Mi primer encuentro físico con el trabajo de Kurt Hentschläger fue en 2007. Una tarde fui al Ars Santa Monica para asistir a unas conferencias organizadas por el Sonar y cuando iba a entrar en el edificio el guardia de seguridad me preguntó si iba a la instalación. Esa pregunta me extrañó porque los guardias de seguridad de los centros de arte nunca te preguntan nada al entrar, así que sentí curiosidad y le pregunté por qué me hacía esa pregunta. La razón era que para ir a la instalación había que firmar un formulario porque estaba desaconsejada la entrada a gente con ciertos problemas de salud, como epilepsia y asma.

Ese mismo día, alguien comentó que era como el Dragon Khan (una montaña rusa que hay cerca de Barcelona) del noise. Finalmente, fui con un par de amigos, firmamos los papeles y nos sentamos en la habitación a ver y experimentar Feed. El espacio era similar a un cine pequeño, con sillas y una pantalla. Yo estaba un poco ansiosa, incluso con miedo, porque no me siento muy cómoda en los espacios cerrados llenos de humo, y la base de la instalación era simplemente humo y luz.

La primera parte de Feed es un vídeo en el que aparecen varios cuerpos en 3D sin rasgos flotando en el espacio, quizás una metáfora de lo que vas a sentir después. Tras un rato, la película acaba y la habitación se llena de humo hasta tal punto que no ves nada más allá de dos centímetros de tu cara. Entonces te bombardean con luces estroboscópicas y sonidos a frecuencias bajas. Aunque parezca la descripción de una máquina de tortura, la verdad es que nos quedamos bastante estupefactos, asombrados y excitados, no fue en absoluto desagradable, fue una de las experiencias más sobrecogedoras que he tenido nunca en relación a una pieza artística.

Quizás se podría discutir si una cosa de este tipo está más relacionada con el arte o con los parques de atracciones, pero creo que cada vez hay más artistas más interesados en las experiencias psicológicas y físicas que en las formas estables, y eso sólo puede ser bueno. Si el objetivo del arte es afectar a nuestros sentidos y emociones y convulsionar nuestra ideas, Feed sólo puede ser arte.

Un par de años después, el festival STRP de Eindhoven dedicó una retrospectiva a Kurt Hentschläger, Ulf Langheinrich y Granular Synthesis (un grupo artístico formado por ambos). Allí experimentamos ZEE, otra instalación de Hentschläger basada en la luz, el sonido y luces estroboscópicas. ZEE es una habitación vacía en la que te puedes mover libremente por el espacio, pero la gran cantidad de humo y luces parpadeantes te llevan a un punto de desorientación total y de repente te encuentras en medio de un viaje psicodélico, totalmente perdido y sufriendo alucinaciones. Entramos en la instalación varias veces durante toda la tarde y noche, todas ellas después de firmar el formulario correspondiente, hasta que cerraron, y cada vez era mejor…

Este tipo de trabajos son relativamente nuevos en el contexto de la galería de arte, pero instalaciones como Feed y ZEE están muy relacionadas con los ‘flicker films‘ y el trabajo de cineastas experimentales como Tony Conrad y Paul Sharits, además de con el trabajo de James Turrell y otros artistas que trabajan con la luz y el espacio. No obstante, Hentschläger va más allá de la pantalla y el espacio, desdibujando las fronteras entre el espectador y el espacio real y creando un mundo inquietante en el que incluso llegas a olvidarte de que tienes cuerpo.

En la primera parte del artículo sobre arte olfativo empezamos con algunas generalidades sobre el tema a modo de introducción, con la promesa de complementarlo con un segundo post sobre algunos artistas. He optado por elegir a dos de las pocas artistas que centran su trabajo exclusivamente en esta disciplina: Maki Ueda y Sissel Tolaas.

Maki Ueda se define a sí misma como artista olfativa y sensorial. Es una japonesa afincada en Holanda que trabaja con el olor en relación a la memoria, las emociones, la percepción y las experiencias personales. Quizás lo más llamativo de Ueda es que no trabaja con ingredientes sintéticos, como la industria del perfume, maneja solamente ingredientes naturales, destilando los olores a partir de su propia fuente a través un proceso bastante sencillo.

Ueda crea tanto piezas olfativas como instalaciones, además de realizar talleres en los que enseña tanto a ser más consciente del sentido del olfato como a capturar los olores de nuestro entorno. Un buen ejemplo de su trabajo podría ser Aromatic Journey #1, que consiste en 11 botellitas con olores relacionados con su niñez. El funcionamiento es simple, sólo hay que agitar un poco la botella, echar unas gotitas de su contenido en un papel y oler. Quizás la ausencia de elementos sintéticos, de dispositivos difusores y demás parafernalia tecnológica tiene que ver con la sensibilidad tradicional japonesa; no olvidemos que existe una antigua ceremonia llamada Kodo —relacionada con el ikebana y la ceremonia del té— centrada en el olor del incienso.

Sissel Tolaas tiene un enfoque bastante diferente, sus antecedentes están en el mundo de la química, las matemáticas y la lingüística, y ha colaborado con grandes multinacionales. Lejos del ‘naturalismo’ de Ueda, prefiere trabajar con olores corporales y urbanos y conceptos como el dinero o el miedo. Una de sus obras más conocidas consiste en una pared ‘pintada’ con feromonas del sudor de varios hombres en situaciones extremas.

Curiosamente, Tolaas no cree que su sentido del olfato sea especialmente bueno, pero afirma que empezó a ‘entrenarse’ cuando se dio cuenta de que, a pesar de que el olfato es el sentido más primitivo, está mucho menos estudiado que la vista y el oído. Actualmente, cuenta con un archivo de más de 7.000 olores guardados en botes herméticos, con fragancias de todo tipo, desde plátanos podridos a telas sucias.

La obra de Tolaas tiene un trasfondo mucho más tecnológico y científico que la de Ueda, e incluso ha ejercitado su percepción y mente para deshacerse de los prejuicios sobre lo que es un buen y un mal olor, optando por una perspectiva claramente analítica.

Aunque el trabajo de estas dos artistas no tiene mucho que ver, ni en términos de métodos ni conceptos, creo que ambas parten de la idea de que el olfato es una fuente más de conocimiento y de relación con nuestro entorno, y que si nos esforzamos por prestarle más atención podemos añadir otra capa de conocimiento a nuestra percepción sensorial.

Hace unos meses publicábamos con motivo del festival Sensxperiment 2011 un post sobre la Dreamachine de Brion Gysin, tema central de la primera muestra relacionada con ese festival que se celebrará el año que viene en Andalucia. Hoy una amiga ha visto casualmente que en Nueva York se está celebrando una exposición titulada Brion Gysin: Dream Machine que se podrá ver hasta principios de octubre en el New Museum.

Se trata de la primera retrospectiva que se hace en Estados Unidos sobre este pintor, poeta, escritor y performer que trabajó en infinidad de medios. Por supuesto, entre lo mostrado se incluye una Dreamachine, que desde el museo describen como “una escultura de luz cinética que aprovecha el efecto del parpadeo para provocar visiones al observarla con los ojos cerrados”.

The New Museum will present “Brion Gysin: Dream Machine,” the first US retrospective of the work of the painter, performer, poet, and writer Brion Gysin (born 1916, Taplow, UK–died 1986, Paris). Working simultaneously in a variety of mediums, Gysin was an irrepressible inventor, serial collaborator, and subversive spirit whose considerable innovations continue to influence musicians and writers, as well as visual and new media artists today. The exhibition will include over 300 drawings, books, paintings, photo-collages, films, slide projections, and sound works, as well as an original Dreamachine—a kinetic light sculpture that utilizes the flicker effect to induce visions when experienced with closed eyes.

