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Guy Debord es declarado ‘tesoro nacional’ por el Gobierno francés… ja… la info llega vía este artículo en el británico The Guardian:

The resurrection of Guy Debord
The situationist arch-rebel has finally been recognised as a ‘national treasure’ in France – but would he have appreciated it?

Guy-Ernest Debord would be spinning in his grave – had he not been cremated following his suicide in 1994. The arch-rebel who prided himself on fully deserving society’s “universal hatred” has now officially been recognised as a “national treasure” in his homeland.

The French government has duly stepped in to prevent Yale University from acquiring his personal archives, which contain almost everything he ever produced from the 1950s onwards: films, notes, drafts, unpublished works and corrected proofs, as well as his entire library, typewriter and spectacles. The crowning jewel is, of course, the manuscript of The Society of the Spectacle, Debord’s devastating pre-emptive strike on virtual reality. The small wooden table on which his magnum opus was composed is also thrown in.

It’s difficult to convey how bizarre it is to hear Christine Albanel – Sarkozy’s minister of culture – describing the revolutionary Debord as “one of the last great French intellectuals” of the second half of the 20th century. A love-in between a resurrected Andreas Baader and Angela Merkel would be only marginally more surprising. Then again, intellectuals have been something of a Gallic speciality ever since the Dreyfus Affair. They’re accorded the privileged status usually reserved for the likes of Bono on these shores. Jean-Paul Sartre’s funeral, in 1980, attracted some 50,000 punters. I doubt whether Noam Chomsky or Tom Paulin will top that.

But however incongruous her position, Madame Albanel is spot-on: no one – not even his sworn ideological enemies – can deny Debord’s importance. Even though the young prankster soon turned into a curmudgeonly old soak, his influence is all-pervasive. In fact, it was precisely because he hated the modern world with a passion that he was able to analyse it so presciently. “All that was once directly lived has become mere representation,” he observes in the opening pages of The Society of the Spectacle – a statement that’s only grown in truth since he made it, back in 1967.

Howls for Sade, his first movie, certainly was not “mere representation”. It was the cinematographic equivalent of a meeting between Yves Klein’s monochromes and John Cage’s 4′ 33″: the screen remains blank throughout – all-white when there is some dialogue and all-black the rest of the time. During the last 20 minutes, the film plays itself out in total silence and obscurity.

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VARIACIONES inicia un repaso exhaustivo y personal a la historia del sampling en la nueva serie Curatorial de Ràdio Web MACBA.

VARIACIONES toma el relevo a LINEAS DE VISIÓN en la línea de programación Curatorial de Ràdio Web MACBA con una nueva serie de seis episodios comisariados y conducidos en primera persona por el artista sonoro de San Francisco, Jon Leidecker, un auténtico especialista en el apropiacionismo sonoro. El recorrido empieza en 1908 y recoge los primeros intentos de convertir las grabaciones sonoras en nuevos instrumentos, a través de la música de Charles Ives, Happiness Boys, John Cage y James Tenney, entre muchos otros.

VARIACIONES #1 Transición (56′ 09”)

La idea de una pieza musical completamente original es relativamente reciente. Tradicionalmente, la música se transmitía a través del sonido, de generación a generación, incluso siglos después de la invención de la escritura musical. Los compositores del siglo XIV fueron los primeros en firmar sus piezas y reconocerlas como algo enteramente propio, fomentando así el culto al compositor individual. Pero tan pronto como las grabaciones suplantaron a las partituras en el siglo XX, la presencia de la influencia comunal volvió a hacerse presente a medida que los compositores empezaban a usar grabaciones para crear nuevas grabaciones. Ahora oímos más de una voz. Y es que desde el principio, las grabaciones han sido instrumentos.

El primer episodio de este repaso al collage apropiativo en la música va desde 1909 hasta 1961, empezando por Charles Ives, que compuso mediante una técnica de corta-y-pega con partituras, anticipándose a lo que más tarde harían muchos compositores utilizando mezcladores y editores de cinta en multipista. Unas décadas más tarde llegamos a “Twisting The Dials”, el tributo a la radio nocturna de los Happiness Boys en 1928, antes de llegar a las piezas para radio y cinta de John Cage, dos antecedentes del sampling titulados “Credo In US” e “Imaginary Landscapes”. Más tarde presenciamos el éxito de ventas masivo de los discos de Buchanan y Goodman y sus consiguientes pleitos, los collages de Richard Maxfield recortando sermones de un predicador, y concluimos con la cuidadosa disección de una grabación de Elvis en manos de James Tenney: “Collage No. 1″, el primer “remix”.

