Debe haber alguna razón para que no hayamos colgado este video aún. Una de ellas puede ser que la serie sea chunga y bastante policial, aunque comparada con su compañera sobre “descubridores” se queda muy corta. En cualquier caso, ahí va.

Atención a la locución de Francisco Rabal y a la adaptación de la melodía de piano llegando al nervio auditivo (propia del Maestro Luis Cobos), y por supuesto las lecciones de salud: amiguitos no nos damos cuenta de lo peligroso que es el ruido.

“Writing about music is like dancing about architecture”.
A quote whose certain source remains unknown while attributed to people such as Miles Davis, Elvis Costello, or Frank Zappa among others. I think I found it firstly through the tireless re-mediator Paul D. Miller (a.k.a. Dj Spooky).

It amusingly illustrates the contradictions often inherent to some critical and intellectual discourses on experiential and sensual matters, which sometimes might reveal as rather pointless or simply boring. It came back to my mind while sipping fastly a coffee in the hall of De Balie in reply to a friend heading out the conference hall who joked about the difficulties and confusion that talking ‘too much’ about sound might lead to.

The panel titled ‘The Hot Space in Music‘ was still taking place and we had just listened a while ago to the intervention of Steven Connor, who introduced that session. His name was unknown to my ears before the festival and actually resulted in another of the inspiring discoveries of this edition. Although his lecture: ‘Auscultations (Listening In) consisted in a nonstop discourse full of thoughts and words (no powerpoints, no actual audio examples, just his text, voice and gestuality) definitely it was not boring or pointless at all, but a rather poetic reflection on sound and listening.

Author of books about Joyce, Beckett, ventriloquism, skin or flies and currently preparing a book about the historical poetics of air, his presence in the program drew our attention and curiosity, making us remain in the Conference even though if the plan that afternoon was finally visiting the exhibition (the full schedule of the festival was making of it a difficult task to fulfill in the weekend).

He talked about the locus of listening, its nuances and the space(s) of sound and music, elaborating on those through tinnitus and other topics. Both dense and eloquent, it was inspiring to listen to this talk, which actually I hope to re-listen to soon. A visit to Steven´s site confirmed him as an accomplished orator, cultural critic and a prolific writer with an archive full of talks, writings and broadcasts ranging a variety of topics, many of them available as texts and in audio too. Specially interesting for us the ones classified under: ‘Seeing to Sound: On Sound, Music and Voice‘.

sound is unthinkable without space…
sound is always more than space…
sound and space never exactly coincide…
sound and space are consustantial but never exactly coexistant…

I am outisde the sound which is at the same time inside me…

music rarely happens in space, because music IS space.

Vía Mobile Sound hemos hemos sabido que la Audiovisual Culture, y el Nordic Branch of the International Association for the Study of Popular Music ha convocado recientemente un call for papers para una conferencia internacional sobre arte sonoro y culturas aurales. En los últimos años se han dedicado seminarios a temas como el urbanismo, la voz y la tecnología. Las bases de la convocatoria, como se puede leer más abajo, son bastante amplias, con fecha límite de primero de Abril. ¡Anímense!

Sound as Art – Sound in History
Sound as Culture – Sound in Theory
Conference on sound studies
University of Aarhus, Denmark
September 23-25, 2010
Call for papers

The programme of the conference will consist of keynote lectures, plenary roundtables, thematic workshops and individual presentations. Individual presentations and entire workshops may draw inspiration from the following array of questions:

- What is the experiential framework of listening and auditive culture, and how is the world constituted (identity, locality, sociality, culture etc) through auditive practice?
- How has musical and technological sound production and perception changed through the last century and how has it contributed to everyday soundscapes, the concert hall, and the media?
- What can we know, i.e., what types of knowledge, identity and meaning are made possible through acoustic practice – are there any limits to sound taken as an experiential framework and as cognition?
- What perspectives might arise from current studies of auditory modes of relating to space, of appropriating, expressing and designing social environments?
- How does sound help define urban environments, and how might issues related to urban planning, architectural design, and noise benefit from a deeper and more complex understanding of sound?
- What are the correlations between listening and other sensory modalities, the body, sociality, materiality, technology and media (sound viewed as a cognitive paradigm isolated from actual resonating sound).
- How do auditive practices appear to be conventional or normative? How do auditive practices, in conjunction with other sensory modalities, articulate value, aesthetics, ethics and morals in culture?
- How do we further the development of academic terminologies for dealing with sound?
- How can transgressions of traditional distinctions between sound, music and art be understood in a socio-cultural perspective?
- What do the specific aesthetic aspects of sound art seek to achieve in contrast to the predominance of visuality and modes of seeing within the arts?
- How is artistic and academic education in sound competence developing?