Aunque Gysin no es un artista muy conocido, al menos no a nivel de masas, fue el inventor del famoso método del cut-up que se suele atribuir a William S. Burroughs, y ha sido una gran influencia para numerosos artistas, desde John Giorno a Genesis Breyer P-Orridge.

La mayoría no tendremos la oportunidad de visitar la exposición, aunque alguno quizás tengáis planes de pasar las vacaciones en Nueva York, pero siempre queda la posibilidad de comprar el catálogo, ilustrado y con varios ensayos. Creo que en la web del museo no lo venden, pero supongo que se podrá conseguir por algún medio.

No toda la culpa del retraso de esta crítica se debe a los problemas técnicos que han tenido a la página en silencio durante un tiempo. Pero no sólo vagancia, también un poco de paciencia para hablar de una exposición, que sea o no la primera en algo (con ese dudoso mérito), se ha plantado posiblemente como la más grande y ambiciosa sobre este tema en este territorio. Quizás por ello a algunos se nos haga extraño que pese a una repercusión mediática considerable, esta no haya recogido en ocasiones toda la actividad allí desarrollada. Entiendo que por las prisas que imponen algunos medios, pocos se han podido parar a exponer que lo que el evento aglutinaba no eran sólo las esculturas e instalaciones de La Casa Encendida y La Colina de las Ciencias de Madrid, sino los trabajos de cerca de 100 personas, incluyendo teóricos, cineastas o artistas de muy distinto pelaje. Con algo más de tiempo, hemos tenido suerte de ver y oír casi todo lo que ha pasado allí.

Una vez hecho esto podría lanzarme aquí a establecer relaciones más o menos bizantinas entre la fisicidad del sonido casi inaudible de la escultura de Minoru Sato y el concierto de Jakob Kirkegaard, entre el Creciente Interés y Krapoola con la charla sobre Zaj de Henar Rivière, entre el Retruecano de Adolfo Morte y las campanas de Barber y así hasta el infinito. Y seguramente encontraría puntos de encuentro, tendencias y referentes con los que podría relatar una interpretación más que dudosa de lo que puede ser una exposición. Pero yo creo que la cosa va por otro lado.

Me parece que ciertas personas prefieren consumir la cultura de un modo más libre al de las exposición guiada y que que otras personas dedicadas a administrar esa cultura confían en sus consumidores. Me parece que muchos a estas alturas se niegan a recorrer discursos dibujados en las salas, o a escuchar y leer religiosamente historias y definiciones que se desmoronan una vez contrastadas. Y para contra-replicarme, no creo que esto implique una postura cómoda e irresponsable con respecto a la teoría y la historia; es que además de que las maneras de leer y contar han cambiado mucho en poco tiempo, puede haber personas que no tengan ningún interés en engrosar o discutir la Historia y la Teoría (esa que se escribe con mayúscula y nota a pie de página).

Pero como digo no creo que esto sean los objetivos de una exposición de este tipo. Hace más de dos meses, uno de los participantes en el evento me preguntó por el catálogo del festival, a lo que yo respondí que aquello se suponía una exposición… pero creo que él estaba bastante mejor encaminado. Creo que lo allí visto y oído tenía más que ver con un festival, dentro del cual la exhibición tenía un sentido y una función. El formato expositivo era uno más de los formatos de distribución que aglutinó ARTe SONoro, junto al los talleres, los conciertos o el cine. Y sinceramente creo que dentro de algunos de estos módulos si se establecían relaciones, aunque estas no fuesen las que esperábamos encontrar.

Pese a esto, creo poder hacer una lectura muy superficial de algunas de las obras allí presentadas para generar con ello un juicio. Para mi gusto las obras de Cartsen Nicolai y Angela Buloch tampoco han sido mis favoritas, como es el caso de las mayoría de las personas con las que he contrastado opiniones. Absteniéndome de las descripciones que se pueden encontrar en el programa, lo más destacable para mi han sido Labyrinthitis de Jacob Kirkegaard, Test Pattern [n.?2] de Ryoji Ikeda, Irregularity/Homogeneity: Emerging from the Perturbation Field de Minoru Sato, Oionos de Steve Roden, noTours El Angel: Auralidad Aumentada de Escoitar, The Phantom Carriage de Victor Sjostrom con edición de KTL, Attack on Silence de Mark Fell, Soundwalkers de Raquel Castro, Sound in Context de Jonathan Web y Ashley Wong, El creciente interés y El cuarto menguante de Krapoola, Don’t listen to the saxophones! Relentless y casi todo lo presente en Optofonic, expuesto a medias y no en las mejores condiciones en las escaleras del centro de arte.

Sin diferenciar estas obras por sus formatos, creo que si podemos relacionar algunas de ellas a partir de los puntos fuertes que han puesto de manifiesto. Por una parte Soundwalkers, Labyrinthitis y Don’t listen to the saxophones! han sido sin duda las que mejor trabajan sobre los significados de la escucha.

Ya sabemos que el discurso de Escoitar tiene esta premisa, pero su Notours se me presentó más como una colaboración con Ricardo Bellver al modo que KTL colabora con Victor Sjostrom. Quizás sin quererlo se han re-estetizado otras formas artísticas como son el jardín y la película tendiendo por casualidad, al oscurecimiento de los pasajes anodinos. Como Escoitar reconfigura el espacio, KTL reconfigura la visión.

Sound in Context y Irregularity/Homogeneity: Emerging from the Perturbation Field tambien buenos ejemplos de que los espacios de exhibición tradicionales pueden repensarse desde lo sonoro, no viceversa. En el momento en que la pieza de Sato podría ser endosada a las filas del minimalismo, o al conceptual se hace museizable, problema principal del que se quejan la mayoría de los protagonistas de la exposición Sonic Boom que aparecen en el documental.

Optofonic, Attack on Silence y Test Pattern [n.?2] son las más parecidas fomralmente entre si. Son también las que mejor representan una tendencia contemporánea que trabaja el audiovisual sin tener que preocuparse en diferenciar el audio del visual. Son en definitiva un buen ejemplo de una tendencia inmersiva y sinestésica que recoge esa otra tradición artística ajena muchas veces a la historia de las vanguardias artíicas.

Oionos se me queda suelta, pero tampoco hay que forzar. Para mi es de las mejores porque no ocupaba el espacio del jardín en que se situaba, era casi imperceptible y atrayente. Y también se me queda suelta El creciente interés y El cuarto menguante, pero es que aquello, como decía algún crítico “había que haberlo vivido”. Apostillar aquella mudanza accidentada con historias y teorías podría tener sentido, pero sin duda lo mejor de aquella obra es estar allí viendo caer una bañera, un bolardo y una nevera desde un primer piso.

Nos cuesta mucho admitir que una muestra sin aparentes pretensiones históricas o teóricas lleve como título un término tan discutido como confuso. Personalmente no tengo ningún interés en definir el Arte Sonoro y me preocupa muchísimo menos su relación con la música. Sinceramente creo que este punto debería estar ya más que superado. Más bien me interesan aquellos modos de producción y pensamiento que desde la estética aportan algo a la cultura aural, porque como se dijo en el EASE (Encuentro sobre Arte Sonoro en España), quizás sea más relevante lo que el arte aporta a los modos de escucha que lo que la manipulación del sonido puede aportar a la historia y la teoría del arte. En este sentido creo que la exposición ha funcionado generando espacios de escucha más allá del espacio y el público habitual del museo/centro de arte.

