Entrevista ILIOS. Sensxperiment 2011 by Sensxperiment on Mixcloud

Entrevista ILIOS con motivo de su concierto e intervención en el Taller “Somos vibración. Propiedades y uso del sonido, tácticas de activación del espacio” como parte del programa y actividades del 11º Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment 2011.

Con algo de retraso, y tragándonos un par de fechas, publicamos ahora la gira que está teniendo lugar en estas semanas en distintas localizaciones del estado.

24-05-12 , 21:00 , miguel a. garcía + seijiro murayama
laboratorio intrmuros, c) aniceto saenz 02, sevilla

plus:

19-05-12 , 21:00 , xedh (miguel a. garcía) ; oktubre ; men chak
sweet 01, c) pelayo 2, gijon
4€
.
22-05-12 , 21:00 , seijiro murayama + hector rey ; jana jan ; edorta izarzugaza
club le larraskito, c) carretera rekalde-larraskitu 33, 4, bilbao
5€
.
28-05-12 to 01-6-12 , workshop by seijiro murayama
espacio azala, lasierra 15, alava

¿qué es bestiario?
bestiario es un encuentro de músicos que nos estamos dedicando activamente a la improvisación libre en España, con la idea de conocernos, poder hacer, durante dos días, sesiones de trabajo, tocar y hablar, y ofrecer conciertos en distintas formaciones. la idea surge con la intención de que pueda realizarse también en otros lugares, más adelante, si hay ganas suficientes. el evento no cuenta con ningún tipo de financiación externa: los músicos de Barcelona ofrecen comida y alojamiento a los músicos de otros lugares de España, así como la recaudación de los conciertos para ayudar a pagar los viajes.

¿dónde y cuándo?
los días 1 y 2 de junio de 2012, en el espacio Centre Cívic Can Felipa, en Barcelona.

¿quién participa?
la lista de participantes ha surgido de una lista de 30 músicos que han sido invitados, aunque pensábamos que no todo el mundo podría (y así ha sido). además contaremos con la participación de cuatro personas íntimamente relacionadas con este tipo de propuesta, pero del ámbito periodístico. nos hubiera gustado hacer extensiva la invitación a mucha más gente, incluso hacer una convocatoria abierta. pero, al ser un evento autogestionado, nos ha limitado nuestra capacidad de alojamiento.

equipo local
Alfredo Costa Monteiro, Lali Barrière, Ruth Barberán, Oscar Martín, Juan Matos Capote

los visitantes
Miguel Angel García, Wade Matthews, Héctor Rey, Luis Tabuenca, Marta Pisonero, Alejandro Rojas

la prensa
Olga Àbalos, Cristina Tascón, Chema Chacón, José Luis Espejo

This talk will address how graphical representations of sound can change the way we hear, and how audio can trick our eyes into seeing strange things. Fredrik Olofsson will demonstrate some audiovisual perception tricks and experiments he has made using the programming language SuperCollider. Simple sounds and simple graphics interconnected and combined quickly become complex and fun phenomena.

Fredrik Olofsson was trained as a composer at the Royal University College of Music in Stockholm. As part of MusicalFieldsForever he has exhibited interactive art at museums and galleries. He currently teaches at the University of Arts of Berlin and is a frequent contributor within the SuperCollider open source community. He is also one of the founding members of TOPLAP, a collective that popularized the use of live coding.

21.05.2012, 18:00h
Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), aula 349. Edifici l’Auditori.
Entrada lliure / Entrada libre / Free admission

Más información en L’ull cec

La fonoteca de Arte Sonoro y Música Experimental de Murcia SONM dirigida por Francisco López, presenta hoy miércoles 16 de mayo en el Reina Sofía en Madrid su archivo via web. Hoy se presenta, precisamente la versión on-line del archivo, que perimitirá ver y escuchar las obras de la fonoteca. Esta herramienta ha sido diseñada por Susana López, quien también coordina la fonoteca.

Desde hace un tiempo SONM lleva organizando actividades dentro del Centro Puertas de Castilla de Murcia, como talleres y conciertos, así como una serie residencias para asrtistas e investigadores que produjeron textos y podcast en relación a los fondos de la fonoteca.

Para completar el programa se presenta un coloquio con Francisco López, José Manuel Costa y Xabier Erkizia moderado por Jesús Carrillo con el título Fonotecas. Experimentación institucional y arte sonoro.

Una entrevista a Francisco López hecha por la revista web -kontrol. Está en inglés con subtítulos en castellano. Advierto que los subtítulos no son especialmente buenos, aparte de que se ven un poco mal podrían estar mejor traducidos, hasta se inventan a un tal Paul Prince cuando López está hablando de Paul Prudence.

Este miércoles, 16 de mayo, a las 21 h el ciclo Memorabília. Coleccionando sonidos con… del MACBA se cierra con una conferencia de Jonny Trunk, coleccionista de library music. Library music es un término que se refiere a la música realizada para uso profesional en el contexto del cine, la televisión y la radio; un género que forma parte del imaginario colectivo pero que es a la vez muy desconocido.

Trunk es el fundador del sello Trunk Records, dedicado a publicar grabaciones inéditas de jazz y bandas sonoras para cine y televisión. Además, conduce un programa de radio sobre música para cine en la emisora londinense Resonance FM y pincha por todo el mundo. Su colección de discos se centra en el periodo entre los años 1966 y 1978 y explora sobre todo las producciones británicas, francesas, italianas y alemanas.

Audio de adelanto
Más información

Hoy me despertaba leyendo en The Guardian la noticia de que durante los Juegos Olímpicos de Londres se utilizarán armas sonoras del ejército estadounidense…

Afortunadamente, las intersecciones entre sonido y política pueden ser más constructivas y positivas, como demostró el año pasado toda la gente que salió con grabadoras, micrófonos y demás cacharros digitales a registrar el sonido de las manifestaciones, acampadas y protestas que surgieron a raíz del 15M —que entonces recogimos en una serie de posts y en un mapa.

Ayer volvió a ser una jornada de protestas y la gente volvió a salir dispuesta a grabar el ambiente de las calles. Desde SONS acampadabcn nos han hecho llegar un archivo titulado 12M 15M BNA [Sons de l'indignació][Barcelona12052012] que recoge algunos sonidos de la manifestación de Barcelona.

