Últimamente estoy intentando ver todo lo que lleva años criando telarañas en mis discos duros, y resulta que ahora mismo mientras comía he descubierto una película digna de mención que tenía por ver desde no se sabe cuándo. Se trata de Decoder, de un tal Muscha (Jürgen Muschalek) de quien no sé gran cosa.

Quizás debería empezar por decir que la copia que he visto no es digna ni de un VHS y que además la he visto en alemán sin subtítulos a falta de nada mejor, y no sé alemán… En cualquier caso, si os interesa verla estáis de suerte porque esa versión completa que acabo de encontrar en YouTube es mejor que la que yo tenía y además está subtitulada en inglés. Yo ya me la estoy bajando para volver a verla en condiciones…

La historia va sobre sonido, en caso contrario no estaría escribiendo nada por estos lares, probablemente. En una especie de presente distópico (presente de los años 80), el protagonista, FM Einheit (antiguo Einstürzende Neubauten), cree que la muzak, o música de mobiliario, como diría Satie, atonta a la gente. Un día acaba en un edificio abandonado y se queda hipnotizado con una Dream Machine y una especie de predicador interpretado por Genesis P-Orridge y empieza a usar sus experimentos sonoros para crear lo contrario que provoca la muzak, es decir, caos, violencia y revueltas, todo esto armado simplemente con casetes…

Más información sobre Decoder.

Festival de Arte Sonoro Tsonami organiza el Concierto de Ciudad 193 [Hz]. Para sirenas de barcos, campanas e instrumentos de bronce en quebradas en el marco del Festival de las Artes del CNCA.

“¿Qué es el Concierto de Ciudad?
Es una acción músical a escala urbana en donde variadas fuentes sonoras, como campanas de iglesias y sirenas de buques, ejecutan una partitura especialmente diseñada para sonar en parte importante del area urbana.

¿Cuándo y dónde?
El próximo domingo 29 de Enero de 2012 entre las 21 y 22 hrs, desde Carampangue hasta Cerro El Litre, se podrá escuchar la partitura experimental 193 [Hz] compuesta para 6 sirenas de barcos, 8 campanarios de iglesias y 17 músicos en quebradas de la ciudad. 193 [hz] es la “frecuencia de resonancia” de la ciudad, obtenida a partir de las sirenas y campanas presentes en Valparaíso”.

+ info

Coincidiendo con su primer cumpleaños La Escucha Atenta ha inaugurado LEA ediciones, un “catálogo fonográfico” comisariado por Juanjo Palacios y Edu Comelles.

Lea ediciones viene así a completar toda la información sobre paisaje sonoro y fonografía compilada tanto en su blog como a través de los cuestionarios LEA con este espacio sonoro que se inaugura con dos referencias; [lea001] SENDA SONORA, trabajo conjunto del propio Juanjo Palacios y Edu Comelles, y [lea002] EMERGING TERRITORIES de Jay-Dea López y Luís Antero.

La finadidad de Lea ediciones es:

ofrecer una plataforma de producción y difusión para artistas sonoros trabajando en el mundo de las grabaciones de campo, también pretende difundir y producir propuestas emergentes dentro de la fonografía y nuevos trabajos de artistas que decidan publicar su trabajo fonográfico a través de una plataforma de libre descarga Este catálogo fonográfico estará coordinado y comisariado por Juanjo Palacios y Edu Comelles y a su vez será parte del conglomerado de proyectos formado por Audiotalaia, Audition Records y evidentemente La Escucha Atenta.