Proposals for presentations (20/10 mins) or workshops (90 mins) must be submitted to the conference organisers/programme committee by April 1, 2010 as an email attachment (rtf/pdf/doc) to soundstudies@hum.au.dk. Please include the following information: Paper abstract and title (max. 200 words), name(s), affiliation, e-mail, and technical equipment required (PC/DVD/CD/data projector/over-head projector/etc.).

Notifications of acceptance will be sent no later than May 3, 2010.

Con eso de que ayer fue el día de la mujer, y aunque yo no soy mucho de conmemoraciones, me he encontrado, vía SAM, un interesante archivo sonoro realizado por la artista Marysia Lewandowska titulado Women´s Audio Archive.

“The Women’s Audio Archive began as a series of recordings, taped by Lewandowska after leaving her home country in 1984, grown out of an interest in language as a site of cultural displacement. These recordings document public events, seminars, talks, conferences, and private conversations as valuable records of a particular time in discourse, beginning around 1983 until 1990. Lewandowska denotes this period of time as one dominated by academics and artists close to October magazine and by feminist gatherings, including the participating of Judy Chicago, Mary Kelly, Barbara Kruger, Yvonne Rainer, Jo Spences, Nancy Spero, Jane Weinstock, etc.”

Entering the Palace of Bones from Papa Sangre on Vimeo.

En 1930 Walter Ruttmann utilizó las técnicas del montaje para crear un cine que negaba al espectador aquello que mejor parecía definir la esencia de este formato. Si bien Wochende (fin de semana) no alcanzó especial relevancia en la historia del Séptimo Arte, si que supuso un claro antecedente tanto de las prácticas del Fieldrecording como de la llamada Música concreta.

Pues, heredando parte de aquel interés por generar un nuevo sentido a partir de la fragmentación del medio, me he encontrado un video-juego, perdón, audio-juego llamado Papa Sangre, ya te imaginas por donde van los tiros, que promete mucho. Desde luego que también tiene una importante deuda para con el género de las radio-novelas.

Line Describing a Cone
Anthony McCall
Deep Spaces | Fri 25th Feb 2010 | Paradiso, Amsterdam

Reading the program of Sonic Acts I got intrigued about this 30min, B&W, silent film. Made in 1973, it is the first of McCall´s ’solid light’ film series, an exploration on the sculptural qualities of light, using simple 16mm projections. He developed these series until the late 70s, only re-starting this practice more than twenty years later, this time using digital tools. This film is now a legendary example within the field of expanded cinema.

In McCall´s words: ‘The viewer watches the film by standing with his, or her, back towards what would normally be the screen, and looking along the beam towards the projector itself. The film beings as a coherent line of light, like a laser beam, adn develops through its 30-minute duration into a complete, hollow cone of light.’

That´s what we could see in the small hall of Paradiso, a dot describing a line, slowly becoming a physical conical volume. A minimal and elegant cinematic sculpture which turned also into a playful experience for the audience, who was quite amused interacting with the emerging light volume.

After experienced the film, I am now looking forward to catch up any of McCall´s new light installations.

Check also:

http://www.anthonymccall.com/

VIDEO: A ’solid-light’ film by Anthony McCall
March 2007, Tate Modern, UK

Anthony McCall: The Solid Light Films and Related Works. Northwestern Univ. Press. 2005

Byetone fue el final de fiesta para tres días dedicados a la manipulación de luz y sonido en directo en nuestro periplo en Madrid. Este último no estaba incluido en el festival PLAY, pero no podía resistirme a comentar la risa de complicidad que se dio en la sala de Specka cuando entraron en escena sus famosos números; a estas alturas un hit en toda regla.

Ese mismo sábado habíamos estado en La Casa Encendida en las proyecciones de Luke Fowler y Peter Todd con directo de Keith Rowe. Dos proyectores de 16mm habitados por planos fijos de espacios vacíos e inmóviles, que se movían y entrecruzaban en la pantalla. Una interacción poco climática, debo decir, con el concierto con guitarra preparada y otros aparatos de Rowe, quien estuvo bastante comedido haciendo sonar, entre otras cosas, ese partido de fútbol omnipresente también en la improvisación.

Antes de ello, las colaboraciones de Fowler con Lee Patterson y Eric La Casa presentaron muy distintas intensidades dentro de la cinta. Organizadas internamente por tomas de colores planos, las imágenes acompañaban los sonidos de los field recorders. En el caso de la colaboración con Patterson la localización paisajista se hacía más minuciosa, exponiendo en la pantalla espacio y materiales exactos que se grababan y filmaban. En la colaboración con La Casa, todo discurría de manera menos topográfica, aunque un viaje en imágenes y sonidos de las montañas, a los embalses, los mercados y las calles de la ciudad, hacía suponer que existía cierta pretensión en representar el viaje de ciertos recursos naturales hacia su desnaturalización.