12M 15M BNA [Sons de l'indignació][Barcelona12052012][Josep Cerdà] by sonsacampadabcn

Por otro lado, Voluble se preguntan ¿A qué suena la manifestación?…

#12MSev – Paseo sonoro by pedrojimenez

…y se responden a sí mismos con unas reflexiones que me parecen más interesantes que el sonido en sí (aquí es donde confieso que a mí nunca me ha interesado demasiado lo ‘documental’):

1. Obertura con bocina de nitrógeno (audioacción de @Voluble)
2. Cabecera acoplada
3. Sevillanas corraleras (DRY Lebrija)
4. Banqueros con fusión
5. Entrada de la cabecera a las Setas
6. Soundcheck universitario

Suena raro, vacío, hueco, ¿cansado? y sobre todo descordinado: pequeños grupos que transitan juntos pero no revueltos, sin masa uniforme, ni siquiera en los aplausos, no se sigue al speaker (y eso quizás es lo que más me gusta), se duda del volumen en el soundcheck. También suena múltiple y profundo. No hay contundencia, eso está bien.

La imagen que abre el post es de Audiotalaia (Edu Comelles), que así salió a grabar en la manifestación de Valencia.

ACTUALIZACIÓN:
Como nos están enviando más cosas, vamos a intentar ir actualizando este post con todos los sonidos que nos enviéis en la medida de lo posible.

Kamen ha estado preguntando «Y TÚ ¿CÓMO HAS CAMBIADO EN ESTOS DOCE MESES?»

Mardiaca también estuvo grabando en Barcelona, escucha más en su Soundcloud:

Al presidente le vamos a preguntar cuánto le van a pagar… #12m15m #12m15mbcn by mardiaca

Y desde Málaga, Chinowski también nos manda su Toma la Plaza:

Desde Madrid grupo_numax nos envía otra más.

15m12 by grupo_numax

Desde Santiago de compostela Escoitar.org aporta su grano de arena… Mapa sonoro del recorrido de la manifestación 12M15M.

La home de ./mediateletipos))) guardada como sonido

Data bending (o databending) significa literalmente ‘tergiversar datos’ y se refiere a una técnica digital que consiste en transformar un archivo en otro tipo de archivo (un sonido en una imagen, por ejemplo). No obstante, algunos trabajos de data bending no tienen como objetivo trocar un tipo de archivo en otro, sino generar errores similares a los glitches fortuitos, por lo que es una técnica que también se utiliza para distorsionar sonidos e imágenes.

El data bending se suele relacionar con la estética del glitch, pero se trata de un tipo de error provocado, no casual. En cualquier caso, los resultados son siempre inesperados, ya que las transcodificaciones se hacen de manera automática o semiautomática y es prácticamente imposible prever sus consecuencias.

Otra técnica con la que está relacionado es el circuit bending (de hecho, el nombre viene de aquí). El circuit bending también consiste en tergiversar deliberadamente, pero en este caso el hardware: juguetes musicales, teclados electrónicos, pedales de efectos, televisores, cámaras de fotos, etc. Obviamente, el circuit bending no cambia nada de formato, simplemente genera sonidos o imágenes extraños e imprevistos.

Las formas básicas de data bending son muy sencillas, uno de los ejemplos más simples es guardar cualquier archivo de audio como raw (hay muchos editores de sonido compatibles con este formato) y abrirlo en un editor de imágenes –todas las imágenes de mi tumblr Transsubstantiatio están generadas de esta manera. Otro de los ejemplos más clásicos es abrir un archivo de sonido o imagen en un editor de texto básico, como TextEdit o Notepad, añadir o reemplazar caracteres y volver a guardarlo. Este segundo método es más delicado porque según qué partes del texto modifiques el archivo se corromperá y no podrás volver a abrirlo. De todas formas, independientemente del camino elegido, es un proceso de ensayo/error que no suele ofrecer resultados interesantes a la primera.

El tema del vídeo es más delicado. Es posible modificar un vídeo en Audacity, por ejemplo, pero es un proceso mucho más tedioso. En la mayoría de los casos, los archivos de vídeo se corrompen hasta tal punto que es imposible volver a abrirlos, y aunque lo consigas los cambios suelen ser mínimos o poco interesantes. Aparte de vídeos, sonidos e imágenes, que es lo más clásico, se puede transformar cualquier otro tipo de archivo, desde páginas web a pdfs.

Existen algunos ejemplos de data bending muy famosos, como el packaging de la banda sonora de La red social (The Social Network, 2010), cuyo diseñador –Rob Sheridan– explica en este post el concepto y cómo destruyó las imágenes utilizando un editor de texto. A nivel sonoro, uno de los casos más conocidos es el álbum Unitxt de Alva Noto, donde hay varias pistas de audio generadas a partir de ejecutables, jpgs y otro tipo de archivos digitales.

Es importante subrayar que muchas transformaciones de datos no son realmente data bendings, sino reinterpretaciones programadas que asignan valores concretos o aleatorios a los datos originales. Con esto no quiero decir que sea ni mejor ni peor una ruta que la otra, depende de las intenciones del autor y de cada pieza en concreto, simplemente lo comento porque son dos enfoques distintos que a veces se confunden.

El precedente histórico directo del data bending es analógico, lo encontramos en experimentos cinematográficos con sonido óptico ‘dibujado’ como Syncromie (1971) de Malcom McLaren y Railings (1977) de Guy Sherwing. Hay muchas películas realizadas con esta técnica, pero en estas dos que menciono lo que se ve es exactamente lo mismo que lo que se escucha. En Syncromie, McLaren pintó la banda sonora en la pista de sonido de la película y luego la copio en los fotogramas. En Railings, los fotogramas son leídos por el cabezal de sonido del proyector y transmitidos simultáneamente como sonido.

Más información, piezas y tutoriales:
Wired: «Glitch art created by ‘databending’»
Grupo «Databending» de Flickr
Intelligent Machinery: «Databending»

“The Bike Bloc was a technique developed for that day of action, hundreds of bikes broken into smaller swarms, each swarm with it’s own tactics and sector of approach to the site of the conference (the Bella Center). This video documents the preparation of the Bike Bloc, then, on the day of action, only the Sound Swarm. We were five loudspeaker enables bikes and about a dozen total people. ”

Aunque el vídeo es de 2009, sigue siendo un proyecto activo de Filastine que lo recuerda en esta entrevista con motivo de su nuevo disco.