International Noise Conference

Atlanta,Jacksonville, Nashville, New Orleans, Houston , Austin, Los Angeles Oakland, San Francisco, Portland, Minneapolis,Madison,Chicago,Detroit, Cincinnati, Columbus,Cleveland,Rochester,Easthampton,Boston, Providence,New York City, Philadelphia,Baltimore,Chapel Hil,Toronto…………………..….Seúl , Tokio……………………….. Edimburgo, Newcastle, Manchester, Brighton, Londres, París, Antwerp, Amsterdam, Copenhague, Oslo, Estocolmo, Helsinki, Berlín, Praga, Viena, Budapest, Ljubljana, Roma, Milán, Zurich, Lyon ……………………………… Barcelona
una larga lista de ciudades ha sido y serán testigo de su celebración:

La International Noise Conference se celebra –sí, ¡se celebra!– en Miami desde el 2004
El 28 de ABRIL le toca a MADRID
Una Conferencia es una “exposición pública”, y en este caso lo que se expone son maneras de hacer. Como un simposio práctico.
Un lugar de encuentro para músicos y no-músicos mostrando maneras de sonar anómalas, audaces, poco habituales en cualquier caso.
Es Internacional, pues se trata de un festival itinerante cuyos perpetradores (que lo han oído todo ya) viajan por el mundo y tocan junto a artistas locales ávidos de chocarse con ideas frescas, incluso sorprendentes.
Un hombre que se hace llamar Rat Bastard inició todo esto dictando unas reglas muy estrictas a los participantes:

Sin portátiles
Sin mesas de mezclas
Sin Droning
15 minutos o menos

¿Qué pasa con el ruido?
Hablaremos de lo que nos pasa a nosotros. Nosotros espectadores cuya libertad –en tanto espectadores– consiste en disfrutar de la libertad de otro.
Y la libertad, lo sabemos, no necesita de ningún orden que la guarde, sino de una existencia que la reproduzca.

Via Krapoola

Performing Schlingen-Blängen on what was described as the world’s largest church organ. March 16, 2009.

http://soundscrapers.blogspot.com/

Military Atmospheres — Spaces of occupation, resistance, negotiation, and reclamation
Investigating the interface between military and civilian spaces.
By Nick Sowers (UC Berkeley, MA Architecture)

Sonic Mosaics es un libro de Paul Steenhuisen que recoge entrevistas con treinta y dos compositores contemporáneos, intentando entender los diferentes procesos creativos y maneras de escuchar.

Entre los entrevistados hay músicos de todo tipo, algunos tan conocidos como R. Murray Schafer, Robert Normandeau, Pierre Boulez, John Oswald, Mauricio Kagel o Hildegard Westerkamp. Entre tanta variedad de enfoques, desde el paisaje sonoro o la música electroacústica al apropiacionismo, es de esperar que sea una lectura de interés.

It is a common misconception that it is difficult or impossible to discuss music, that a piece of music simply speaks to the listener—or not. Paul Steenhuisen, in conversation with composers, offers readers insight into the creative process, and ways of listening and entering into works of new music. Steenhuisen, himself a composer of merit, talks one on one with thirty-two of his contemporaries—twenty-six of whom are Canadian—with a colleague’s candour, sympathy, and expertise. These rare intimations afford fellow composers, musicologists, students, and inquisitive listeners a comparative look into the lives of the people who write some of the most innovative, challenging, and sublime music today. Composers Interviewed: R. Murray Schafer; Robert Normandeau; Chris Paul Harman; Linda Catlin Smith; Alexina Louie; Omar Daniel; Michael Finnissy; John Weinzweig; Udo Kasemets; Pierre Boulez; Barbara Croall; James Rolfe; John Beckwith; Yannick Plamondon and Marc Couroux; George Crumb; Peter Hatch; John Oswald; Francis Dhomont; Martin Arnold; Helmut Lachenmann; Juliet Palmer; Christian Wolff; Mauricio Kagel; John Rea; Gary Kulesha; Howard Bashaw; Christopher Butterfield; Keith Hamel; Jean Piché; James Harley; Hildegard Westerkamp.