El evento que concluyó la noche del viernes, presentado por Ismeni Espejel y David Picazo resultó bastante más teatral que inmersivo, con texto recitado e imágenes, entre otras, de hechos sucedidos en Pakistán en septiembre de 2007. Distintas pantallas, distintos proyectores y diapositivas para tratar de generar distintos ángulos, quizás distintas voces para entender los hechos.

Antes de ello se habían proyectado dos películas de D.G. Phalke, dos cintas de principio del siglo pasado, que tenían más de espiritista que de directo, pero que se presentan (como casi todo el cine primitivo) como piezas mágicas (así aprovecho esta expresión tan cursi para recomendar el visionado del ciclo Espectros y Máquinas en la Enana Marrón de Madrid). Tras ello una película india de 1970 no acreditada en el programa y que sin embrago resultó ser la más valorada, compuesta de cámaras rápidas de espacios bulliciosos, al estilo Koyaaniskatsi pero con una música más básica e interesante. Para terminar con la proyección, la película Karen Mirza y Brad Butler, mucho más colorista que sus antepasadas, una muestra correcta e interesante de cine abstracto.

Habíamos abierto el festival el jueves con las performances de Atsuhiro Ito y Fuyuki Kamakawa, que dieron por terminada la noche con un dueto poco comunicativo. Por su parte Ito había dado un espectáculo más luminoso que sonoro, muy efectista, y bastante atractivo. Manipulando ese instrumento hecho de luz, verdadera guitarra jedi que osciló entre lo rítmico y lo caótico sin terminar de quedrase en ninguno de ellos. Kamakawa se extendió en una performance de importante implicación corporal, extrayendo sonidos y luz de sus cavidades sinusoidales, su respiración esforzada y su corazón. Todos su cuerpo al servicio de una performance pausada y quizás demasiado extendida.

Sin duda, PLAY se presentó en esta edición más como una edición de cine expandido que como cine en directo, y era precisamente ahí, en la extensión aparentemente caprichosa de los usos de la luz y el sonido, donde residió su principal interés del ciclo.

Barry Truax opened the session at De Balie on Saturday, a whole day devoted specially to soundscape, phonography and the exploration of the acoustic qualities of our environment.

Truax´s career has been combining academic computer and electroacoustic music with social and ecological concerns. Since the 70s, as part of the World Soundscape Project and at the Simon Fraser University in Vancouver, he has been developing academic and artistically the fields of music composition with environmental sounds and acoustic ecology.

His compositions explore the field between two extremes of the world: the micro structure and inner complexities of sound itself and the external world of complexity present in the soundscape. Drawing upon elements taken from the world we live in, combining computer tools such as convolution or granulation and multichannel diffusion techniques, his compositions aim to immerse the listener into sonic journeys and imaginary narratives, suggesting moments of profound listening.

The keynote at Sonic Acts contained instructive examples of his compositions, which are extensively documented, partly available online and compiled in two published dvd-roms. We learned about the narratives and compositional techniques underlying works such as PendlerdrØm, Island, Basilica, Temple and The Shaman Ascending, listening to sound examples of the original and processed materials aswell as to excerpts of the compositions in a nice multichannel setup.

Barry also presented Chalice Well, one of his latest works, which we will listen to later in Paradiso, as part of the Acoustic Spaces evening.

Video of another lecture of Barry Truax a few months ago at The Vancouver Computer Music Meetings (VCMM).

Truax´s Handbook for Acoustic Ecology

El viernes tras una intensa sesión de conferencias, de las que de primeras cabe destacar Derrick de Kerckhove o Christopher Salter, la jornada de la tarde en Paradiso estuvo centrada en una programación audiovisual presentada con un claro giro a la analógico, primitivista, en el que primaba a la manipulación directa del material que produce las sombras y los sonidos, todo ello debidamente amplificado.

La intensidad de algunas actuaciones, no hacía más que restar protagonismo a otras, por lo que sin animo de cualificar, aquí dejo las actuaciones más reseñables. Comenzando con Optical Machines (SHIFT) proyecto formado por Maarten Halmans como músico y Rikkert Brok manipulando su máquina de luces y sombras. Brok crea máquinas para proyecciones en directo, como podréis ver en su página, que bajo su pobre apariencia, generan un espectáculo redondo.

Tras ello Takashi Ito con Spacy fue, en mi opinión, el ejemplo más ilustrativo para entender muchos de los discursos teóricos y artísticos presentados en el festival. La obra exponía una concepción del espacio a partir de las peculiaridades de la representación cinematográfica, introduciéndose una y otra vez en planos y más planos y generando un espacio retranqueado sobre si mismo. Un acercamiento engañoso entre marcos.