Kenneth Goldsmith es el fundador de UbuWeb, un archivo online del que hemos hablado en muchas ocasiones. Durante estos últimos meses, ha estado un par de veces en España, hace poco publicamos un vídeo de su charla en el festival ECO de Madrid y una breve entrevista en vídeo que le hicieron a su paso por Barcelona. Aparte de estos dos documentos audiovisuales, hay una entrevista más amplia hecha por Ràdio Web Macba que está disponible en su página web en pdf.

Esta entrevista del Macba corresponde al ciclo «Memorabilia. Coleccionando sonidos con…» y se centra sobre todo en el tema del coleccionismo y el archivo. Goldsmith comienza aclarando que UbuWeb no es ningún tipo de institución, sino una colección personal, para entrar inmediatamente en reflexiones sobre los diferentes métodos de apilamiento de Internet:

Fíjate en Boing Boing, no crean nada, se limitan a señalar cosas interesantes. Son comisarios; filtran. [...] archive.org es justo lo contrario, hay cosas impresionantes, pero no hay comisario, no hay nadie que separe las porquerías de lo que realmente vale la pena. Eso genera una pesadilla open-source.

Luego la conversación sigue por otros derroteros, tocando desde el tema del miedo de la industria musical al mundo online hasta el copyright y las relaciones virtuales. No obstante, el grueso de la conversación gira en torno al coleccionismo, que al fin y al cabo es la base de esta propuesta del Macba que ya lleva dos ediciones. La próxima sesión es el miércoles 16 de mayo con Jonny Trunk.

Más información sobre «Memorabilia. Coleccionando sonidos con…» y conferencias completas.

A partir del 18 de mayo en Caixa Forum Madrid tendrá lugar el festival Arte Oído, comisariado por Javier Piñango y Oriol Rosell. El festival se ordena en tres bloques, el primero de ellos centrado en la experimentación audiovisual, el segundo en las músicas experimentales y el tercero en la improvisación libre.

PRIMER BLOQUE
Nad Spiro, People Like Us, Vicki Bennett, Juan Antonio Lleó, Jaime Munárriz, Things Happen, David J. Fonseca,
Philip Jeck.

SEGUNDO BLOQUE
José Manuel Costa, Miguel Álvarez-Fernández, Oriol Rosell, L’Eix, Martin Brandlmayr,Oval

ARTE OÍDO ofrece una visión panorámica de la creación internacional en los campos del arte sonoro y las músicas experimentales, prestando atención también a la divulgación y al intercambio de ideas a través de conferencias, coloquios y un taller sobre improvisación sonora.

Arte Oído se abrirá con un doble concierto a cargo de la artista nacional de larga trayectoria Nad Spiro (Rosa Arruti) y People Like Us, la británica Vicki Bennet, que presentará en vivo su nuevo concierto audiovisual The Magical Misery Tour.

También Vicki Bennett ofrecerá una conferencia centrada en su trabajo y su concepto de remezcla audiovisual, al que seguirá un coloquio centrado precisamente en el campo de la experimentación audiovisual y formatos como el live cinema, etc. Este primer bloque de programación incluirá además un doble concierto a cargo de David J Fonseca, uno de los artistas de mayor proyección en el arte sonoro nacional, y el británico Philip Jeck, cuya obra explora las posibilidades infinitas que los viejos tocadiscos y vinilos ofrecen como herramientas sonoras.

El segundo bloque de Arte Oído se centra en el análisis del pasado y presente de las músicas experimentales, con especial atención al panorama nacional, presentando una conferencia sobre este tema a cargo del crítico y comisario artístico José Manuel Costa, seguida de un coloquio sobre el futuro de estas músicas. En este segundo bloque se prestará atención también al terreno de la improvisación por medio de un taller dirigido a músicos y artistas sonoros a cargo de Ferran Fages, una de las figuras clave de la música improvisada en nuestro país.

Por último Arte Oído presentará los conciertos de L’Eix (Ferran Fages, Oriol Rosell y Julià Carboneras) y el percusionista y artista sonoro austriaco Martin Brandlmayr y tendrá su colofón final con la presencia en vivo de Oval (el proyecto del alemán Markus Popp), cuyo regreso en 2010 con su magnífico álbum O ha sido uno de los sucesos más celebrados en el panorama reciente de la electrónica experimental.

UNIA MÚSICA ABIERTA se enmarca en las noches de Cultura Abierta.

Con objeto de potenciar la música en directo, compartir la música libre y expandir el conocimiento, la UNIA pone en marcha un ciclo de conciertos de música libre en el marco de 48 noches. Cultura Abierta.
La convocatoria está abierta a todos aquellas formaciones musicales, que compartan su música desde una perspectiva abierta, ya sea con su libre descarga en la red, con creaciones copyleft o con licencias como Creative Commons. La UNIA pretende fomentar unas nuevas relaciones entre consumidores y creadores, posibilitando otras maneras de hacer, una nueva economía de la cultura que parte de una nueva situación: el colapso del modo tradicional de distribuir la música grabada.

¿Copyleft?
En los últimos años, el término copyleft ha salido de los márgenes del código informático para instalarse en todos los ámbitos de la producción intelectual, convirtiéndose en la bandera de un movimiento cultural y político que reclama el derecho de creadores y trabajadores intelectuales a elegir, con plena libertad, el modelo de distribución y explotación de sus obras. Las licencias Creative Commons, que no todas son copyleft, posibilitan la autoedición y autogestión del trabajo de los creadores.

¿Música libre?
Por música libre queremos entender aquella música disponible en la red y que en la mayoría de los casos no está registrada por ninguna sociedad de gestión de derechos. Los artistas de música libre eligen proteger sus derechos con el uso de licencias especiales y no exclusivas como las que ofrece Creative Commons. Música libre no necesariamente significa música gratis o libre de todo derecho de autor. Más bien significa música con “algunos derechos reservados”. La licencia elegida por el artista es la que determina cuales son los usos autorizados y en qué condiciones. En esta convocatoria aceptamos cualquier licencia.