Aquí sabemos bien que esto de los netlabels no es nada nuevo y sobre todo que son un paraíso sonoro, pero ahora que el Ciberpaís ha publicado este “extenso” reportaje sobre el tema aprovechamos para ilustrarlo con el reportaje que ha realizado Kowalski sobre el tema. Así que en un mismo post 2×1 en cuanto a Cultura Netlabel.

La Cultura Netlabel from kowalski visuales on Vimeo.

Sellos discográficos, pero en línea
Los ‘netlabels’ se encargan de distribuir por Internet, gratuitamente, la música que se les cede también gratis - Alemania (con 64 sellos), Estados Unidos (41), Italia (25) y España (21) son los países donde más ha florecido este tipo de iniciativas

MARÍA OVELAR 23/04/2009
EL PAIS

La industria musical no atraviesa su mejor momento (el momento, en realidad, es una década), pero la música goza de salud envidiable. La crisis es de distribución, no de creación. Y una solución es la variante del sello discográfico físico, el sello online, el llamado netlabel.

“La labor de los netlabels ha sido menospreciada durante años por los medios de comunicación tradicionales”, dice el compositor de música electrónica Björn Hartmann. “Se habla mucho de la batalla judicial de la industria musical contra el intercambio de archivos, pero no se presta atención al idilio entre sellos independientes y ciberespacio”.

Fruto de esa alianza son las discográficas online, que ponen en relación a público y artistas. Los creadores ceden gratuitamente sus temas y los responsables de los netlabels los distribuyen gratis a través de su web. La relación es armoniosa: el consumidor no paga y el artista no cobra, y ambas partes son conscientes de su papel. Es un contrato inusual, pero acorde con los valores democráticos y participativos de la Web 2.0.

No existen datos fiables sobre el número de netlabels (también llamados sellos de MP3 y discográficas web), pero basta echar un vistazo a The Internet Archive (Archive.org) para percatarse de su importancia: mientras que en octubre de 2004 la página albergaba cerca de 130 netlabels y unas 3.200 grabaciones, en diciembre de 2008 reunía más de 600 discográficas online y 13.000 archivos sonoros.

Patryk Galuszka, un científico y economista polaco de 30 años, analizó esta escena a finales de 2008. Recurrió a dos catálogos famosos para sacar conclusiones: los alemanes Phlow Netlabel Catalogue y Rowolo.de. También visitó The Internet Archive, Sonicsquirrel.net y Last.fm. “Entonces trabajaba en el Instituto Max Planck para el Estudio de las Sociedades en Colonia, Alemania. Un total de 569 netlabels recibieron mi cuestionario y 337 lo respondieron. La primera parte de mi investigación está terminada, pero sigo con las entrevistas”, explica Galuszka.

De su estudio se desprende que los netlabels son difíciles de rastrear porque aparecen y desaparecen constantemente. De los que sobreviven, muchos nacieron después de 2003 (las licencias Creative Commons empezaron a asimilarse tras ese año, según Galuszka) y las más antiguas entroncan con el movimiento de las maquetas, de los sellos en casetes y del do it yourself (házlo tú mismo).

Las potencias de netlabels son Alemania (64), EE UU (41), Italia (25) y España (21). Quetzal Contla, uno de los fundadores de Netlabels & News, web especializada en noticias sobre lanzamientos y curiosidades de los sellos digitales, habla sobre su organización: “En Alemania e Italia el movimiento está organizado. Cuentan con una estructura, con más presupuesto y apoyo por parte de las autoridades, para organizar fiestas, por ejemplo. En España, Portugal, México y Estados Unidos hay una cantidad considerable de netlabels, pero no existe una comunidad tan fuerte”.”Los netlabels plantean muchos interrogantes sobre la industria musical y su modelo de financiación. Los actores involucrados no sacan dinero de ahí, tienen otros trabajos”, explica desde Calella (Barcelona) el británico Christian Negre, responsable de Netaudio.es, una plataforma que reúne sellos y artistas digitales

Según Negre, siempre ha sido así: al no tratarse de un negocio, el sector online no ha entrado en crisis. “Para financiarse, organizan conciertos y fiestas. Y construyen una imagen del sello como si fuera un club, con sus fans y todo. También venden merchandising, como camisetas con el logo de la discográfica”.