La siguiente actuación altamente reseñable fue la de Bruce McClure con su PIE PELLICANE JESU DOMINAE: And After Several Rapid Strokes of Their Wings. Una manipulación del sonido de las bobinas, de la película misma al pasar por el proyector haciendo de esta proyection performance una manera de escuchar mediante el ruido, el cine y su mecanismo.

Cuando llegó la película pintada de Daïchi Saïto en colaboración con Malcolm Goldstein, Trees of Syntax, Leaves of Axis, los efectos de los brutales 45 minutos de la proyección amplificada de McClure todavía nos tenían algo extenuados, lo que no impidió disfrutar de esta pieza de gran belleza. De hecho fue precisamente por el contraste entre la crudeza de PIE PELLICANE JESU DOMINAE y los violines disonantes que acompañaban a pinturas de árboles lo que dió aún más sentido a ambas piezas.

Para cuando ya no podíamos más, comenzó Light Trap de Greg Pope & Gert-Jan Prins. En principio, debo reconocer que por cansancio físico y sensorial, poco parecía esperarnos en esta instalación-performance orquestada desde cuatro osciladores y cuatro proyectores. Un operario en cada uno de los proyectores, colocados en cada una de las esquinas del Paradiso, iba rayando en vivo la película, circundando un espacio central al que se dirigía también el equipo de sonido. Cuando decidimos internarnos en este espacio, súbitamente el volumen creciente convirtió el cuadrilátero virtual en un marco de sensaciones casi táctiles, donde la luz y la vibración extremas permitían, una vez más, tener la sensación de inmersión total.

Ahora mismo estaba viendo las noticias mientras comía y me acabo de enterar que A Coruña ha sido elegida como la ciudad con el sonido del mar más bonito del mundo. Como coruñesa, pues la noticia me hace gracia, y aunque no he escuchado el mar de todas las ciudades del mundo, seguramente ni del 1%, pues me lo creo. Bien hermoso es el sonido de su mar…

Este curioso galardón sale de un concurso que organiza la ciudad polaca de Slupsk con el objetivo de promocionar las ciudades marítimas, la grabación presentada por A Coruña fue elegida como ganadora entre más de 600 aspirantes.

Al parecer, ahora el ayuntamiento pretende aprovechar el galardón para convocar un concurso similar dirigido tanto a coruñeses como a visitantes que graben los sonidos de los rincones marítimos de la ciudad desde su propia perspectiva. Y en A Coruña rincones marítimos la verdad es que no faltan, porque está rodeada de mar por todas partes… algo que según me han dicho varios foráneos despista mucho, porque lo habitual es que en una ciudad el mar esté sólo a un lado.

Conferencia + consulta de archivo
Coordinación: Audiolab
Invitado: Carlos Gómez
Arteleku. 17 de marzo a las 19h.

Sonidos en causa es un proyecto de la Orquesta del Caos basado en el registro del patrimonio sonoro propio de una serie de contextos culturales Latinoamericanos en cuyo entorno medioambiental son previsibles cambios irreversibles a corto y medio plazo debidos al crecimiento económico.

Carlos Gómez (Bogotá, 1963), co-director de la Orquesta del Caos, del festival Zeppelin y el archivo sonoro Sonoscop, presenta en formato conferencia-audición “Sonidos en Causa”. Además de introducir este proyecto mediante el relato de las experiencias vividas hasta la fecha, Gómez mostrará varios de los ejemplos compilados que conforman el archivo y hablará sobre el futuro del proyecto. Paralelamente a la presentación, el archivo sonoro de Sonidos En Causa estará disponible para consulta pública en la mediateca de Arteleku.

TALLER DE SONIDO EXPERIMENTAL PARA JÓVENES

10, 17 Y 24 ABR. 17:00 – 19:30 H.
DIRIGIDO A JÓVENES ENTRE 16 Y 23 AÑOS
Inscripción gratuita en www.ca2m.org

Este taller consta de tres sesiones en las que profundizar sobre la experimentación con el ruido. El silencio, la escucha y el sonido más allá de nuestra concepción tradicional de la música.

El Gandhara Super mini Custom Model es una especie de cajita sonora, muy mona ella, que quizás no hace gran cosa, pero lo poco que hace no suena mal, podéis encontrar una muestra aquí. La verdad es que no tengo muy claro si se vende o es un simple prototipo porque en la web de Field Noise Records no dice nada al respecto, pero bueno, si a alguien le interesa que intente preguntar a los responsables…

Gandhara Super mini is our original sound generator collaborated with Toshikatsu @Ankoku Japanner. 1 VCO, frequency knob, switch and headphone jack only. Work with an AAA battery. Traditional Japanese “Urushi” painted wood chassis and drawed waves pattern on it.