Convocatoria
- Formulario relleno que puedes encontrar aquí
- CD o enlace web donde podamos escuchar vuestra música.
- Vídeo de algún concierto o ensayo.
- Breve dossier con el nombre del grupo, procedencia, composición, influencias musicales, fotografías recientes
- Datos de contacto: e-mail y teléfono
- En caso de ser seleccionado, la composición del grupo debe ser respetada

La documentación será considerada por una comisión, designada por la UNIA, que seleccionará un máximo de tres grupos. El premio, valorado en 1.000,00€ será abonado en concepto de caché a cada uno de los tres grupos, por la actuación en la sede de la UNIA en Málaga en julio de 2012, coincidiendo con la celebración de los cursos de verano.

La participación en esta convocatoria supone la aceptación de las presentes bases, reservándose la organización la facultad de complementar las mismas para el desarrollo óptimo de la convocatoria.

Este seminario explorará las funcionalidades gráficas de SuperCollider y cómo utilizarlas artísticamente en combinación con el servidor de síntesis de sonido. Utilizaremos sonidos y gráficos sencillos para explorar las infinitas posibilidades del mapeado audiovisual y de la visualización del sonido. Nuestro objetivo será combinar formas, colores, trayectorias y píxeles con osciladores, señales de control, tablas de ondas y espectros. Al final del curso habremos programado algunos instrumentos audiovisuales y conectado código generador de sonido con rutinas de dibujo. También habremos visto como dibujar representaciones temporales y frecuenciales del audio, así como generar imágenes estáticas en modo offline mediante el trazado de formas de onda.

Nivel: Intermedio (preasume nociones básicas de SuperCollider).
Profesor: Fredrik Olofsson
Idioma: Inglés

Fechas:
Viernes 18.05.2012, 18:00-22.00h.
Sábado 19.05.2012, 11:00–14:00h, 16:00-19:00h
Domingo 20.05.2012, 11:00–14:00h, 16:00-19:00h

Lugar: Fabra i Coats – Fàbrica de Creació. Sant Adrià, 20. Barcelona. Metro Sant Andreu.

Más información en L’ull cec

ZèppelinExpandit2012 se dedica principalmente al paisaje sonoro de los límites de la Ciudad de Barcelona. La consciencia de los límites es un elemento fundamental de la identidad de toda entidad. Es en este sentido que elaboramos la idea ensencial del proyecto de ZèppelinExpandit2012 : la creación de una base de datos abierta, compuesta de paisajes sonoros de los límites de los distritos barceloneses con los municipios de la periferia de la ciudad y el mar: Ciutat Vella, Sants-Montjuïc, Les Corts, Sarrià-Sant Gervasi, Horta-Guinardó, Nou Barris, Sant Andreu y Sant Martí.

En este primer concierto de ZeppelinExpandit2012, Lali Barrière presenta el resultado de una meditación sonora para ocho altavoces que la Orquesta del Caos ha pedido a la artista sobre el archivo BarcelonaSoLimit. En Zona franca, el nuevo trabajo de Lali Barrière, las grabaciones contribuyen a la creación de un macrocosmos envolvente que se encuentra y convive con un mundo sonoro más personal; un microcosmos discreto de intervenciones con objetos y dispositivos ligado a la inestabilidad del gesto.

Sala Mirador del CCCB 25/05/2012 . 20:00

Más información

De Chris Cunningham a Harryhausen.

CASA DO SABER (Lugo)

11 – 12 maio 2012

En esta cuarta edición, el certamen estará dedicado al compositor José Luis Carles Arribas, reconocido investigador en temas de percepción sonora, análisis cualitativo del medio ambiente sonoro e interacción entre estímulos visuales y auditivos. Ponencias, mesas redondas, conciertos, talleres, instalaciones sonoras y performances configuran un amplio programa integrado bajo el título común “Música y naturaleza” temática que servirá como hilo conductor de todas las actividades.

PROGRAMA

VENRES, 11 DE MAIO

• 9:00 a 9,30 h

Entrega de acreditacións

• 9:30 a 11:00 h

Relatorio e mesa redonda sobre “Música e natureza: ecoloxía” a cargo de José Luis Carles, Cristina Palmese e Juan Gil López e Carlos Suárez, do espazo interactivo escoitar.org.

11:00 a 11:30 h

Inauguración dos 4º Sons Creativos e presentación do DVD Música, espazos e cidade no que se recollen as obras creadas e estreadas nas tres edicións anteriores dos Sons Creativos.

• 12:00 a 13:30 h

Relatorio e mesa redonda sobre “Música e natureza: historia e creación sonora” a cargo de Inmaculada Cárdenas, Javier Garbayo, Miguel Molina e o alumno e as alumnas de José Luis Carles da Universidade Autónoma de Madrid (UAM), Jesús Barranco, Estrella Sánchez e Laura María García.

• 16:30 a 18:00 h

Relatorio e mesa redonda sobre “Música, natureza: pedagoxía” a cargo de Adolfo Murillo Ribes, Elena Hidalgo e Mónica Álvarez, profesorado e compositores pertencentes a diferentes estamentos da educación: escola, ensino medio e universidade.

• 18:30 a 20:00 h

Ensaios e preparación do concerto.

• 20:00 h

CONCERTO COLECTIVO con obras José Luis Carles e Cristina Palmese, Miguel Molina, Rocio Garriga, Juan Antonio Lleó, Elena Hidalgo, Antonio Alcázar, Adolfo Murillo Ribes, Juan Gil López, Carlos Suárez e dos membros de GCMUS: Inmaculada Cárdenas, Arturo Vaquero, Mónica Álvarez e Efraím Díaz.

SÁBADO, 12 DE MAIO:

• 9:30 a 11:00 h

Relatorio e mesa redonda sobre “Música e natureza: tecnoloxías e medios de comunicación” a cargo de Rocío Garriga Inarejos, Juan Antonio Lleó, Jesús Otero-Iglesias e Arturo Vaquero.

• 11:30 a 13:30 h

Taller de creación a cargo de Carlos Suárez de escoitar.org.

• 13:30 h

Presentación dunha performance a cargo de Berio Molina e María Roja e clausura dos 4º Sons Creativos

Ayer Kamen Nedev nos informaba de la iniciativa 15M_archive, que está creando en Archive.org un archivo de imágenes, textos, sonidos y vídeos del 15M y otros movimientos y protestas relacionados en el ámbito español. Este archivo, llamado Spanish Revolution, recoge además más de 900 blogs y webs relacionados con el movimiento.