Este ex disc-jockey y profesor de Secundaria insiste en la relación entre público y artistas: “Antes de los conciertos, los grupos preguntan al público en el foro del netlabel los temas que quieren que toquen”. Un diseño muy cuidado es otra de la característica del fenómeno. Las webs están muy mimadas, y las discográficas digitales idean las portadas de sus referencias, los carteles de sus conciertos y sus flyers. En el equipo siempre suele haber un diseñador gráfico.

Fuera del ciberespacio, existe una escena de netlabels. Con sus festivales, sus fiestas y conferencias. El famoso festival Sónar ha sido una plataforma para los sellos online. Netaudio organiza una reunión anual en Barcelona, y la tercera, el próximo mes de octubre, será en el Centro de Cultura Contemporánea, en la que habrá charlas, sesiones de disc-jockeys y conferencias. “Netaudio es una plataforma internacional. Se celebran encuentros en más ciudades. Berlín y Londres son las que más presupuesto tienen. Moscú, Berna y varias localidades italianas, como Florencia, Roma y Milán, también han organizado los suyos”, señala Negre.

“Tenemos foros internos, pero no una estructura lo suficientemente potente como para considerarnos un organismo internacional”, dice Negre.
Si no hay dinero, no hay crisis

Christian Negre creó su propio netlabel en 2004. “Era disc-jockey profesional. Hacía mezclas con amigos de Canadá y de Inglaterra. Todo a través de la Red. Un día nos dimos cuenta de que los temas que componíamos se descargaban en distintas partes del mundo a través de redes de P2P. Decidimos fundar un sello: Open3.net, que cuenta con 33 referencias. No se repite ningún grupo. Mi intención es trazar la historia de los netlabels mediante nuestro catálogo”, explica.

El modelo de los netlabels se despidió hace años del mundo físico. Resulta paradójico que mucho antes de la crisis que ha afectado a multinacionales y sellos independientes como Touch and Go (que dejó de ser distribuidora a finales de febrero), existiera una fórmula basada en compartir música online. Si bien, como señala Negre, esta subescena está cambiando: “Algunas discográficas desaparecen, otras se convierten en sellos tradicionales o copian el modelo de iTunes y el pago por descarga. Creo que vender es un modelo obsoleto, los netlabels deberían seguir experimentando y siendo inconformistas”.

Miguel Ángel Lastra, del netlabel madrileño AddSensor, matiza: “Es un modelo rebelde, sí, pero la música no es completamente libre, depende de la licencia con la que se distribuya. Normalmente, son de libre copia y distribución, y en algunas ocasiones con la posibilidad de hacer obras derivadas, como en nuestro caso”.
Copyright o CC

Lastra se refiere a las licencias Creative Commons (CC), un modelo que permite elegir entre distintas modalidades: Attribution permite la copia, distribución y presentación pública de una obra siempre que se cite correctamente al autor; en el caso de la licencia Non-commertial, se permite lo mismo, pero siempre que no se realice con fines comerciales.

En el estudio de Patryk Galuszka, sólo el 5% de los 337 netlabels usaron el clásico copyright, y el 44% empleó Creative Commons Attibution Non-Commercial Non-Deritavives. Es decir, exigía citar al autor y prohibía el uso con fines comerciales y la modificación de la obra. Quizá los netlabels son una deriva de las viejas maquetas; pero, a diferencia de aquellas, beben de todas las fuentes sin pararse en fronteras geográficas o idiomáticas. La única frontera se llama dinero.

Con motivo de la presentación del libro Tres - The Actions 1981-2008 (Zammit Edicions), Tres propone una nueva acción titulada El ángel necesario.