En cuanto a su intención manifiesta de dar a oír algunas de las tendencias actuales en el ARTe SONoro la exposición ha dado por supuesto la madurez de esta tendencia, sin preocuparse de definirlo o discutirlo. Pero como decía, creo que esta es una actitud común en los festivales. Quizás no haya que llevar al sonido a los marcos de exhibición establecidos por las artes visuales, o quizás en efecto no haya interés en discutir ni definir.

rbp31 (Radio Bienal Pontevedra XXXI) ofrece un juego para el oído al interferir en el medio radiofónico tradicional. Lo hace poniendo de manifiesto sus posibilidades expresivas e inherentes, propias de ese medio, aunque expandiendo su lenguaje normalizado y previsible; interfiriendo en él. Un proyecto de Escoitar.org para la oreja liberado del corsé de la escritura y entregado a la realidad sensible, aquella que se manifiesta a través de la vibración de los cuerpos y objetos.

Escoitar.org también diseñó un sistema de audioguías para “escuchar” el sentido generado por las obras de los artistas que exponen su obra en el Sexto Edificio del Museo de Pontevedra. Un sistema compuesto por reproductores MP3 y mapeado del espacio mediante sinaléctica (ofreciendo de este modo experiencias acústicas ligadas a espacios concretos) con entrevistas a los artistas, micro-relatos, docudramas y audio-ficción cultural al servicio de la pura experiencia sensorial.

Dentro del programa del City University Department of Music en Londres y con el apoyo de  Sound and Music y Screened Music Network se abre ahora la covocatoria para las plazas limitadas al encuentro Making Sound Work. Este evento se da dentro del marco del Master en Composición y prácticas creativas de la misma universidad y parece orientado a dar a conocer dicho programa educativo.

22-23 June 2010 – £5 each day, free for students, members of Screened Music Network or Sound and Music with ID. SPACE IS LIMITED! For further info and to reserve your ticket online.

Visit City University London for two days of discussions, interviews, talks and presentations by musicians and composers working in film, media and digital music. Ask them about how they got to where they are today, what their work entails, and what advice they have for people starting out in music, media and the arts.

Day 1 on MUSIC AND THE MOVING IMAGE (with Screened Music Network) – hear from music licensing executives about how music is placed in advertisements, film and television, a panel discussion on MUSIC, MEDIA AND OPPORTUNITIES with composers Alex Heffes, Nina Humphreys, William Goodchild and Rob Lane, and a keynote interview with Patrick Doyle, renowned composer for Gosford Park, Nanny McPhee and Bridget Jones’ Diary.

Day 2 on DIGITAL MUSIC AND MEDIA (with Sound and Music) – an interview with Chris Watson, musician and wildlife sound recordist, panel presentations on MAKING SOUND WORK with sound artists Scanner, Brains and Hunch, installation artist Helena Hunter and workshop leader Patrick Furness, and a presentation by multimedia production company and VJs, The Light Surgeons.

On both days, open discussion, and a change to chat informally over a glass of wine.

Are you a composer, musician or digital artist interested in an MA in Composition and Creative Practice at City University? Our programme offers a flexible practice-based route with scope to research your sonic interests over one or two years. Visit our page for info, or talk to us on the day:

MORE INFO ON THE MA IN COMPOSITION AND CREATIVE PRACTICE

Hace tiempo me decidí a escribir un post sobre el sonido que haría el famoso Gran Colisionador de Hadrones, y de cómo eso sería lo más parecido al sonido del Big Bang. Fantaseé dos o tres días sobre el tema en un archivo de texto que luego abandoné, cuando llegé al punto obvio de que el sonido no existe en el espacio exterior y que por tanto el Big Bang no sonaría en absoluto. La semana pasada, Edurado Rojo me envió este artículo del ABC con el título citado. Resulta que mediante la sonificaciónn de los datos del Colisionador de Hadrones LHCSounds ha producido los audios que se pueden escuchar en este enlace.

Un equipo, en el que participan físicos del centro en colaboración con músicos, ha registrado los datos de las partículas del acelerador, el chorro de energía y los pequeños choques, y los ha transferido a parámetros de sonido para crear varios ejemplos melódicos disponibles en la página oficial. Un algoritmo imprime columnas de números representando propiedades de los datos como la energía, posición espacial, tiempo… Esos números son leídos por un software de composición que permite relacionar el volumen con la energía o el timbre con un tipo de partícula. El resultado es impresionante.

Si pensamos en los cinco sentidos, la vista y el oído son a los que damos más importancia en nuestra vida cotidiana, quizás por eso son los más presentes en las prácticas artísticas. El sentido del tacto es menos habitual en este campo, pero además del arte propiamente táctil y de ciertas obras interactivas y/o lúdicas, muchas veces va implícito en ciertas piezas sonoras y audiovisuales que, aunque no estén centradas en el hecho de ‘tocar’, juegan con sensaciones táctiles gracias a que el sonido se trasmite a través de unas vibraciones que podemos llegar a sentir físicamente. En el caso del gusto, seguramente a muchos os vendrá a la cabeza al menos algo relacionado con el ‘food art‘ (parte del trabajo de Antoni Miralda, por ejemplo), pero ¿y el olfato?

Como decía hace un momento, solemos considerar más importantes la vista y el oído que los otros tres sentidos, probablemente porque el tacto, el gusto y olfato son reacciones más instintivas y menos racionalizables. Existen estudios científicos que afirman que lo primero que sentimos al nacer son los olores, antes de que podamos ver o escuchar nada. Quizás la explicación de que con el tiempo el olor pase a un segundo plano tiene que ver con que las partes del cerebro implicadas en el uso del lenguaje tienen pocos enlaces directos con el sistema olfativo, y quizás por esta misma razón el olfato no suele estar presente en la práctica artística.

El olor nos remite a reacciones instintivas, a experiencias y memorias pasadas, pero no a razonamientos lógicos o ideas, algo mucho más fácil de transmitir a través de la imagen, el sonido o la palabra. Los olores son volátiles y evanescentes, y aunque se pueden ‘capturar’ (no olvidemos la próspera industria del perfume), es obvio que es mucho más complicado registrar, reproducir y conservar un olor que un sonido o una imagen.

No obstante, en los siglos XVIII y XIX era bastante habitual que en las funciones teatrales se usasen fragancias para sumergir a los espectadores en la atmósfera de la obra —para recrear el ambiente fantástico y etéreo en las obras sobre hadas o para imitar el olor real de un tocador femenino, por ejemplo. En la industria del cine se han hecho algunos experimentos de este tipo desde principios del siglo XX, basados tanto en olores diseminados por la sala como en unas tarjetas que había que rascar para oler algo concreto en ciertas escenas, pero por alguna razón no han pasado de anécdotas.

Actualmente, el olor brilla por su ausencia, seguramente porque en las sociedades occidentales se hacen grandes esfuerzos para suprimirlo en los lugares públicos, sin olvidar que la televisión, los ordenadores y toda la demás parafernalia tecnológica característica de nuestra época no huele.

A pesar de todo, podemos hablar de arte olfativo. A veces los artistas preocupados por el olor simplemente lo integran de alguna manera en sus performances o instalaciones, como un elemento más. En este sentido podemos citar a Ernesto Neto, un artista brasileño que crea espacios escultóricos que se pueden tocar y oler; o al colectivo de VJs holandeses Barkode, que añaden olores a las imágenes y la música.

Si buscamos a creadores que trabajen exclusiva o principalmente con el olor, la verdad es que la lista no es muy amplia, pero en la segunda parte de este post hablaremos sobre algunos de ellos.

Por fin tenemos noticias sobre la sección SonarMàtica del festival Sónar de este año, que en Barcelona se presenta bajo un título bastante retro, (Back To) The Robots:

Entrados en pleno siglo XXI, la socialización de las herramientas digitales y la generalización del cooperativismo creativo ha devuelto la mirada de las nuevas generaciones de artistas hacia la robótica. La proliferación de talleres de creación, departamentos universitarios y festivales especializados dan buena prueba de un nuevo fenómeno de democratización de la robótica en nuestros días.