Por ahora hay más de 300 archivos de sonido divididos en dos categorías, Audio y Podcast/Radio. Dentro del primer apartado se recogen sobre todo grabaciones de campo, mientras que el segundo está dedicado a programas de radio.

El archivo sigue creciendo, si tenéis cualquier tipo de material que queráis añadir solo tenéis que ir a la página de archive y seguir la instrucciones para subir material que aparecen al final.

Blank City (2010) es un documental de Celine Danhier del que ya publiqué el trailer hace un par de meses. Antes de verlo, no sabía muy bien qué esperar porque había leído críticas que lo tachaban de superficial y repetitivo, y la verdad es que no me ha parecido ninguna de ambas cosas. Recapitulando lo leído, creo que las quejas vienen sobre todo del mundo de la música, que al parecer no lleva bien que se hable de ciertas épocas, lugares y estilos desde puntos de vista que no sean el estrictamente musical.

Ciertamente, en el Nueva York de finales de los 70 la música tiene un papel importante, la no wave y el post-punk están en plena ebullición, pero más allá de eso hay también todo un mundo artístico y cinematográfico que merece atención. Aunque en Blank CIty se entremezclan música, arte y cine, su objetivo es hablar de cierto cine underground, y creo que en ese sentido no hay nada de lo que quejarse.

La base del documental son entrevistas con directores, actores y demás artistas que pululaban por la Gran Manzana a finales de los 70, desde cineastas de la ‘transgresión’ como Nick Zedd y Richard Kern a otros que con el tiempo han terminado convirtiéndose en estrellas del mundillo independiente, como John Waters y Jim Jarmusch.

La historia comienza cuando Nueva York era una ciudad caótica, peligrosa y sin muchas perspectivas para la juventud. Los implicados explican cómo vivían sin dinero, en pisos medio derruidos e insalubres, haciendo películas con lo poco que podían pagar o incluso robando. Nadie era profesional, nadie tenía ni idea de qué estaba haciendo, pero todos se conocían del barrio y de bares y salían adelante como buenamente, o malamente, podían. Muchas veces, la intención de sus películas era simplemente molestar, una manera de quejarse de la sociedad y el entorno en el que les había tocado vivir.

Algún tiempo después, alguna de esta gente sin grandes perspectivas, como Basquiat, se encontraron ricos y famosos prácticamente de la noche a la mañana. Ya en los 80, ciertos cambios políticos y económicos hicieron que las zonas más deprimidas de Nueva York atravesasen por un proceso de gentrificación, al mismo tiempo que surgía la cultura del famoseo y desaparecía el punk y otras subculturas de los 70. Sin olvidar obviamente, todo el mundo de las drogas y la irrupción del SIDA.

El documental sigue la pista a todos esos cambios, hablando de infinidad de películas, y de la época en sí, desde la propia perspectiva de los implicados. Creo que como documento es bastante transparente y sincero, no se pierde en efectismos y explica bien tanto el espíritu de la época como su fin, que al mismo tiempo es el comienzo de la industria del cine independiente que tomó el relevo en los años 90.

En Circuit Torçat (Barcelona) están preparando un taller de apropiación fílmica en 16mm dirigido a cualquier persona interesada en el cine de apropiación y en el manipulado del soporte cinematográfico. Los profesores son Albert Alcoz y Alberto Cabrera Bernal.

Fechas: Sábado 19 y Domingo 20 de Mayo.

Horario:
Sábado 19, de 10.30 a 13.30 horas y de 15.30 a 18.30 horas
Domingo 20, de 10.30 a 13.30 horas y de 15.30 a 18.30 horas
(12 horas en total)

Plazas: 10 máximo

Precio: 75 € (incluye todos los materiales).

Más información

PERSONAL – COLLECTIVE es un festival de improvisación libre dirigido por Seijiro Murayama que tendrá lugar los días 11, 12 y 13 de Mayo en Espacio Cruce ( Dr. Fourquet 5, Madrid ).
Consultar horarios en la web. Entrada 1 dia: 5€ Abono 3 dias: 12€

Lali Barriere, Thomas Bonvalet, Sébastien Branche,Miguel Angel García, Wade Matthews, Javier Pedreira, Hector Rey, Artur Vidal

El aspecto personal de involucrarse en una práctica artística siempre toma forma, también, a través del aspecto colectivo. Y dado que ( de forma especialmente clara en una actividad simultánea de grupo como es la improvisación ) tal suposición sigue siendo igualmente cierta en el intercambio de los aspectos personal y colectivo, ambos no pueden pensarse de manera separada.

Esta es la suposición en la que se basa el festival PERSONAL – COLLECTIVE, celebrado durante dos ediciones en la localidad de Ljubljana, Eslovenia, y que este año pasa a transformarse en un festival nómada, celebrándose también en Madrid durante los días 11, 12 y 13 de Mayo.

Dirigido por Seijiro Murayama, diferentes artistas, en esta edición enfocados hacia el trabajo con el sonido, trabajaran juntos y mostraran al público su proceso. Tocando juntos durante varias veces durante 3 noches, de diferentes maneras y en diferentes combinaciones, el público seguirá las progresiones y los enfrentamientos del trabajo personal y colectivo de los artistas.

El festival, totalmente autogestionado, será cumplimentado por las mañanas con un especial workshop, también abierto el público, cuyos resultados serán mostrados en la última noche del festival.

Durante las mañanas de los dias 11, 12 y 13, en el mismo espacio Cruce, Seijiro Murayama realizara un taller de improvisación, abierto al público. Para participar como alumno, escribir al e-mail www.xedh.org (at) gmail (dot) com , incluyendo breve texto de motivación. Precio: 30€
Paralelamente, del 28 de mayo al 1 de junio se celebrara un nuevo taller, mas extenso, en el espacio Azala (Alava).

En el Museu del Joguet de Catalunya (Figueres) se inauguró el pasado 28 de abril una exposición titulada Gramofonía lúdica (discos con juegos y juegos con discos). Se trata de una exposición temporal gratuita procedente de la colección de objetos gramofónicos de Anki Toner.

La muestra recoge juguetes que incluyen discos, ¿o discos que incluyen juguetes? Algunos de los juegos podrían haber estado hechos en otros soportes sonoros, otros aprovechan las características físicas del disco de manera que no se podría intercambiar por otro formato –utilizando el disco como ruleta, por ejemplo. Algunos discos no están grabados, se utilizan sus cualidades puramente físicas para otras funciones, otros tienen una función sonora: juegos que consisten en adivinar qué suena, o discos con cortes inesperados creados para el juego de las sillas.