El ángel necesario convoca a todos los interesados a participar en una experiencia colectiva de escucha atenta. La acción consiste en bajar las Ramblas, desde Canaletas hasta el edificio del Arts Santa Mònica, con los ojos vendados. Se trata de que los participantes realicen el recorrido acompañados por una persona de su confianza, que desempeñará las funciones de “lazarillo”. La acción finalizará en el interior del Arts Santa Mònica, adonde se accederá por la rampa frontal y donde tendrá lugar la presentación del libro a las 21h.

La convocatoria es para el miércoles 29 de abril a las 20h en la fuente de Canaletas o si se prefiere, directamente en el ASM a las 21h.

El libro Tres - The Actions 1981-2008 recoge, entre otros, los múltiples proyectos de Tres relacionados explícitamente con el silencio, como los conciertos para apagar, que consisten en conseguir el silencio más absoluto posible en la sala apagando cualquier tipo de dispositivo que emita un sonido, desde el aire acondicionado hasta las luces.

[+info]

Les hemos dado vueltas y revueltas a esta pareja en distintas alas de esta casa.
A oir que nos espera

San Vicente Ferrer 33
Nasti

http://audiorealism.se/technobox/index.htm

technoBox is your virtual techno studio on the go for iPhone / iPod touch featuring stunningly accurate emulations of three classic boxes: The legendary 303 bass line machine together with the smooth 808 and punchy 909 drum machines. technoBox has easy to use sequencing capabilities which lets you tie together patterns, or use it live by improvising pattern switches on the fly!

Via: opaco.org

LRM Performance presenta Cogwheel 3

La cita será el próximo sábado 25 de Abril a las 20 h en el Auditorio del CC La Elipa.

LRM Performance es una idea y producción del compositor David Aladro-Vico y la artista plástica Berta Delgado. Nace de la necesidad de romper las barreras conceptuales, físicas y sociales entre disciplinas artísticas como la música contemporánea, el arte contemporáneo y artes escénicas como la danza, para crear un trabajo nuevo con resultado escénico común.

Su último trabajo Cogwheel es una performance interdisciplinar basada en los conceptos de máquina, naturaleza, desgaste, rito y ciclo. Toma elementos del arte contemporáneo como el videoarte, la performance o la pintura; de la música contemporánea como las técnicas compositivas extendidas y electroacústica; y de la danza contemporánea en sus diferentes facetas.

LRM Performance trabaja cada actuación como una pieza única, ya que desarrolla e investiga siempre material nuevo, y utiliza tecnologías antiguas y nuevas, analógicas o digitales.

En esta ocasión, LRM contará con la colaboración de la coreógrafa y performer Teresa Acevedo, investigadora del movimiento y colaboradora del Jeune Théâtre International in Espace Pasolini, Valenciennes (Francia). Es creadora de El Ojo Desnudo, pieza estrenada en el festival Lignes de Corps de Valenciennes.

Tras la actuación, a las 21:15 h y en el mismo teatro, se celebrará una Mesa Redonda con el público.

Intervendrán:

Jesús Cámara (director del Museo Salvador Victoria y comisario de Artes Plásticas del distrito Ciudad Lineal).

Blanca Baltés (Programadora de la campaña Linea Artes Ciudad Lineal)

David Aladro-Vico (compositor, miembro de LRM Performance)

Berta Delgado (artista plástica, miembro de LRM Performance)

Teresa Acevedo (performer y coreógrafa colaboradora de LRM Performance)

Jaime del Val (Artista y creador del proyecto transdisciplinar REVERSO)

Paul M. (redactor del blog de Arte Contemporáneo Inicios.es).

Cuando: Sábado 25 de Abril a las 20:00 h (Actuación de LRM) y 21:15 h (mesa redonda)

Donde: Auditorio del CC La Elipa, (Metro: La Elipa - Línea 2).

c/ Santa Felicidad 39

mas info:
http://www.LRM-info.com/

Tercer Festival de Artes Electrónicas y Video Transitio_MX

Convocatoria

Con el fin de apoyar, reconocer y difundir la producción e investigación actual en torno a los medios artístico-tecnológicos, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, convoca a la comunidad nacional e internacional a participar en el Tercer Concurso de Artes Electrónicas y Video que se llevará a cabo en el marco del Festival, a celebrarse en octubre de 2009.

El concurso está abierto a todos los individuos, grupos y asociaciones activos en la producción creativa con medios electrónicos como videoarte, arte sonoro, net-art, instalaciones, artes escénicas, composición, performances o acciones y manifestaciones afines.