Stuffinablank es una plataforma online pensada para alojar exposiciones de arte contemporáneo, lo que significa básicamente que comisaría ‘muestras’ reuniendo bajo el mismo lema varios proyectos relacionados. Una de las primeras propuestas es una recopilación de páginas dedicadas al paisaje sonoro, como escoitar, radio aporee o sound transit. Seguro que los interesandos en este tema ya las conocéis casi todas, pero nunca está de más recordar ciertas cosas…

En 1975 Brian Eno y Peter Schmidt publicaron una caja que contenía una serie de tarjetas donde se podían leer peculiares aforismo destinados a desbloquear los procesos creativos. Este pack se ha convertido en uno de esos objetos del deseo gracias a no sé qué absurdos procesos que mueven los entresijos del coleccionismo en el mundo del arte-reliquia… Ahora mismo puedes encontrar en Ebay una primera edición por el módico precio de 450 libras.

Pero si en la eterna dicotomía continente/contenido te inclinas por lo segundo puedes optar por instalarte el Widget disponible para Mac o visitar una recreación virtual creada en Game Sound Design

Aquí tienes algunos ejemplos que te pueden servir de ayuda:

“Deja de hacer lo que estás haciendo”
“Selecciona aleatoriamente el sonido de un animal”
“Usa la distorsión en tu beneficio”
“Remézclalo con tus ojos cerrados”
“El sonido se propaga a través del aire”

Oblique Strategies Web

Este año en el Festival Internacional ZEMOS98, que se celebra en Sevilla, del 15 al 21 de marzo ha reprogramado su estructura, su web, pero no sus intereses y objetivos. Una de las cuestiones más llamativas puede ser que hemos empezado a trabajar en red y que hemos “aplazado sine die” la convocatoria audiovisual de obras audiovisuales. Pero estos fragmentos del texto publicado en el programa de mano cuyo título es reprogramación creo que lo explican mejor:

Hace unos años, en una plaza de Córdoba, un periodista de un medio de tirada nacional y de carácter generalista, entrevistaba a Chiu Longina. Chiu, un viejo conocido y amigo de ZEMOS98, es un tipo inclasificable. En una definición básica podríamos considerarlo como antropólogo del sonido. Pero en aquella entrevista se explayó y hablo sobre políticas culturales, micro-economía, biotecnología, propiedad intelectual, vídeo por internet…el periodista, desconcertado, le dijo: “es que ahora no sé en qué sección del periódico ponerte… podrías ir a política, a economía, a cultura…”. Esta es la crisis de los medios tradicionales ante el cambio de paradigma que supone pasar de un mundo basado en átomos a un mundo basado en bits.

Un festival es un medio tradicional, para qué nos vamos a engañar. Durante los últimos 6 años hemos mantenido una estructura que dividía la programación en 3 bloques: actividades formativas, proyecciones y conciertos. Pero si hay algo que hemos aprendido de la propia esencia de internet, espacio natural de ZEMOS98, es que un contenido puede atravesar y compartir varios continentes. Por eso este año no queremos considerar la programación como un esquema jerárquico y vertical, sino que vamos a intentar superar esa concepción y convertirla en una red de relaciones, donde todo tiene que ver con todo. No inventamos nada nuevo, sólo tratamos de reinventarnos una vez más.

Puedes seguir leyéndolo aquí…

Programación Sonora

En cuanto a programación de lo sonoro hemos lanzado una nueva piel para nuestras Experiencias Sonoras: los conciertos domésticos. Idea que ni es nueva, ni pretende presentarse como única. Los conciertos domésticos se definen como un espacio para experimentar con el sonido y la música que puede ocurrir en espacios domésticos: una tienda de ultramarinos, el salón de una casa, la recóndita calle, la pequeña sala de exposiciones y el local de ensayo de un grupo. ¿Que qué puede ocurrir? Pues desde Mattin a Mursego, pasando por Internet 2, Bulos y Tanguerías o una pinchada de Melodías Pizarras. Y sin estar encuadrado en el programa de Conciertos Domésticos el arte sonoro circense de Le Petit Cirque completa la idea de un festival dedicado a las cosas pequeñas.

En programación de espectáculos musicales más tradicionales, por llamarlos de alguna forma, está desde cyclo. (Ryoji Ikeda + Carsten Nicolai) a Filastine pasando por la presentación de Wildworking de Fiera . Sólo estos tres conciertos tienen una entrada de 5 euros que si compras las tres hay una reducción del 20%, es decir, 3 conciertos por 12 euros.