La exposición estará abierta hasta el 3 de junio.

Del 7 al 19 de mayo en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona se realizará el taller Bricolaje Sonoro. Introducción a la construcción de micrófonos, organizado por Hangar Sonor y el Laboratorio de Arte Sonoro de la UB.

Las clases tendrán lugar lunes y viernes de 15.00h a 20.00h en la Facultad de Bellas Artes y los sábados de 17.00h a 22.00h en el Delta del Llobregat.

La matrícula cuesta 145 € (material incluido) y el plazo para apuntarse se termina el día 30 de abril.

El profesor es Mikel R. Nieto. Podéis consultar el programa completo del curso en su página web.

Aquí tenéis una grabación hecha con las cápsulas que se utilizarán en el taller:

Una breve entrevista a Kenneth Goldsmith, fundador de Ubu Web, realizada por el CCCB.

Sismógrafo

Sismógrafo – Especial L.E.V. 2012. Laboratorio de Electrónica Visual – 16/04/12

Mientras que en verano impera el festival de chancla y bombo, la temporada invierno-primavera está empezando a ser, para algunos, la otra temporada fuerte de otro tipo de festivaleo. Algo que indica que cada vez existe más hueco comercial e institucional para determinado tipo de músicas, ya sean electrónicas, experimentales o directamente “otras músicas”.
Aunque ya pensábamos que en lo que quedaba de semestre no íbamos a dejarnos tentar por otro festival, el contexto que presenta este año L.E.V. nos lo ha complicado. No sólo por volver a ver la obra de Ryochi Kurokawa, o por volver a ver a Byetone, y a Ryoki Ikeda, personajes de la electrónica que, mal que nos pese, suelen cumplir sus propias expectativas, algo que no todos pueden afirmar.

De entre estos tres clásicos, yo destacaría Reoh de Ryochi Kurokawa, que a mi manera de ver, es una trabajo interesantísimo sobre decontrucción de la imagen digital y una verdadera lección sobre historia del cine. Además de otros clásicos como Mika Vainio, o de la presencia de nombres más o menos recurridos en el cartelería de este tipos como Old Aparatus o Various Production, LEV mantiene la representación local con Fase Nuova, que han tenido muy buen año, o Las Casi Casiotone.

Y quizás lo que redoble en interés del evento, es la exposición paralela Visalizar el Sonido, que con este nombre tan poco concreto como complejo y con un discurso presentado por Fiumfoto, se centra en esto de la visualización a partir de los procesos mecánicos del movimiento.

Dentro del nuevo ciclo de actuaciones de L.C.E. SOUNDAYS se presenta el 29 de abril a las 20:00 la actuación de My Cat is an Alien y NAD SPIRO como invitada.

MY CAT IS AN ALIEN (MCIAA) es un dúo de compositores radicales y artistas audiovisuales marginales formado por los hermanos Mauricio y Roberto Opalio a finales de 1997. Comenzaron su actividad en Turín, Italia, antes de trasladarse a una remota región de los Alpes Occidentales. Son multi-instrumentistas, que principalmente tocan instrumentos de cuerda eléctricos y acústicos y otros electrónicos modificados (‘alientronics’). Roberto Opalio también utiliza de manera personal vocalizaciones sin palabras: añade la voz humana como un instrumento más. Enviaron una copia de su primera grabación a Sonic Youth (NYC) y desde entonces se ha fraguado una amistad que ha llevado a los norteamericanos a invitar a MCIAA a tocar en repetidas ocasiones durante las giras europeas de Sonic Youth, mientras que Thurston Moore editaba a través de su sello Ecstatic Peace el debut internacional de los italianos. El trabajo de MCIAA abarca también muchas manifestaciones artísticas además de la música, como las instalaciones audiovisuales, fotografía, pintura y dibujo, poesía, cine y video.

MCIAA han desarrollado una original y personal forma de música “cósmica” y experimental que es reconocida mundialmente como muy innovadora. Una actuación de My Cat is An Alien está llena de tensión e incertidumbre, elaborada como una especie de ritual chamánico. Nos encontramos ante uno de los más emotivos y conmovedores trabajos dentro de la música experimental improvisada de vanguardia. MCIAA también han participado en colaboraciones con vanguardistas tan prestigiosos y conocidos como Sonic Youth, Thurston Moore, Lee Ranaldo, Christian Marclay, Keiji Haino, Jim O’Rourke, Loren Mazzacane Connors, Jackie-O Motherfucker, Steve Roden, Mats Gustafsson, y muchos más. En este sentido destaca su colección de vinilos compartidos “From The Earth To The Spheres”.

NAD SPIRO (Barcelona/Donosti) es una joya escondida, un talento oculto que debería ser mucho más reconocido en nuestra escena de música electrónica. Pionera del rock experimental desde finales de los setenta en grupos de Barcelona como Tendre Temples o Psicópatas del Norte, tiene numerosos trabajos publicados, tres de ellos en CD co-producidos por el sello de ESPLENDOR GEOMÉTRICO (Geometrik), y lleva años en contacto con MCIAA. Tocará con ellos en algunos temas, ¡lo que convertirá a este concierto de Madrid en único!.

Se acaba de publicar escala 2.3, un proyecto conjunto de escala netlabel y el programa de radio Sismógrafo de Radio 3. Se trata de una referencia dividida en tres volúmenes que reúne 46 temas de ambient, drone, soundscape y electroacústica de infinidad de artistas: Carlos Suarez, Pleq & Philippe Lamy, Francisco López, Pascal Savy, Juanjo Palacios, Miguel A García, Collin Thomas, Hiroki Sasajima, Agustín Medina, Sustainer, Nigel Samways, Blancas + Calurano + Tolosa, Juan Antonio Nieto, Monoceros, Kenneth Kirschner, Antonymes, Isnaj Dui, Cello + Laptop, Yui Onodera, Mark Harris, Hakobune, Shaula, Fabio Orsi, Saffron Slumber, Strom Noir, Le Berger, Nobuto Suda, Spheruleus & Jared Smyth, Jannick Schou, Hallock Hill, Joel Tammik, Insula, Talvihorros, MaCu, Offthesky & Radere, Nicholas Szczepanik, Segue, Thisquietarmy, Tanner Menard, Summons of Shining Ruins, Konntinent, noi, Leonardo Rosado, Bunk Data, Nigul y porzellan.

escala 2.3 está disponible en descarga libre bajo licencia Creative Commons 3.0 desde la web de escala netlabel. Hemos aprovechado este lanzamiento para hablar con dos de sus artífices –noi (Jorge Ortiz de Pinedo), responsable de escala netlabel, y Jordi Giraldez de Sismógrafo– tanto sobre el álbum en sí como sobre la situación actual de los netlabels, la radio online y la industria musical en general.