En la tercera edición, intitulada Autonomías del desacuerdo, el Festival propone un escenario de prácticas localizadas, donde el desacuerdo sea el vehículo que permita establecer relaciones de diálogo y de intercambio, en la esfera del arte electrónico tanto nacional como internacional.

Con el fin de reconocer los distintos desplazamientos tecnológicos y los lugares del suceder artístico, se lanza la convocatoria internacional con particular énfasis en aquellas manifestaciones artísticas cuyas innovaciones y aportaciones tecnológicas se conciban de manera crítica. En esta ocasión se abren a concurso las siguientes categorías:

Centro Nacional de las Artes
Centro Multimedia
Avenida Río Churubusco 79, Colonia Country Club,
C. P. 04220, Coyoacán, México, D. F.

Atención: Ana Villa
Tel. 41 55 00 00 Ext. 1207, o al correo: concurso03@transitiomx.net
Los horarios para proporcionar informes son de 10:00 a 15:00 hrs.

7th April - 2nd August 2009

Over the past several years, the international art scene has seen a plethora of events attesting to a growing preoccupation with the place of music in contemporary art.

Invasion of Sound proposes a reading of the esthetic relationship between the visual arts and music as relating to culture, rather to cultures. Such an approach can encompass the whole of music and, at the same time, art in its entirety. To be precise, the exhibition pays particular heed to the points of friction between different musical genres, between different esthetic universes, between different cultures. In other words, Invasion of Sound aims to reveal how certain musical contexts of particular works disclose a critical distancing with the cultural, social, historic or political norms that the work addresses.

The tenacity of a carefree melody in the memory of those who have experienced exile, the improbable cross-pollination of a Baroque ensemble and a country orchestra, the harmony of a choir in the context of social suffering, the force of rock music or of a brass band interpreted as the history of a people, the melody of a flute as far-away echo of a revolution…. Taking forms ranging from brass-bands to symphonic orchestra, from street music to the score of road movies, from chamber orchestra to free Jazz, the genres are called on and merge in this proverbial voyage where singular works conjugate very different states of consciousness, and in which sonorous confrontations reveal attentions forgotten by and to the family of man.

Artists participating in the exhibition: Marina Abramovic, Francis Alÿs, Miroslaw Bałka, Dominique Blais, Andrzej Bieńkowski, Libia Catstro & Ólafur Ólafsson, Jeremy Deller, Latifa Echakhch, Rodney Graham, Amy Granat & Drew Heitzler, Graham Gussin, Matthew Day Jackson, Krzysztof Knittel, Peter Kogler, Katarzyna Kozyra, Robert Kuśmirowski, Piotr Lutyński, Christian Marclay, Céleste Boursier-Mougenot, Ana Prvacki, Mark Raidpere, Anri Sala, Wilhelm Sasnal, Denis Savary, Jacek Sempoliński, Tomasz Tatarczyk, Paweł Mykietyn, Caecilia Tripp, Su-Mei Tse, Artur Żmijewski.

curators: Agnieszka Morawińska, Francois Quintin
cooperation: Anna Tomczak

Zacheta National Gallery of Art
Pl. Małachowskiego 3
00-916 Warsaw, Poland
tel. (+48 22) 827 58 54
press@zacheta.art.pl

http://www.zacheta.art.pl

El concurso del Festival Internacional de Cine de Tarragona: Live Cinema es un certamen único en España que agrupa ocho propuestas experimentales de artistas multimedia. Han habido otros proyectos pero no han tenido continuidad. La selección del concurso de este año recoge algunas de las propuestas nacionales e internacionales con una importante trayectoria. El festival de Tarragona ha sido colocar el LIVE CINEMA en un espacio de consumo y exhibición que permitirá ver diferentes estilos y propuestas muy interesantes. A continuación la nota que nos han enviado para difundir el evento de las próximas semanas.