Programación Audiovisual
Aunque nos estemos contradiciendo con el artículo de reprogramación en el ámbito de la programación audiovisual hemos programado 2 proyecciones de documentales + 2 presentaciones de proyectos audiovisuales en internet + 2 Código Fuente Audiovisuales + 5 Código Fuentes Audiovisuales On.line

El código fuente es un conjunto de líneas de texto que son las instrucciones que debe seguir una computadora para ejecutar un programa. Compartir el código fuente es la base del software libre. Para nosotros, esta idea implica dos cuestiones adicionales:

- por un lado, asumir que “toda obra intelectual es derivada” (Lawrence Liang); es decir, que nuestra noción de creatividad está sujeta a una serie de convenciones que habría cuestionar; que habría que reconstituir nuestra noción sobre el origen de las ideas y que deberíamos exigir una reformulación de las actuales leyes del copyright así como de los modelos de negocio de las grandes industrias culturales. Como dijera Henri-Cartier Bresson, “copiar es muy importante. Es lo que permite comprender”;

- por otro lado, defender la idea de la cultura como un palimpsesto infinito, del arte como un juego entre todos los seres de todas las épocas y de la remezcla como un sistema operativo transversal que afecta a los procesos educativos y comunicativos.

Compartir nuestro código fuente audiovisual es hablar de nuestros vídeos preferidos, cartografiar qué relatos audiovisuales nos representan, mostrar y comentar ejemplos, referencias y citas audiovisuales. Así pues nuestro Código Fuente Audiovisual no es ni una proyección ni una conferencia. Es un formato híbrido de proyección comentada, con el objetivo de compartir cultura audiovisual.

Te invitamos a que consultes toda la programación en http://festival.zemos98.org y a que sigas todos los contenidos de la programación/comunicación on.line.

Nos vemos en las redes!

Los anuncios de Sony dan para una tesis, ya se ha dicho por aquí. Desde aquel mono escuchando un walkman en medio de la sabana, pasando por los adictos al sonido, hasta su terrorífica Soundville. Sony trabaja con artistas sonoros y publicistas en sus campañas de mercado para vender sus aparatos a partir de lo que estos producen: Luz y Sonido. Lo que la luz y el sonido operan sobre las personas es ya material para sus ficciones.

Desde este jueves día 4 entre las 22:00 y las 23:00 hasta el sábado, pasarán por La Casa Encendida distintas muestras de Live Cinema en el festival PLAY. Comenzando por , Atsuhiro Ito y Fuyuki Yamakawa, los músicos japoneses que han trabajado como otros en las campañas que comentábamos. Su trabajo se centra la manipulación directa de la luz y el sonido, como materias primas del audiovisual.

El viernes 5 Karen Mirza y Brad Butler que llevarán a los límites de la representación algunos trabajos de cine primitivo indio de D.G. Phalke a lo que seguirá una colaboración de estos mismos con Ismeni Espejel y David Picazo

El sábado abrirá con la colaboración del cineasta Luke Fowler con Lee Patterson y Eric La Casa al que hemos podrido oír muy recientemente en una abrupta tormenta en Sonic Acts. Una interacción entre los principios de cine estructural y de archivo sumado a los trabajos a partir de grabaciones de campo. Una comunicación entre lo ya visto y lo ya oído como materia de un nuevo directo. Por último Luke Fowler y Peter Todd como cineastas, interactuarán con el veterano Keith Rowe fundador del colectivo AMM. Aquí os dejamos el Programa de Ars Sonora que nuestro amigo Miguel le dedicó hace unos meses.

Por cierto, a los que le queden fuerzas después del festival, podrán acercarse a la fiesta de Analogical Force en Specka (Madrid) donde Byetone estará haceindo un directo.

Esta semana se ha presentado Toronto Sound Ecology, un nuevo proyecto de mapeado sonoro que se une a la creciente cantidad de webs que han surgido durante los ultimos años en torno a este tema. En este caso, la zona escogida es la ciudad canadiense de Toronto.

Por ahora la idea está en sus inicios, pero los responsables esperan que este recurso sonoro vaya aumentando y poder construir una base de datos de las grabaciones de campo que tenga en cuenta informaciones como la temperatura, la estación o el clima.

Podéis encontrar más información sobre el proyecto y la realización de la web en Serial Consign.

Mauro Entrialgo en su blog Pletora de pirañas

The increased accessibility and affordability of contemporary media technologies has greatly expanded possibilities for the dissemination of independent and grassroots information. At the same time, these developments have also greatly increased the opportunities for (mis)use of media technologies as powerful and effective tools for political and commercial propaganda. Although many theorists, artists, and activists have addressed the latter perspective on contemporary media technologies, critical debates have rarely relied on concrete demonstrations to prove their point. This edition of Test_Lab will therefore investigate the face of propaganda in the digital age by means of live artistic demonstrations, and will allow the audience to test hands-on how new media technologies can be applied as effective tools for propaganda.