¿Cómo surgió la idea de escala 2.3?

noi: Desde escala, la idea original consistía en realizar una recopilación de música ambiental en la linea de lo que se suele programar en Sismógrafo. Solo hubo que ponerse en contacto con Jordi, con quien ya teníamos alguna relación, y plantearle la idea; a partir de ahí fue todo rodado. Pensamos que era buena idea colaborar con una plataforma ‘oficial’ como Radio 3 para dar algo más de luz al proyecto. Generalmente, este tipo de proyectos no tienen la repercusión que se merecen, tienden a quedarse en los límites de la escena netaudio.

La selección de artistas es muy heterogénea, ¿os impusisteis algún limite o regla o simplemente invitasteis a participar a músicos que os interesan personalmente?

Jordi: Teniendo como base qué tipo de sonido era el que queríamos reflejar en el recopilatorio, hicimos una lista de los artistas que nos gustaría incluir, haciéndola bastante extensa ya que contábamos con que muchos de ellos, por diferentes motivos, no podrían participar. La sorpresa fue cuando casi el 100% de los artistas a los que invitamos dijeron que sí.

Debido a esto, lo que en un principio iba a estar centrado en sonido ambient y drone se fue ampliando, así que finalmente incluimos también electroacústica y paisaje sonoro. De hecho, la primera idea de publicar una referencia con doce o trece cortes ha terminado en un triple volumen con más de 40 temas.

Muchos de los discos publicados en escala son de gente a la que conocéis personalmente, ¿normalmente sois vosotros quienes acudís a los músicos o se suele dar el caso contrario? ¿Cómo fue el proceso de selección en el caso concreto de este recopilatorio?

noi: En escala ocurren ambas cosas, en ocasiones invitamos a algún artista a participar y otras veces son los propios músicos los que se ponen en contacto con nosotros. Agradecemos que ese contacto se haga de forma personal, por lo general descartamos cualquier tipo de promoción masiva o spam que nos llegue vía SoundCloud, Facebook y similares. Muchas veces nos llegan propuestas que no tienen nada que ver con la linea del sello y te das cuenta de que ni se han molestado en mirar qué publicamos. Esa no es la vía correcta.

Para escala 2.3 hemos sido nosotros quienes nos hemos puesto en contacto con todos y cada uno de los artistas, muchos de los cuales eran habituales de Sismógrafo. Hubo una descarga inicial de propuestas entre nosotros y a partir de ahí nos limitamos a realizar las invitaciones, siempre de forma personalizada.

Creemos que esto último fue fundamental a la hora de conseguir la colaboración de tantos y tan buenos artistas, y eso al final se ha notado.

Todos los discos de escala están publicados con licencias Creative Commons y se pueden descargar de forma libre, ¿alguien os ha puesto alguna traba en este sentido? ¿Todos los músicos a los que propusisteis la idea estuvieron dispuestos a colaborar?

noi: Absolutamente ningún problema, la propuesta inicial que hicimos decía ya muy claramente que los temas iban a ser publicados bajo licencia CC. Evidentemente, sabíamos que algunos de estos artistas acostumbran a editar bajo licencias libres, con lo cual era más fácil. Normalmente, los músicos se preocupan más por otro tipo de aspectos, como la calidad final del formato, el line-up o el concepto general del proyecto.

En el recopilatorio hay músicos/artistas sonoros muy conocidos y otros no tanto, ¿es más fácil trabajar con unos que con otros o depende de cada persona? ¿Los artistas consagrados ponen más obstáculos a la hora de colaborar con netlabels?

Jordi: Depende de cada persona. Hemos comprobado que la humildad y la buena disposición no son incompatibles con el prestigio que pueda tener un artista determinado. El caso de Kenneth Kirschner o Francisco López es un buen ejemplo, son dos músicos reconocidísimos a nivel internacional, pero se mostraron atraídos por la idea desde el primer momento y colaboraron con nosotros de una forma muy natural y cercana. Estaría muy bien que este tipo de actitudes fueran más habituales. Echamos de menos que muchos artistas que nos gustan y que siempre han editado en sellos ‘tradicionales’ den el salto y participen también en otro tipo de proyectos, abriéndose a nuevas formas de producción.

Actualmente la producción digital supera con creces a la analógica y existen tanto infinidad de netlabels como miles de músicos y artistas sonoros que distribuyen su trabajo a través de Internet, en muchos casos de manera totalmente gratuita. Esto lleva a alguna gente a pensar que se trata de una labor de ‘amateurs’ o de un hobby, ¿podéis explicarnos brevemente cuál es vuestro punto de vista?

Jordi: La disquisición teórica creación artística-remuneración económica es un clásico desde hace muchísimos años. El acceso masivo a la red ha hecho que el termino compartir se haya extendido hasta cotas nunca vistas con anterioridad. Ofrecer tu obra esperando una remuneración económica inmediata y directa no tiene que ver con la creación artística en sí, sino más bien con el intercambio comercial, dos mundos que se han tratado de unir por intereses muy lejanos a la creación.

Cobrar por una obra no convierte al autor en ‘profesional’ o ‘amateur’. Lo que convierte a un artista en ‘profesional’ o ‘amateur’ es la necesidad vital de crear, algo situado en un plano muy distante a la transacción económica.