Una silla que se autodesmonta y se autoconstruye, robots que te vigilan, tocan el violín o te guían a dibujar tu propio autorretrato, mascotas robóticas… Todos ellos, y muchos más, protagonizan esta edición de SonarMàtica, en la que el festival vuelve a colaborar con la Universitat Pompeu Fabra, la Universitat Politècnica de Catalunya y el centro de producción Hangar.

Como el año pasado, destaca la presencia de instituciones locales, como la Universitat Pompeu Fabra (que espero que traiga algo más novedoso que la omnipresente Reactable, que este año se traslada al Sónar Galicia), la Universitat Politècnica de Catalunya y el centro de producción Hangar.

Más allá del trabajo realizado en instituciones y centros locales, podremos ver una silla de madera con la capacidad de desmontarse y volver a montarse sola… un gato robótico que vigila a un pez que nada en una pantalla… una máquina que hace autorretratos asistidos… una instalación sobre el sinsentido del interminable proceso de toma de decisiones… un experimento de diseño interactivo… una cabeza robótica concebida para aprender mediante la interacción con la gente… En resumen, robots, sí, el título no engaña. De todas formas, quizás lo que más gente atraiga (simplemente por ser quienes son) sea el proyecto que hicieron Chicks On Speed para Hangar: el primer zapato de tacón-guitarra wireless del mundo [(?) mejor no digo nada].

Hoy da comienzo en A Coruña la (S8) 1ª Mostra de Cinema Periférico, dedicada a eso que se suele llamar ‘cine de vanguardia’. El programa incluye retrospectivas, clases magistrales e instalaciones, entre otras cosas, y pretende ser además un punto de encuentro entre creadores, agentes artísticos, distribuidoras y centros culturales contemporáneos.

La muestra dedica un espacio especial a subrayar la importancia y la evolución actual del cine en Súper 8, con ciclos dedicados a autores consagrados, como Iván Zulueta, además de piezas de autores más jóvenes y desconocidos.

De todo el programa podemos destacar a gente como Mark Rappaport, Gustav Deutch o Bruce McClure, que aunque son muy conocidos no es habitual poder ver sus obras, o a ellos mismos, en una ciudad como A Coruña.

Programa completo en PDF

Una de las actividades vinculadas a la exposición ARTe SONoro que se puede ver/escuchar en La Casa Encendida (Madrid) hasta el 13 de junio es el EASE, o lo que es lo mismo, el Encuentro sobre Arte Sonoro en España que se celebrará los días 8, 9 y 10 de junio de 17 a 21 h. El encuentro ha sido organizado por Miguel Álvarez Fernadez, José Iges y Juan Luís Ferrer Molina.

Con motivo de este encuentro, se ha puesto en marcha un blog para que tanto los intervinientes como cualquier otra persona interesada puedan dialogar sobre los temas planteados. Para participar sólo hay que registrarse en el blog, y si quieres figurar en la lista de participantes tendrás que escribir al menos un artículo, no basta con comentar los posts publicados por otros. Por ahora creo que los textos no llegan a la veintena, pero esperemos que la iniciativa sea escuchada.

Podéis encontrar más información en el blog de EASE.

(…) surge la propuesta (percibida, en realidad, como una necesidad) de crear un foro abierto donde los distintos artistas, investigadores y demás profesionales relacionados con el arte sonoro en España puedan poner en común y manifestar sus experiencias, sus percepciones y sus expectativas. Una plataforma donde se puedan intercambiar conocimientos y opiniones en torno a este ámbito estético, aún carente de un soporte institucional específico, y donde —en fin— quienes participamos de la creación sonora en España podamos discutir las diversas formas de entender el arte sonoro que cada uno profesa y trazar nuevas cartografías simbólicas donde ubicarnos.

Con motivo del V Festival de la Cultura Libre que se celebrará en La Casa Invisible del 28 de mayo al 13 de Junio, la asociación cultural “el sueño de Tesla” participará con varios Talleres y propuestas creativas, uno de ellos es la creación del Grupo de Activación Sonora de la Invisible (GASULI) será el sabado 29 de Mayo a las 11.00 Am.

Este taller quiere refexionar sobre el espacio sonoro de La Invisible y su entorno urbano. ?Incluirá una salida por el centro de la ciudad, grabando e interactuando con el sonido de varios espacios, estudiando estrategias para la acción colectiva, e investigando sobre conceptos políticos, de participación y activismo social sonoro.

El taller pretende confeccionar un mapa sonoro del espacio de La Invisible, recopilar el ?espectro aural del centro, mediante la realización de un paisaje sonoro (soundscape), así como la grabación del manifiesto actual de La Invisible en varios idiomas y por diferentes personas. El grupo propondrá una serie de cuestiones a miembros y visitantes de la casa invisible, que serán grabadas y publicadas en el blog que se creará, para así originar respuestas e interacciones enriquecedoras.
Queremos dar voz a personas y colectivos del entorno urbano que no disponen de recursos tecnológicos para ello.

Intr:Muros 2010

Intr:Muros es un festival de arte sonoro y digital que tendrá lugar en su segunda edición durante los días 2, 3, y 4 de Julio del 2010, en La Cartuja de Cazalla (Cazalla de la Sierra, Sevilla). Hemos vuelto a escoger la Cartuja de Cazalla para la celebración de Intr:Muros 2010 por ser uno de esos lugares idóneos para la celebración de un festival de estas características, donde el hecho musical/sonoro cobra su máxima importancia, donde una escucha sosegada a la vez que creativa es propiciada por el entorno natural, de una belleza indescriptible, por su silencio cargado de significado y paz que impregna a las piedras del monasterio, por la evocación telúrica del lugar que nos recuerda todos los paraisos perdidos por el hombre. Pensamos que Intr:Muros es, más que un festival al uso, un lugar en el tiempo y en el espacio donde los amantes del arte sonoro y digital, artistas y organizadores tenemos la oportunidad de convivir, conocernos de una manera relajada y armoniosa, y compartir ideas y proyectos dentro de un marco de enormes posibilidades lúdicas

ARTISTAS INTR:MUROS 2010

Viernes 2 de julio:
- Vitor Joaquim
- Ann Deveria
- Michael Northam
- Reflux (Tension Co. y Arbol)

Sábado 3 de julio:
- Tomas Bednarzcky
- Jason Kahn
- Paul Bradley y Colin Potter
- XGüix
Mesa Redonda Mapping en la fachada del Monasterio a cargo de JVH2Ó.

Domingo 4 de julio:
- Sunday´s Netlabels (día dedicado a los netlabels)
- Tecnonucleo:
- Scmute
- Nanako
- Standard Plazt
- Feday.

En las instalaciones de la Cartuja de Cazalla hay una Hospedería, clasificada como Alojamiento Rural de 3 estrellas.

TIPOS DE ENTRADAS En las instalaciones de la Cartuja de Cazalla hay una Hospedería, clasificada como Alojamiento Rural de 3 estrellas. –

ABONO GENERAL: Con el abono ofrecemos alojamiento en la Hospedería viernes noche y sábado noche, desayuno campestre del sábado y del domingo, comida del sábado y del domingo, visita al Monasterio y alrededores, uso de las dos piscinas, una de ellas ubicada en un antiguo molino de agua árabe del siglo VIII, entrada a los conciertos, videomapping y asistencia a las mesas redondas. Todas las habitaciones disponen de dormitorio y baño. Y depende del tipo tendrán jardín o patio. En la Hospedería hay distintos tipos de habitaciones como Suites en el Claustro de Legos, Casa Ecuestre, Casa de Peregrinos, Gimnasio y Taller, y por tanto, los precios oscilarán. Para los abonos, la organización del Festival dispondrá de un autobús que saldrá desde la estación de tren de Santa Justa a las 15:00h del viernes 2 de julio. Y saldrá el domingo 4 de julio desde el monasterio a Sevilla Santa Justa. Como el Festival tiene una programación de 3 días de concierto: viernes, sábado y domingo, ofrecemos la posibilidad de comprar: ABONOS VIERNES / SÁBADO Y ABONOS VIERNES / SÁBADO Y DOMINGO. – ABONO ENTRADA DE DÍA: Con la entrada de día ofrecemos asistencia a los conciertos, uso de las piscinas y visita al Monasterio. Actividades paralelas al Festival: Masajes de Shiatsu y Rutas de Senderismo. Más información y reservas: intrmuros@gmail.com, info@cartujadecazalla.com, www.cartujadecazalla.com 0034+608033150 / 0034+658300390 El festival está dirigido a un público de ámbito nacional e internacional que se pueda identificar con lo que ve y lo que escucha, con el espíritu del lugar y con el Arte Sonoro o las músicas más exploradoras y personales. Os esperamos.