How does Google determine which website shows up first and which one on page 2.480.133 of a search? Does a photograph only represent its own reality? How does social tagging affect the meaning of an online image? Why is spam persuasive and profitable? Is Uncyclopedia perhaps the true Wikipedia? What would the world look like if all advertisements were covered with artworks? And can Google’s Street View be a stage for artistic intervention?

Test_Lab: Tools for Propaganda allows you to experience and test for yourself how new media technologies can be (mis)used to direct, divert, distract and manipulate your gaze on the world.

V2_, Institute for the Unstable Media
11/03/2010 20:00, Rotterdam

El próximo miércoles 3 del 3 a las 19.30h se inaugura una nueva exposición del ciclo SILENCIO EXPLÍCITO en el ESPAI 13 de la Fundació Joan Miró. Se trata del artista de origen checo residente en Nueva York, TOM KOTIK (1969), que presenta con Arquitecturas de silencio un conjunto de obras que reflexionan tanto sobre los aspectos físicos del silencio y los materiales que permiten la construcción del mismo como sobre las implicaciones sociopolíticas que el propio concepto de silencio sugiere. Su trabajo más reciente aspira a transmitir silencio a través de la forma y hacer arte sonoro sin recurrir al sonido.

Tom Kotik elabora un discurso sobre las dinámicas del poder y la represión, así como sobre los usos estratégicos y a menudo perversos del silencio, con obras que evocan explícitamente el silencio, combinando la idea de “ausencia”, implícita en el término, con la presencia casi física de un silencio que deviene altamente matérico.

Impulso racional (2004) es una escultura sonora interactiva constituida por dos cajas insonorizadas que han sido diseñadas para albergar música rock a todo volumen sin que ésta pueda oírse más que como un leve rumor desde el exterior. Cuando el espectador abre las cajas, la música ensordecedora de la banda del propio Kotik, The Mighty High, invade el espacio expositivo. A su vez, el cierre de las cajas, llevado a cabo en dos fases, crea un interesante efecto de sofocamiento del ruido o de sensación de poder, casi física, de “construir silencio.”

Untitled (for Jan) (2007) convierte el sonido en una experiencia silenciosa, pero táctil. La pieza consiste en un atril preparado con altavoces que reproducen música insonora cuyas inaudibles frecuencias provocan el movimiento compulsivo de sus membranas.

Las obras más recientes renuncian totalmente a la amplificación y a los altavoces y se centran en la utilización de ciertos materiales, una estrategia que el artista denomina políticas de silencio. La intención de aludir al silencio sin recurrir a ningún tipo de sonido se refleja en sus pequeños Soundstudies (2007), construidos con materiales de aislamiento acústico profesional, así como en los más recientes Felt drawings (2009), que contribuyen de manera real a la absorción de la energía sónica del espacio mediante grandes piezas de fieltro cortadas con la forma de distintos modelos de amplificadores de bajo o guitarra eléctrica. De esta forma, Tom Kotik consigue transmitir silencio a través de la forma y hacer sound art sin recurrir al sonido.

Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n
08038 Barcelona

El 5o festival de música electrónica y experimental organizado por la plataforma Störung abrirá sus puertas el próximo 21 de abril para ofrecernos, durante cuatro días, las actuaciones de destacados artistas y músicos nacionales e internacionales de la escena electrónica y experimental.

Störung Festival 5.0 incluye, además, un ciclo de conferencias, proyecciones de piezas audiovisuales y una jornada temática titulada “Hydrophonia”, dedicada a los sonidos subacuáticos.

El objetivo del festival es promover propuestas creativas del ámbito electrónico que permitan al público disfrutar de estas tendencias musicales y artísticas, continuado así el trabajo que la plataforma multidisciplinar Störung realiza desde 2006.

Presentación del festival: 3 de Marzo a las 12.30pm en el Convent de Sant Agustí, Barcelona.

La conferencia internacional de Sonic Acts la acoge De Balie, un teatro-cine activo como centro de debate en torno a temas culturales y políticos. En ella se presenta un intensivo programa de casi ocho horas durante cada uno de los tres días de mayor actividad del festival.