Escala existe desde 2006, ¿durante todos estos años habéis notado algún cambio substancial en el mundo del netaudio o el único cambio ha sido un aumento de volumen de producción?

noi: Escala nació hace tiempo, con el boom de los netlabels a nivel internacional. Somos una plataforma, por decirlo de alguna manera, veterana. A lo largo de todos estos años, hemos notado un aumento significativo de volumen, no solo en el número de netlables, también en otro tipo de plataformas que apoyan el netaudio. Hablamos de infinidad de blogs, podcasts de radio, e-zines, etc. que se dedican única y exclusivamente a promocionar la cultura de la música libre. Ahora solo esperamos que todo esto desemboque en una apuesta definitiva por parte de ciertos colectivos, quizá mas tradicionales, hacia modos más solidarios de entender el consumo del arte.

Este recopilatorio es una colaboración entre escala y el programa de Radio 3 Sismógrafo, dedicado a la «música electrónica no convencional». Aunque Sismógrafo es un programa de ámbito nacional de la radio pública, se emite los lunes a las 4 de la mañana, por lo que me imagino que tiene más oyentes online que a través de la radio. El programa nació en 2008, ¿en todo este tiempo habéis notado algún cambio de patrón significativo en los hábitos del público? ¿Cada vez se escucha más en digital?

Jordi: Creo que siempre se ha escuchado más en digital. El programa se empezó a emitir a la vez que se creó la nueva página de Radio 3, con todos los audios disponibles casi de inmediato y con una presentación muy operativa.

Con el acceso generalizado a Internet y la existencia de los podcast, la forma en la que se venía escuchando la radio ha ido, evidentemente, cambiando. Ya no es necesario estar a una hora determinada atento a la emisión de un programa, la parrilla te la puedes ir conformando tú, algo que está muy bien.

Los netlabels no suelen contar con ningún apoyo institucional, sería casi el polo opuesto a Sismógrafo, que se emite en una radio pública. Aunque tanto escala como Sismógrafo se centran en el mismo tipo de música, me imagino que en escala la libertad es completa, pero ¿en Sismógrafo? ¿Es muy diferente seleccionar temas para un programa de radio semanal que para un recopilatorio de un netlabel?

Jordi: Prácticamente el 100% de los artistas del recopilatorio han aparecido en una o varias ocasiones en el programa. Lo que me atrajo desde el primer momento de este proyecto que me propuso noi es que el sonido del álbum y el del programa son los mismos. Nunca me han dicho desde la dirección de Radio 3 qué debo poner en Sismógrafo, la libertad que he tenido siempre ha sido total. A la hora de hacer este recopilatorio, hemos seguido la misma idea: incluir solo lo que nos gusta.

Los programas de Sismógrafo son publicados online como podcasts y se pueden escuchar y descargar en cualquier momento, exactamente igual que los discos de escala o de cualquier otro netlabel, pero mientras escala publica con licencias Creative Commons me imagino que los podcasts de la radio tienen que lidiar con temas de derechos de autor, ¿en este sentido es muy diferente el sistema de publicación con respecto a un netlabel?

Jordi: Es similar. Siempre y cuando no haya una utilización comercial y se reconozca al autor y/o propietario de los derechos (en este caso RTVE), puedes colgar y anexar el podcast a las páginas que quieras sin ningún problema.

La mayoría de netlabels no cuentan con apoyos económicos de ningún tipo, algunos venden los archivos digitales a través de webs como Bandcamp o piden donativos utilizando servicios como Paypal o Flattr, ¿escala tiene algún tipo de apoyo? ¿Cómo hacéis frente a los gastos inevitables?

noi: La filosofía de los netlabels no es, ni debe ser, sacar ningún rendimiento económico por las descargas que se hacen, es una labor completamente altruista en beneficio de la promoción del artista facilitándole una plataforma donde alojar sus trabajos. Es cierto que existen otros sellos que cobran un mínimo por las descargas, pero no podemos llamar a estas plataformas ‘netlabels’. La experiencia de las donaciones nos dice que las cantidades que se recaudan no merecen la pena como para invertir un tiempo en eso. Una nueva opción que estamos barajando es la inclusión de algún tipo de proyecto de financiación colectiva para apoyar actividades que repercutan directamente en pro de los artistas que participan con nosotros, es solo una idea. Para ser sinceros, se generan pocos gastos, y cuando se han generado los hemos pagado de nuestro bolsillo.

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En la revista online Art Practical dedican su entrega más reciente al sonido bajo el título The Sound Issue. Esta revista se centra específicamente en la zona de San Francisco, así que los artículos hablan sobre todo de artistas establecidos en esa parte de EE.UU.

From the earliest days of sound art, artists and experimental musicians discovered in the genre a medium that is inclusive, participatory, disruptive, and that could embody their political goals. Today, the Bay Area’s technological reign has established San Francisco as a destination for sound artists seeking to advance their practices through the genesis of new mediums. They explore sound’s capacity to conflate sensory experience; sounds are both aural and physical, producing reverberations that register in our ears and bodies and that locate or disorient us in space. How do they respond to different contexts and juxtapose with other artistic forms? This thematic issue of Art Practical delves into the Bay Area’s rich history and attempts to probe the very essence of sound as well as the hybrid practices of contemporary sound artists.

Se publicó ayer mismo y no he leído todavía todos los artículos, pero prometen ser interesantes. Hay uno sobre Infrasound y el tema de escuchar a través del cuerpo, otro sobre el San Francisco Tape Music Center’s (SFTMC), un par de entrevistas con artistas como Jacqueline Gordon y Paul DeMarinis, etc. En total son diez artículos sobre temas bastante variados que tocan desde las esculturas sonoras al glitch.

Las cintas, o casetes, no es que sean muy modernas, pero siempre han estado presentes de alguna manera en el imaginario musical, como recordábamos en 2005 con Recordando las audio cassettes y en 2008 con Algunos proyectos relacionados con Cintas de Casette.

Últimamente me he reencontrado con el tremendo archivo Project C-90, una de las páginas web citadas en esos posts, y casi al mismo tiempo, sin buscar información alguna al respecto, me he topado con Tape Cassette Inserts, una colección de carátulas de casetes de Bruce Jamieson, y con un minidocumental sobre músicos que trabajan en casete, como Nor Horse y Tapetronic.

No sé si esto significa que los casetes están volviendo a ponerse de moda, que es lo que ocurre cuando algo pasa de ser viejo a ser vintage, pero en cualquier caso lo que está claro es que el casete no ha muerto. Como pone en el casete que abre este post: “Too cool”… to die. Ya en la época de los casetes, la película Decoder nos recordaba que hasta podrían utilizarse como arma contra el poder…