que hicieron posible el programa de post sobre Inmersión Sensorial y mediateletipos retrospecta. Por supuesto escoitar.org ha tenido un gran protagonismo dado que un gran número de sus integrantes lo es también del blog.

Actualmente tratamos de sacar adelante algunas líneas temáticas sobre estudios de la escucha, sonido y audiovisual (aquí puede hablar mejor Blanca) y fonografía crítica (Kamen).

BLANCA: Creo que la atención a proyectos concretos viene dada sobre todo por los intereses personales de cada uno de nosotros. Por ejemplo, la sección sobre netlabels fue una iniciativa de Mikel, la de “Sound Studies” de José Luis; a Kamen le interesa más el tema de la fonografía crítica, a mí la relación entre la imagen y el sonido, etc. Otros proyectos, como #YesWeKlang surgieron de manera casi casual, como respuesta a algo que estaba sucediendo en ese momento.

¿Qué papel ocupa lo “político” en el proyecto? (el entrecomillado quiere aludir a la amplitud del término)

JOSÉ LUIS: Creo que casi todo. De una manera no siempre explícita uno de los objetivos principales es rebotar información que nos permita escuchar de manera crítica o pensar de manera crítica las cosas que tienen que ver con lo que suena. No es que sea un blog de arte-sonoro-político.

¿Qué véis en el horizonte de mediateletipos.net?

JOSÉ LUIS: Seguir posteando.

Sound De­vel­op­ment City 2014

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Sound De­vel­op­ment City 2014 is an artistic ex­ped­i­tion that starts on Au­gust 28th in Riga and ends on Septem­ber 13th 2014 in Hel­sinki. 12 se­lec­ted artists work­ing with sound, mov­ing image, per­form­ance and in other cul­tural fields de­velop pro­jects based on the ex­ped­i­tion’s theme ‘Mind the Gap!’.

The Sound De­vel­op­ment City 2014 par­ti­cipants and pro­jects are:

EX­PED­I­TION LO­G­BOOK
The par­ti­cipants doc­u­ment their ex­ped­i­tion, the pro­gress of the pro­jects and im­pres­sions by post­ing sounds, im­ages, texts and thoughts in the right column of this site. In the middle column, you find news re­gard­ing the every­day pro­gram and gen­eral in­form­a­tion. The left columnis being fed by our Ex­ped­i­tion Writer Uwe Lützen, who lays open the un­der­ly­ing top­ics, as well as con­nec­tions between the artists and their pro­jects.

Gap Sta­tion – on­line radio and radio trans­mis­sions. We are broad­cast­ing on the ‘Gap Sta­tion’, an on­line radio that is gen­er­ated out of the sound­ing works of the ex­ped­i­tion’s artists and con­tent pro­duced dur­ing the ex­ped­i­tion. Also, we broad­cast daily radio trans­mis­sions with the artists. The player and the archive of radio trans­mis­sions can be found in the top right corner.

Sound De­vel­op­ment City.

Obsolete Military Technology as Art Installation

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Before the invention of radar, the British military experimented with acoustic mirrors as a means of detecting approaching enemy aircrafts. Rather than displaying blips on a screen, these strategically placed parabolic monoliths simply reflected ambient noise from their concave surfaces, making it easier to discern far-off sounds, like the drone of an airplane’s engine.

After learning about the existence of these curiously primitive and imposing pieces of outdated surveillance equipment, which are still standing along stretches of England’s coast, artist Tim Bruniges recreated these interactive objects in a gallery setting. Earlier this year, in an exhibition called MIRRORS at Brooklyn’s Signal gallery, Bruniges installed a pair of 9 by 9 foot sound mirrors that he constructed from wood and concrete with microphones embedded in their center. The sculptures faced each other to create an interactive sound experience for visitors to the cavernous gallery space.

As sculptural objects, these sound mirrors almost seem like a mashup of the ancient stone statues of Easter Island and a boom box from the 1980s; a visual representation of the tension between tradition and technology in the 20th century. Bruniges also added elements of 21st century technology to the work. Live sound picked up by the microphones mounted in the mirrors were run through a series of digital effects, which were amplified by speakers placed in the space. This modification to the original British military sound mirrors design created an auditory environment where visitors would have difficulty discerning the sounds being reflected by the mirrors from the delayed sounds emanating from the speakers. This situation highlights 21st century tensions between the real and the virtual, which are stuck in an infinite feedback loop.

More than just recreating interesting cultural artifacts, MIRRORS is a poetically succinct diorama of the ambiguous spaces that we live in today, existing between the material and the digital worlds that continually reverberate off of each other. Bruniges, who just earned his MFA from The College of Fine Arts at the University of New South Wales this month, just built a second version of MIRRORS at Arc at COFA in Sydney. So, if you’re going to be in Sydney or New York in the next few months, be sure to keep your eyes and ears open for his upcoming projects.

(via makezine.com)