El viernes 26 el programa se abrirá con un keynote de Derrick de Kerckhove titulado Beyond Perspective, From the Point of View to the Point of Being, seguido de cuatro sesiones más. En Architectures of Sound, Daniel Teruggi (director del GRM francés) y Raviv Ganchrow (profesor en el Instituto de Sonología de La Haya) hablarán de diversas formas de transformación del espacio mediante sonido. Naut Humon (de Recombinant Media Labs) y el artista-investigador Christopher Salter, analizarán los mecanismos de inmersión que operan en la audiencia en los espectáculos audiovisuales surround. Utopian Spectacles repasará hitos históricos como los legendarios Vortex Concerts de finales de los 50s y parte del trabajo de John Cage, incluyendo la presencia de Robert Whitman, uno de los pioneros en la combinación de teatro y tecnología. Y para terminar la jornada, una sesión dedicada a las poéticas del espacio híbrido, prestando atención al uso de tecnología para extender e intervenir nuestras experiencias cotidianas y el espacio público.

El sábado está especialmente dedicado a la exploración y manipulación acústica del mundo que habitamos, con la participación de nombres ya clásicos en el campo de la composición con paisajes sonoros como Barry Truax, Hildegard Westerkamp o Annea Lockwood. También intervendrá el cineasta Fred Worden, habrá una sección titulada Invisible Architectures, con la presencia del ‘trans-arquitecto’ Marcos Novak y un panel organizado por STEIM donde se hablará de manipulaciones del espacio sonoro-musical.

La jornada de cierrre se abrirá con un keynote de Michael J. Morgan, autor de The Space Between Our Ears (2003), que hablará de cómo funcionan los mecanismos humanos de percepción y accion espacial. Le seguirán las presentaciones de los artistas Jan-Peter E.R. Sonntag, H.C. Gilje y Jacob Kirkegaard. Y para cerrar, la novena sesión de la conferencia, Gardeners of the Future, estará dedicada a nuevas aproximaciones tecnológicas a la naturaleza, la genética y la biología desde el prisma de la posible integración de la ciencia en el arte.

Como todo el mundo sabe, la radio puede ser usada hoy en día para realizar aciones mecánicas a distancia -comienza diciendo esta anuncio de 1924. El Automaton o Radio Automata era el proyecto de policía mecánico guiado por radio para dispersar a la multitud, que a juzgar por las chimeneas de la ilustración, está formada por esos caprichosos trabajadores que se ponen en huelga y merecen un consejo para comprender cómo es la realidad de las cosas. Venía con sus altavoces incorporados para transmitir las órdenes de los policías y se supone que se movería a gasolina. Como tantos otros inventos, no existió, pero según su cartel podría ser construido en cualquier momento. ¿No os recuerda algo?

La ilustración, por cierto viene del Blog Ausente, del que aquí se puede destacar la colección de Especial Estereofónico, un viaje por la iconografía de los reproductores de sonido como objetos de consumo. Piernas largas, labios rojos y la felicidad que nuestro amigo Automaton se encarga de asegurar. El gobierno de la policía, los órdenes radiadas sobre qué hacer, van cambiando de máquina a máquina, pero al final suelen inscribir en los cuerpos a porrazos o caricias, una relación fraternal con el dinero.

]]> http://www.mediateletipos.net/archives/11860/feed 1 http://www.mediateletipos.net/archives/11842 http://www.mediateletipos.net/archives/11842#comments Wed, 24 Feb 2010 12:11:29 +0000 pablo sanz http://www.mediateletipos.net/?p=11842

Mañana jueves arrranca Sonic Acts XIII, uno de los festivales europeos más interesantes, que desde 1994 se ha dedicado a explorar las conexiones entre arte, tecnología, música y ciencia, ofreciendo en cada edición una amplia programacion en torno a un tema escogido. El festival combina un programa de conferencias con una exhibición, conciertos, proyecciones y live performances en distintas localizaciones de Amsterdam.

Esta edición toma su nombre prestado de la traducción inglesa del libro La Poétique de l’Espace, publicado en 1958 por el filósofo francés Gaston Bachelard y está dedicada a la investigación del concepto de espacialidad en una serie de prácticas artisticas que abarcan el arte audiovisual, el cine, la música y la arquitectura, las cuales exploran el espacio de diversas maneras.

En Mediateletipos publicamos nuestra pequeña crónica de la pasada edición en 2008, dedicada a la experiencia cinemática. Esta vez seremos dos los visitantes teletiperos, Jose Luis Espejo y yo mismo (Pablo al aparato), quienes estaremos bloggeando en colaboración con la organización del festival y empapándonos de lo que por allí suene. Así que a partir de hoy aparecerán varios posts dedicados a Sonic Acts y en nuestro sidebar hemos colgado un cartelito para la ocasión, que nos acompañará durante unos días.

Aparte de seguirlo por aquí, habrá live streams que pueden ser interesantes para seguir las conferencias por ejemplo y la presencia del festival en las redes sociales tampoco se está quedando corta este año, con un ritmo frenético de tweets.