El año pasado prometimos estar en Transmediale, pero nos pudieron las circunstancias. Mucho tiene que torcerse la cosa para que el miércoles por la noche no estemos aterrizando en Berlín para cubrir el festival dedicado este año a lo in/compatible, lo que, según ellos, no funciona en unidad generando quiebros. Es también el año en que se celebra el 25 aniversario del evento.
La programación, confirmada recientemente, se presenta no menos que abrumadora, basada en el desengaño de las promesas tecnófilas:

The simultaneous monumental failure and global ubiquity of technology seems to move us beyond the polarity of utopia and dystopia. Instead we are entering the blurred environments of the unadapted, monstrous and “uncorporated”. The increasingly unclear tension-states between open and closed, freedom and control, idealistic and commercial are giving rise to a new kind of “techno-cultural uneasy”. The in/compatible in this context is a singular moment of transversal reflection. Artists, hackers and tinkerers engage the imperfect nature of technology. They give it a cultural shape, developing a modular reflexivity that responds to the ever-changing social and economical terrains of the networked world.

La exposición viene comisariada por Jacob Lillemose, comisario independiente especializado en arte digital que ha trabajado entre otros con Daniel García Andujar, presente en la exposición. El tema se centra en las “uneasy energies in technological times” , esto es, en nuetras dificultosas e incómodas relaciones con la tecnología contemporánea.

El programa de video parte de una falta de unidad o identidad, más relacionada con su longenidad que con su temática in/compatible. La programación viene firmada por Marcel Schwierin habitual de Transmediale y el Goethe Institut.

Como no podía ser de otro modo nos parece más que interesante el bloque llamado The sound of the end of Music, no basado en los principios sinestésicos que normalmente se reclaman, sino precisamente en la imposibilidad e incompatibilidad de una imagen y sonidos relacionados entre sí.

El bloque de performances, titulado The Ghosts in the Machines, hace quizás referencia a las teorías de la neurociencia y la psicología evolutiva que se oponen de manera problemática entre otras cosas a parte del posestructuralismo, al afirmar la importancia de la memoria genética en el comportamiento humano. La cosa, sin embargo, es más bien un comentario sobre esta fórmula que se centra en el concepto de hauntología o fantasmagoría.

This approach refers both to concepts like Derrida’s “hauntology”, which characterises human beings at the beginning of the 21st century as being dogged by “ghosts of the past”, and to British pop-cultural theorists like Mark Fisher or Simon Reynolds, who use the term to describe a genre of pop music in which historical sounds – like the crackling of vinyl records – are taken up as basic sound elements. The issue however is not about any nostalgic belief in a “better past”, but rather, as the journalist Olaf Karnik has put it, about “memory and the loss of a future” and about a “neo-contextualisation of the neglected and the suppressed”. Frequently, says Karnik, “old sounds contain within them the outlines of a future that never was, and visions of horror that never came to pass” that are “once again brought back to the surface, demanding our attention.”

Para mi gusto este es uno de los bloques más prometedores (a algunos se nos ve por que pié cojeamos) desde la colaboración glitch de Rosa Mennkmann con Billy Roisz, dieb13 y Mario de Vega, al Joshua Light Show. El programa está comisariado por Sandra Naumann que ha trabajado en el tema de la audiovisión en proyectos como See this sound y en Audiovisiology, donde también colaboraba Jan Thoben coresponsable de Sonic Theory y sus Oscillation Series.

Con el tema de SPECTRAL, se repiten algunos de los aspectos distópicos de Transmediale, la temática centrandose en un pulso entre lo analógico y lo digital, así como en la toma de conciencia frente a el estado decadente de la cultura tecnológica.