Toda la información detallada en este enlace

Cuando llega la noche, el REC 09. Festival Internacional de Cine de Tarragona, se abre a las propuestas audiovisuales más vanguardistas, agrupadas bajo la sección a concurso Live Cinema. Esta etiqueta de nuevo cuño es una versión siglo XXI de la proyección de películas mudas con música en directo en los albores del cine. Live Cinema define por tanto el trabajo en directo de los videodj’s, creaciones en vivo en las que música e imagen dialogan. Son prácticas artísticas que aprovechan las nuevas tecnologías y se programan tanto en museos y galerías como en clubes y festivales de música electrónica y arte multimedia.
Este año, el certamen, único en España, ha adquirido rango internacional. Entre el 29 de abril y el 2 de mayo se han seleccionado ocho propuestas que han participado en festivales de referencia como Mapping (Ginebra), ZEMOS98 (Sevilla), VAD (Girona), Cimatics (Bruselas), Cinesthesy (París), Experimentaclub (Madrid) y Blip Fest (Nueva York).

La programación es un abanico amplio de estilos que sirve para establecer los parámetros actuales de la novedosa disciplina del Live Cinema. Así, hay una propuesta, Digital China, que combina planteamientos documentales con la electrónica más actual, y emplea instrumentos tradicionales de Oriente con loops, texturas, juguetes electrónicos y ordenadores. En un concierto contundente, la banda audiovisual Meneo recurre a la arqueología de los media con un resultado retrofuturista: los bips emitidos por consolas de los ochenta y game boys combinados con imágenes pixeladas a ritmo de reggaeton.

Otros participantes, como los italianos XX + XY y el tándem Neuronoise, artífices de una orquesta de instrumentos activados a partir de sensores, acercarán al público procesos tecnológicos sofisticados y soportes de software desarrollado por ellos mismos, cuyo resultado son paisajes cibernéticos nunca vistos.
Con un trabajo más depurado visitan Tarragona el alemán Rafaël, que en cada sesión articula un rompecabezas de fotografías, vídeos, diapositivas y fotocopias, y los sevillanos Negativo, exploradores de la poesía electro-visual en tiempo real.

Para completar el programa, dos propuestas frescas e irónicas: DJ Error-VJ Horror, donde Calpurnio, el creador del vaquero del cómic Cutlass, conjuga la psicodelia con la electrónica, y Me & Blanche, que llevan de viaje al espectador a un mundo infantil de olores, colores y juguetes a partir de trasparencias, atmósferas y pasteles.

La sección oficial se aderezará con el directo de Kaamos Trilogy, de Arbol y Solu, videoartista finlandesa de prestigio que precisamente acuñó el término Live Cinema en su tesis, y la instalación pLayModes, para la que Eloi Maduell y Santi Vilanova se han inspirado en los espejos mágicos de los parques de atracciones. La propuesta artística se basa en el concepto de “buffer de vídeo”: por un lado, la instalación nos muestra nuestro reflejo en tiempo real al tiempo que lo contrapone con otra imagen que transcurre en un pasado inmediato.

Playmodes : L8P experiment from eloi maduell on Vimeo.

La cita con todas estas exquisiteces contemporáneas será en el Camp de Mart, un auditorio a modo de teatro griego moderno, situado frente a las murallas romanas de Tarragona.

Miércoles 29 de Abril
MITOSIS NEURONOISE (Lanzarote)
+ AMOR - NEGATIVO (Sevilla)

Jueves 30 de Abril
LUMA XX+XY visuals (Roma)
ME AND BLANCHE ME&BLANCHE (Madrid / Florencia)
MENEO MENEO (Barcelona)

Viernes 1 de Mayo
DIGITAL CHINA THE DIGITAL CHINA PROJECT (Barcelona)
1+1 = 3 RAFAËL (Berlín)
ERROR- HORROR DJ ERROR – VJ HORROR (Valencia)

http://ocarina.smule.com/

Ocarina™ is the first true musical instrument created for the iPhone. Both experts and beginners will be amazed by this innovative player. Ocarina is sensitive to your breath, touch and movements, making it even more versatile than the original. Unlike other musical applications, there are no pre-compiled riffs so musicians will find unlimited opportunities for self-expression. Advanced options allow you to choose between diatonic, minor and harmonic scales. Or channel your favorite video game adventurer with Smule’s Zeldarian mode.

SMule: Ocarina [Zeldarian] from Smule on Vimeo.

Via: Dagus-Wan Kenobeat