Atención al siguiente libro al que no lo conozca, ya me lo estoy pidiendo por Internet que no está nada caro…

Seth Kim-Cohen [In The Blink of an Ear: Toward a Non-Cochlear Sonic Art]
Continuum Publishing
July 2009

“Finally, a book that dares to think critically and philosophically about sound art. Kim-Cohen shows what post-War art history would look (and sound) like if it did not exclude the sonic, and if soud art were considered within the history of Conceptualism. This is a landmark book with which any future theory of the sonic arts will need to contend.” Christoph Cox, Professor of Philosophy, Hampshire College, co-editor of Audio Culture: Readings in Modern Music

“A line in the sand of the Chladni plate of sound art. Kim-Cohen is impatient with the simple ding in the thing-in-itself: the metaphysical front end of the church bell. So he pits Duchamp’s non-retinal art against Cage’s sound-in-itself and argues for a non-cochlear art where sounds are allowed to keep resonating past the inner ear all the way to the brain and back. He speaks eloquently for all who like to think and listen at the same time.” Douglas Kahn, author of Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts

Click HERE to read an excerpt.

Reviews: Wire (February 2010), Musicworks (Spring 2010)

Fernando García Tamajón (aka Malaventura) es un malagueño que nos ha enviado su último trabajo para que lo publiquemos en Mediateletipos.net. El proyecto le está dando un resultado muy interesante ya que, a mi entender, ha sabido conjuntar un contenido atractivo con destreza y buen hacer técnico. Simple, divertido y muy atractivo. Le hemos pedido que nos cuente un poco más, y como en su web está todo en inglés entededla como “declaraciones” para Mediateletipos:

El video es la muestra de un trabajo todavia en proceso. Podéis ver más ejemplos de ello en mis videos de Vimeo (la serie “my life as a…” esta toda realizada con esta técnica). A “grosso” modo uso Quartz composer para video y midi in y Ableton para Audio y midi out, todo controlado por el Launchpad de Novation en tiempo real. Los videos proceden en su mayoria del archivo de peliculas bajo licencia Creative Commons y de dominio público que tiene Archive.org.

“Malaventura audiovisual sampler” ha tenido una gran acogida en internet y aparecer en vuestra web sería genial. En breve estará listo poder llevarlo a directo como un espectáculo audiovisual. Además, el video ha sido recientemente elegido por Robert Melee para aparecer en su Talent show junto con otras obras de artistas como lanko + Noiry, Gerald Casel, Erin Dunn, Jacolby Satterwhite, Bruce LaBruce, Austin McCormick, Mirror Mirror, Marilyn Minter… en el mítico the Kitchen de NYC (thekitchen.org) durante los dias 23 y 24 de Junio de 2010.

La industria del audio profesional está de luto con la noticia de la desaparición del Prof. Dr.-Ing. Fritz Sennheiser, fallecido el día 17 de mayo de 2010, tan solo unos días después de haber celebrado su 98º aniversario. Como se dijo en 2006, el día que le fue otorgado un MIPA Lifetime Achievement Award, su universo era el oído y su profesión las ondas sonoras. Su herramienta fue la tecnología de audio.

La marca alemana Sennheiser está de luto por la noticia de la desaparición de su fundador, Prof. Dr.-Ing. Fritz Sennheiser, un año después de haber fallecido su esposa Hertha.

En un comunicado emitido por la marca, se dio a conocer que el Prof. Dr.-Ing. Fritz Sennheiser falleció el día 17 de mayo de 2010. También en ese comunicado un miembro del equipo de dirección recuerda: “Fritz Sennheiser era un ejemplo para todos nosotros”.

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Después de un año de recortes, el festival Sónar intenta buscar otros caminos, con la gran novedad de que esta edición será doble, en su ubicación habitual en Barcelona y además en A Coruña. Aunque la programación es similar, hay algún concierto que sólo tendrá lugar en uno de los dos sitios y en Barcelona habrá mucho más movimiento, así que si no habéis decidido todavía si quereis ir a Galicia o Barcelona es buena idea repasar antes todo el programa. Yo personalmente vivo en Barcelona, así que esa será mi elección, aunque confieso que me intriga más la acogida y el resultado que tendrá en A Coruña, ya que es la ciudad donde crecí y no es un lugar precisamente dado a este tipo de eventos, así que yo creo que es de agradecer que la organización del Sónar haya pensado en expandir el festival precisamente ahí.

Otra de las novedades de este año es que el SonarKids se ha ampliado a dos días, de lo cual deduzco que el año pasado, que fue la primera vez que se organizó, tuvo una buena acogida. Para los despistados, se trata de una parte del Sónar pensada especialmente para los niños, quienes podrán disfrutar tanto de música como de experiencias creativas, este año con personajes de la talla de Jimi Tenor. Lo más interesante y entretenido para los niños serán seguramente las actividades más interactivas, como los talleres de composición musical, diseño de ropa, pintura de murales, arquitectura, street art, DJ, beatbox, skate, etc. que parecen englobar cualquier rama que se nos ocurra de la cultura urbana contemporánea.

En lo que se refiere a la propia programación del Sónar, como siempre, mucho donde elegir. Quizás esté año las estrellas sean Roxy Music y The Chemical Brothers, pero yo prefiero quedarme con gente como Ryoji Ikeda, Phil Niblock, Cluster, Alva Noto + Blixa Bargeld (que para mi desgracia sólo tocan en A Coruña) y Plastikman, por decir algo, la lista sería mucho más larga.

En el SonarCinema podrá verse Synth Britannia, un documental de la BBC que repasa la vida y la obra de “toda una generación de músicos que, justo después de la explosión punk, decidieron acercarse al sintetizador de una forma radicalmente distinta, para borrar de un plumazo cualquier connotación experimental y colocar la música sintética bajo los focos de los escenarios del pop británico”. Las otras propuestas incluyen material del sello Warp, sobre la improvisación libre y el Skweee, además del live POWEr, “una performance basada en las perturbaciones electromagnéticas de alto voltaje “.

Sobre la sección SonarMàtica no hay todavía ninguna noticia, pero me imagino que al menos en el CCCB habrá alguna propuesta, aunque la verdad es que el año pasado en este sentido fue un tanto decepcionante.

Gnaural is an opensource programmable auditory binaural-beat generator, implementing the principle as described in the October 1973 Scientific American article “Auditory Beats in the Brain” by Gerald Oster. The central theme of Oster’s article was that processing of binaural beats involves different neural pathways than conventional hearing. Research inspired by the article went on to show that among other things, binaural beats could be used to induce a “frequency-following response” (FFR) in brainwave activity. An early version of Gnaural called WinAural was even used for at least one such published study, “The Induced Rhythmic Oscillations of Neural Activity in the Human Brain”, D. Cvetkovic, D. Djuwari, I. Cosic (Australia), from Proceeding (417) Biomedical Engineering – 2004.

all the info in Gnaural website

En la última reunión teletipera se habló mucho sobre la musicoterapia, la sonoterapia y de sus efectos reales sobre el cuerpo. De mano de We make money not art nos llega ahora Sonic Therapy (el nombre cambia) diseñada por Staalplaat Soundsystem dentro de la exposición Musik für Barbaren und Klassiker que se desarrolla hasta junio en Netwerk center for contemporary art de Bélgica, una exposición de arte sonoro centrada en los artistas Sean Dower, Staalplaat Soundsystem, Joris Van de Moortel, Els Viaene, Stevie Wishart. Un serie que piensan sobre las propiedades físicas del sonido, pero sobre todo de los efectos de estas propiedades en el conocimiento de nuestros cuerpos en el espacio. Así Sean Dower The Brown Sound, un vinilo con “La nota Marrón”que supuestamente hace descomponerse (bonito eufemismo). Sonic Therapy desarrolla toda una cuidada puesta en escena, en la que tras el diagnóstico, se invita a los asistentes a tumbarse en sus camas y recibir el tratamiento diseñado por Ryoji Ikeda, por ejemplo.

Una de las características técnicas más notables de las performances audiovisuales es que no hay instrumentos universales, cada artista manipula e incluso genera sus instrumentos. Por esto el adjetivo formalista, que tanto se usa para el arte de galería por ejemplo, no sirve cuando nos referimos al desarrollo personal de un medio tecnológico que es vía y objeto de la producción artística. Uno de los problemas con que nos encontramos a la hora de describir algunos medios de Arte Inmersivo es precisamente la de escapar a esas clasificaciones formalistas. Es a partir de esa manipulación tecnológica más o menos sofisticada desde donde podemos situar histórica y teóricamente las piezas.

La historia de estas obras recorre trasversalmente las historias del cine, la música e incluso la pintura y la arquitectura. Como se ha expuesto en el texto sobre prehistoria, muchas de las obras consideradas Inmersivas se definen como artificios que permiten el funcionamiento interno de las piezas a la vez que generan o rompen nexos entre las distintas “realidades”. Ese rapto produce una experiencia estética, un instante de ruptura que ayuda a la desautomatización de los sentidos. En ese caso, la regla científica que permite el funcionamiento del artificio, y por tanto la experiencia estética o inmersión deberá ser considerada como parte del discurso de la obra.

Vamos a poner un ejemplo. Al tratar de analizar la obra de Bruce McClure u Optical Machines nos encontramos con el principio de cinética estocástica. Se considera un proceso estocástico a una serie de variables que funcionan en relación a otra variable, por ejemplo el tiempo. El ruido en su definición física es un proceso estocástico caracterizado por más de una sola variable. Si colocamos varios proyectores sobre el mismo punto, o mezclamos varias señales de video en directo, o proyectamos luz por entre varios objetos en movimiento, obtendremos algo parecido teóricamente a ese ruido visual. En definitiva lo estocástico se usa para hablar de imágenes en movimiento guiadas por el azar, y que por la relación de su naturaleza con determinados sonidos permiten escuchar esa imagen. Del mismo modo que se usaron principios científicos para hablar de la música coloreada a finales del s. XIX, este principio azaroso puede usarse para describir el ruido audiovisual. La música estocástica es aquella que se “ordena” según la probabilidad, un arte abstracto que según Xenakis permitía la materialización sensible de las leyes científicas.

Esta materialización de las leyes científicas, produce una obra que sobrepasa la conceptualización. En ese momento en el que percibimos la obra sin poder conceptualizarla, comprendemos su discurso sin poder explicarlo o leerlo. El lenguaje artístico se convierte así en traductor de los principios científicos más allá del lenguaje matemático y por tanto nos ayuda a interiorizar su significado. Se produce algo así como un ascesis científica. Si la ascesis filosófica permitía interiorizar las ideas mediante su escucha, esta nos permite audiovisualizar las reglas internas de, por ejemplo, el ruido.

Desde hace unos días ya está disponible el nº 0 de Ursonate Fanzine que podeis descargar desde Archive libremente. Un número centrado en arte sonoro y descentrado entre ruido, improvisación, arte conceptual, discos, lavels y entrevistas. Coordinado por Oscar Martín y gracias a su esfuerzo, tenemos una buena nómina de colaboradores que enumeramos a continuación por orden de aparición, como en las películas: Krapoola, Marcos Bernabé, Juan Antonio Nieto, Pablo Reche, Juan José Calarco, Faustino Goyena, Lothus, Luis Marte, Miguel Angel García, Oscar Martín, Miguel Alguel Tolosa, Carlos Valverde, Dirty-Bag, J.L.Espejo, Hector Rey, Mattin, Sara Vacher y Diego Chamy. Desde el blog Ursonate se anima desde ya a las colaboraciones para el siguiente número.

fanzine_ursonate surge con la única pretensión de generar un organo más de expresión, encuentro y reflexión alrededor de la comunidad involucrada en el arte sonoro, el ruido y la escena de netlabels y labels independientes agradecimientos a todxs las colaboraciones, esperamos seguir recibiendo articulos, reseñas, material grafico, sugerencias y críticas firmado: ursonate

Alojar y compartir audio es algo que no ha evolucionado mucho en los últimos años (sobre todo si lo comparamos a la evolución que tiene casi día a día el vídeo). Hay muchos factores para que a día de hoy no exista un servicio estándar en el que subir audio, por ejemplo, los plugins que nos permiten poder escuchar archivos mp3 directamente en los navegadores son muy útiles (de hecho aquí es lo que utilizamos) y no tienes que tener un servidor y subir tu archivo mp3. En todo caso en esta evolución, sea lenta o rápida, Myspace.com (y su tortuoso sistema de gestión) o Archive.org (y su no tan fácil uploader) son los que nos han permitido alojar canciones, audios, tracks, grabaciones…

La labor de archive.org como repositorio universal no hay que ponerla en duda, nosotros venimos hablando y recomendando su uso desde hace muchos años, y en su estructura altamente compleja (y primitiva), está que no sea una herramienta fácil y atractiva para mucha gente, pero no en vano su catálogo de Netlabels es una delicia. Sobre Myspace.com no hay mucho que decir: farragoso, cerrado y su dueño quiere privatizar internet… ¿por qué seguís usándolo? :p

Y en medio de todo esto está Soundcloud (puedes ver un vídeo aquí), lo que se me ha ocurrido llamar el “vimeo” del audio: Soundcloud es una plataforma para alojar música con un player muy interesante (permite hacer comentarios en la línea de tiempo, te da acceso directo a la descarga, compra o videoclip del track…), una red social para seguir a gente interesante (porque de momento no está muy masificada) y sobre todo un buzón para recibir y enviar archivos de audio sin tener que pensar en comprimir los archivos es lo que hace su función dropbox que te permite recibir archivos de audio sin tener que “petar” tu correo. Además tiene una potente API abierta con lo que han aparecido muchos widgets para todo tipo de plataformas y sitios web y una incipiente comunidad de desarrolladores.

En netaudio.es, que han fomentado un meet-up de usuarios de soundcloud para mañana 14 de mayo lo tienen claro: “Es una nueva forma de compartir música, más abierta, flexible y colaborativa.”

Su uso es realmente sencillo, accesible y ameno: la potencia está en su player (embebible por supuesto y editable en cuanto a colores y demás) y sobre todo que está pensando para que los otros usuarios de soundcloud hagan comentarios en la línea de tiempo (esta funcionalidad la están teniendo algunos servicios de vídeo ya). Otras cosas que me gustan bastante: soporta archivos AIFF, WAV, FLAC, OGG, MP3, AAC; puedes subir los archivos a la máxima calidad que los tengas, puedes elegir licencia al audio que subes: Todos los Derechos Reservados, Ningún Derecho Reservado y alguna creative commons; puedes subir tracks completos, demos, loops, indicar los bpm y etiquetar la música que haces; está pensado para compartir privada o públicamente; dejan claro en sus términos de uso que el material es tuyo y toda la responsabilidad es tuya y que soundcloud no se reserva ningún derecho de explotación. Soundcloud es una potente herramienta que ayuda mucho a trabajar remotamente sobre piezas sonoras, de hecho cuentan sus creadores que la herramienta la pensaron, sobre todo, ante la necesidad de músicos y productores de tener pre-views de sus nuevas producciones.

¿Y dónde está el truco?
Pues es muy sencillo, la propia filosofía de la herramienta usa la metáfora de que tu cuenta en soundcloud es como una cinta, en la que puedes grabar y regrabar todas las veces que quieras, pero que si tienes una cuenta gratuita sólo podrás tener 120 minutos de audio, pero recuerda, 120 minutos con la máxima calidad si quieres.

You can rewind, erase & start over again. And again. And again. With tape you can always remove and replace the music. We think a tape deck in the Cloud should be the same.

¿Una pequeña decepción?, puede que sí, si pensabas usar soundcloud para colgar en la “nube” toda tu producción musical, pero el modelo que ellos plantean es claro desde el principio (de hecho sólo consigues tener tiemplo ilimitado si pagas 500$/año), usa soundcloud como una herramienta para dar a conocer tu música pero no para alojar tu música (para eso sigue siendo muy válido archive.org). Me parece una estrategia interesante para “no morir en el intento”. Son una empresa, qué le vamos a hacer.

En conclusión, Soundcloud es un “vimeo” del audio por aquello de que tiene un cuidado diseño tanto en su interfaz como en el player, está pensado con limitaciones para que no sea usado a mansalva y eso lo convierte en un pequeño coto para iniciados. Seguro que con el uso, la principal limitación de tiempo irá creciendo, pero eso habrá que verlo, de momento vamos a seguir probándola.

Un poco de historia:
La empresa la fundaron en Estocolmo, Suecia, en el año 2007 pero ahora mismo tienen sus oficinas en Berlín. Alexander Ljung y Eric Wahlforss nacieron ambos en la década de los 80. En la actualidad tienen unos 8 trabajadores y han recibido capital riesgo para poder lanzar un modelo de negocio basado en el freemium, es decir, que hay unas cuentas premium en el que a partir de 29 dólares al año no tienes limitaciones de espacio y muchas mejoras. Bueno existe un completo plan de precios ya seas artista o compañía de discos.

Hoy 13 de mayo comienza Off de ARTe SONoro, el penúltimo de los grandes bloques de la exposición que se desarrollará durante un mes aproximadamente en el barrio de Lavapiés de Madrid bajo la coordinación de IN-SONORA en distintos espacios y momentos que podéis consultar más exactamente en su página. Con ello la propuesta trata de atender a la parte más local, no ya en referencia al ámbito estatal para el que suele usarse la expresión, sino al de lo más cercano del centro de arte que produce la exposición. Un discurso este de diálogo con “el barrio” tan recurrente como fallido para las instituciones que lo promulgan, y por tanto lo suficiente peliagudo como para esperar a comentarlo una vez se den los eventos y la correspondiente respuesta del público.

Se presentan 12 artistas o grupos de artistas, Pablo Serret de Ena, Alfredo Morte, Gabriel Castaño, Julio Adán, Varela Arribas, Dinastia Trini, 12 o’clock shadow, Krapoola, Nilo Gallego, Relentless, En Busca Del Pasto y O3. Una muestra de algunas de las propuestas que han pasado por IN-SONORA en los últimos años con alguno que otra incorporación.

Quizás por esa tensión irresoluble entre los centros de arte y los barrios en los que se alojan, entiendo (a título personal) que son la propuestas directamente relacionadas con el espacio público las que pueden proponer situaciones que pongan a prueba a las propuestas y a sus espectadores. Una mención especial merece la intervención de Krapoola que tirará literalmente la casa por la ventana antes de abandonar la ciudad, una casa que como algunos saben era una instalación-noise en si misma.

(Ensayo general de “Grabacion de Fuente Señera”, en Porriño, Galicia)

Roma, 14 de mayo de 2010. 11h.
por Escoitar.org

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Sobre esta audio-accion. Cómo funciona?
El evento consiste en un paseo sonoro de 45 minutos por una zona de la ciudad portando un micrófono gigante (hinchable de 7 metros de longitud sujetado y transportado con arneses por 7 personas). El micrófono es capaz de capturar el sonido ambiente de la ciudad en tiempo real y este sonido será transmitido por una Emisora de Radio FM (conexión en directo a través de Radio Città Futura, para toda Italia). Se trata de transportar el ambiente sonoro de un lugar concreto a todos los lugares en dónde es escuchada la radio.

El MACRÓFONO (nombre que se le ha dado al micrófono), pesa tan sólo 23 kilogramos y se alimenta con la energía de una batería de 12 voltios y 40 amperios. Esta energía es necesaria para mover el pequeño motor eléctrico que se encarga de mantener en todo momento el tono del globo. Al ser un hinchable, su docilidad es alta (puede doblarse, aplastarse, adaptarse a cualquier tipo de espacio, etc.) Contiene una micrófono estéreo integrado que permite grabar en tiempo real el sonido captado en el paseo sonoro. De su parte posterior salen dos conexiones de audio que permitirán monitorizar el sonido que recoge y, como en este caso, transmitirlo a la audiencia por la radio.

Las 7 personas que acompañarán al Macrófono se vestirán con monos naranjas. Una de ellas llevará una mochila en la espalda que aloja la batería de 12 voltios (similar a batería de coche).

El paseo sonoro comenzará a la hora acordada y tendrá una duración exacta de 45 minutos. Habrá una parada de 15 minutos en una plaza a mitad de camino (aquí se hará una primera conexión con la radio), y el objetivo (Fontana di Trevi) se alcanzará a los 45 minutos de la salida. En esta plaza se permanecerán otros 30 minutos para transmitir al mundo su sonido.

El objetivo de la acción es, entonces, acercarse al patrimonio cultural a través de los sonidos que genera. Percibir, comprender y concebir la identidad acústica de los lugares. Capturar y transmitir el sonido de una de las plazas señeras de la ciudad, en definitiva: grabar y transmitir el sonido del chorrito de la Fontana di Trevi.

Datos del Paseo Sonoro…

MAPA Y DETALLES DEL ITINERARIO EN ROMA
*Salida desde Via del Traforo
*Caminar hacia Via dei Giardini (73 m)
*Giro a la izquierda en Via in Arcione (0,1 km)
*Se continúa por Via del Lavatore (0,1 km)
*Se continúa por Piazza di Trevi (41 m)
*Se continúa por Via delle Muratte (7 m)
*Se llega a Destino Fontana di Trevi

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El pasado 5 de Mayo tuvimos la ocasión de ver y oír The Phantom Carriage de Victor Sjöström, que en su versión KTL viene sonorizada por Stephen O’Malley de Sunn O))) y Peter Pita Rehberg. Sinceramente, creo que no había otra manera mejor de empezar el ciclo Más allá del sonido. La película de Sjörtröm se mueve entre la moralina familiar y la terrorífica imagen del desamparo, llevando al maniqueísmo (muy de pre-vanguardias por otra parte) las relaciones sociales. Lo que KTL añade es el terror mismo a un lenguaje visual silente (¡que no mudo!). El cine siempre fue audiovisual, incluso cuando las películas no tenían banda, sonaban en su contexto de modo no necesariamente musical. En la España de Franco hay divertidos herederos de la época de la narración en directo en películas de Charlot dobladas con chistes cañí. En Buenos Aires los niños echaban carreras para oír quien era el primero en leer los intertítulos y los subtítulos. Era sobre todo porque el cine era lenguaje y estaba lleno de lenguaje por lo que resonaba en las salas de entre siglos. Era allí donde generandose la cultura popular, se hacía evidente que las palabras son también sonidos, aunque 60 años después el conceptualismo (entre otras cosas) quisiera hacerlas imágenes de nuevo.

Pero quizás la mayor posibilidad que ofrece una película silente ahora mismo es su contextualización. Recuerdo que en cierta ocasión me contrarié cuando alguien dijo que lo más impactante de la puesta en escena de El Acorazado Potemkin era la música. No es sólo que la película no tuviese música, es que aquella película “debía” ser entendida visualmente y además la partitura que sonaba en la versión que habíamos visto no era la original compuesta para la cinta. Todo prejuicios. KTL ha hecho de The Phantom Carriage una película contemporánea (Por cierto que el grupo surgió para hacer música incidental). No sólo porque el jinete de la muerte parezca uno de los de Sunn O)), sino porque permite reconsiderar la película a partir de su nueva banda sonora, permite escuchar las imágenes para ver también en ellas todo aquello que se había perdido en 90 años de cambios audiovisuales, y para que los drones remitan a Sjörtröm y no sólo al Mordor de Jakson.

Sonorizar películas no es nuevo, se dio con Lang, Einsestein, Protazanov, Svankmajer y muchos más ejemplos que para algunos serían los pilares del live cinema. Pero que nuestro amigo Abraham Rivera empiece así el ciclo audiovisual, establece un orden definitorio, que no formalista, de lo que puede ser audio-visual. Para ello no son necesarias estructuras de exhibición historicistas, geográficas o temáticas, sino entrelazados más sugerentes con declaraciones de intenciones como exhibir en primer lugar The Phantom Carriage. Para más información os pegamos la entrevista que le hicieron desde la radio de La Casa Encendida.

[See post to listen to audio]

Dicho esto, vamos a lo noticiable. Hoy continua el ciclo audiovisual de ARTe SONoro en La Casa Encendida, que se dará semanalmente hasta el 30 de junio con un total de 24 obras. Organizadas a partir de ejes (Formas, Narraciones, RPM, Expansiones…), se mostrarán trabajos de indispensables como Semiconductor, Pan Sonic, Jakob Kirkegaard, Xavi Erquizia, Stephen Vitiello, Pauline Oliveros, Otomo Yoshiside o Jeff Mills. Toda una serie de trabajos AUDIO-visuales que dan una perspectiva sobre otros tipos de arte sonoro más allá las esculturas e instalaciones, que curiosamente son las únicas que hasta la fecha ha reseñado la prensa (a excepción que yo sepa, de la breve glosa de  Darío Fernandez en la revista gratuita Calle 20)

Aquí están disponibles los textos presentados en el II Encuentro Iberoamericano sobre Paisajes Sonoros.

“El Paisaje Sonoro se mueve en un ámbito de planteamientos abiertos y pluridisciplinares: composición musical, comunicación acústica, ecología, contaminación acústica, patrimonio inmaterial, pedagogía, geografía sonora, urbanismo sonoro…

El agua, con sus manifestaciones sonoras, es la protagonista de este II Encuentro iberoamericano sobre Paisajes sonoros, donde se reflexiona, informa y debate sobre el rumor de los ríos, los juegos de aguas en parques y jardines, el eterno ir y venir de las olas del mar o el profundo resonar sin fin de los torrentes de montaña o las grandes cataratas, capaces de marcar acústicamente amplios territorios, los distintos ruidos de la lluvia o la cualidad especial con la que nuestros sonidos cambian en días de niebla o de nieve”

Whispering in the Leaves es una instalación sonora de Chris Watson que recrea las selvas de Centroamérica y América del sur, se presentó en el AV FESTIVAL 08 y ahora se podrá ver, o mejor dicho escuchar, del 29 de mayo al 5 de septiembre en Kew Gardens, un jardín botánico de Londres.

Chris Watson’s Whispering in the Leaves is an extraordinary sound installation, using recordings and natural history broadcast to transport us to the far-flung, dense rainforests of South and Central America. Throughout Kew Gardens’ Summer festival, the Palm House will be diffused with the dawn and dusk choruses of the myriad of creatures native to these lush tropical landscapes.

A number of events are planned to take place throughout the Summer season, from special performances and workshops led by Chris, to talks with ecological luminaries and artist-led monthly tours around the installation.

Fundido a Negro, por Carlos de Hita en su espacio online ‘El sonido de la Naturaleza’.

En el medio audiovisual, dominado por la imagen, el fundido a negro es un efecto por el que la pantalla se apaga, el espectador se queda a oscuras y se da por concluida una secuencia. En el montaje el fundido a negro suele utilizarse para subrayar un paso de tiempo.

Pero cuando del binomio audiovisual nos quedamos sólo con la primera parte, el audio, un fundido a negro es, en sentido literal, la transición de unos sonidos a otros. Para los que escuchamos y componemos las imágenes mentalmente a través de lo que oímos, el fundido a negro se llena de nuevas voces, de nuevos mensajes. Nada concluye; más bien, todo empieza de nuevo.

L.E.V. cumplió las expectativas en cuanto a programación bailable y elegante. El espacio industrial de la nave de Laboral, todo sea dicho, es el terror: reverberación excesiva y columnas por todas partes. Dicho esto, la organización y la puntualidad impecables. Pasemos a lo más recalcable de la jornada:

1.) Shackleton. Porque dio una lección de intensidad sin comparación (en la que no es necesaria enfundarse en capuchones a lo Sunn O))) ), mantuvo un ritmo impecable recurriendo a referencias que manejadas por cualquier otro hubieran sido una horterada y en fin, porque hizo que nos vibrara literalmente el pecho con el arsenal de bajos de la sesión.

2.) Scuba. Inamovible y contundente.

3.) Signal. En su linea. Mantengo que el ambiente clubero les sienta mejor. Ya se confirmó con Byetone en el Specka de Madrid, donde los famosos números se jalearon como hit, más que como la enésima repetición de una fórmula cansina. Al señor Carsten se le escapó alguna arenga al baile y pese a las pésimas condiciones acústicas, hicieron sonar bastante bien el espacio.

4.) Ben Frost comentaba en una entrevista en Playground que estaba pensando en quemar el estudio, tirar el ordenador al mar y darse a la pesca porque había llegado a un punto en el que no sabía muy bien que hacer con la música. Quizás por exceso de expectativas su concierto resultó falto de la intensidad que se esperaba. Pese a esa puesta en escena y la amalgama de bajos orgánicos, la cosa no llego a mayores tras un inicio progresivo que prometía aún no se muy bien qué.

5.) Dj Krush Siempre es un lujo escuchar una sesión de este tipo. Quizás lo más comentado durante la noche y en los foros fueron sus referencias pop (Dj Food pinchó la misma canción de Michael Jackson en Rec 2009), posiblemente una prueba de que se puede mezclar cualquier cosa. Si es por eso, pueden abstenerse de volver a demostrarlo, yo les creo.

El G.C.M.U.S. (Grupo de Creación Musical de la Universidad de Santiago de Compostela) organiza el encuentro Sons Creativos. Música e Espazos que tendrá lugar en Lugo entre el 13 y el 15 de Mayo y que este año estará dedicado a la artista Concha Jérez, profesora de la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, y al compositor José Íges quien dirigió hasta hace dos años el programa Ars Sonora de Radio Clásica.

Puedes encontrar toda la información referente a este encuentro [aquí] y [aquí] y descargarte el programa [aquí]