Ancient Methods (DE) / Andy Votel (UK) / Anstam (DE) / Antoni Maiovvi (UK/DE) / Baby Ford (UK) / Balam Acab (US) / Ben Frost with Borgar Magnason and Shazahd Ismaily (IS/US) / Bill Kouligas (GR) / Borngräber & Strüver (DE) / Byetone (DE) – DJ set / Catherine Christer Hennix & The Chora(s)san Time-Court Mirage (SE/INT) / Charles Matthews (UK) / Christian Vogel (UK) / Co La (US) / Conrad Schnitzler (DE) / Cosmo Vitelli (FR) / Cut Hands (UK) / Delfonic (DE) / diskJokke (NO) / DJ Elephant Power (BE) / Eleh (US) / Éliane Radigue with Charles Curtis, Carol Robinson & Bruno Martinez (FR/US) / hettosperic DJs (DE) / G.H. (UK) / Grouper with Jefre Cantu Ledesma present “Circular Veil” (US) / Harmonious Thelonious (DE) / Haxan Cloak (UK) / Heatsick (UK) / Hieroglyphic Being (US) / Hildur Gudnadottir (IS) / Holy Other (UK) / Hudson Mohawke (US) / IAMTHATIAM (US) / Ital (US) / James Ferraro (US) / Jana Winderen (NO) / Kangding Ray (DE/FR) / Kassem Mosse (DE) / Kettel (NL) / Köhn (BE) / Kuedo (UK) / Lando Kal (US) / Loud-E (NL) / Manuel Göttsching (DE) / Mara Trax (Mayaan Nidam & Vera, IL/DE) / Marcus Davidson (UK) / Marc Weiser aka Rechenzentrum (DE) / Marius Reisser (DE) / Mark Fell (UK) / Mika Vainio (FI) / Mohn (Wolfgang Voigt & Jörg Burger) (DE) / Morphosis (LB) / Mouse on Mars (DE) / Novo Line (US) / oOoOO (US) / Oneohtrix Point Never (US) / Opium Hum (DE) / O?Tannenbaum Djs (NL) / Oval (DE) / Phurpa (RU) / Pole (DE) / Pre-Cert Home Entertainment presents the music of Applehead, Slant Azimuth, Anworth Kirk (UK) / PRSZR (PL/AT) / Puzzle (INT) / Qluster (DE) / Roly Porter & MFO (UK/DE) / Sammy Dee (DE) / Sendai (BE) / Shlohmo
(US) / Shrubbn!! & Transforma (DE) / Salva (US) / Solstienensemble Kaleidoskop (DE) / Sølyst DE) / Stellar OM Source (NL) / Supersilent (NO) / Tapprik Sweezee (DE) / The Eternal Chord (UK) / Thomas Fehlmann (DE) / Tim Hecker (CA) / U-matic & Telematique (DE) / Wolfgang Seidel & Free Arts Lab (DE) / Zip (DE).

Una de las exhibiciones comisariada por Thibaut de Ruyter titulada Ghosts Off The Shelf, se refieres a un fantasma que no es ya el virus colectivo de la obra de Masamune Shirow, sino el de la basura generada por la obsolescencia programada.

En cuanto a conferencias, la cosa se pone interesante por ejemplo en el panel 2, centrado de nuevo en la fantasmagoría y la hauntología. Esto bloque de CTM llamado Discourse está organizado por Andreas L. Hofbauer y Jan Rohlf. EL primero autor de obras pro-situacionistas como la que llevó a cabo en Madrid Abierto HELL IS COMING / WORLD ENDS TODAY, el otro artista y comisario habitual de CTM y participante en Tounch this Sound en Austria o el Unsound en Cracovia y miembro de la red International Cities of Advanced Sound.

[The original interview in English is at Mixcloud: Synchronator. Sensxperiment 2011]

Gert-Jan Prins: El proyecto Synchronator empezó en 2005. Bas y yo estábamos tocando en el mismo festival, en Amsterdam, vimos el trabajo que hacíamos y nos dimos cuenta de que teníamos el mismo problema: cómo convertir el sonido en una señal de vídeo y al mismo tiempo poder grabar esa señal en una grabadora de vídeo o en un ordenador.

Puedes coger una señal de audio y transmitirla a un televisor, y verás algo, pero no podrás grabarlo. Nosotros decidimos trabajar juntos para crear un dispositivo de ese tipo, y la organización Impakt de Utrecht nos ofreció una residencia para que pudiésemos trabajar en esa máquina. Estuvimos allí unas seis semanas y conseguimos crear un prototipo de Synchronator y pasar la señal a, por ejemplo, un proyector de vídeo. Obviamente, si transmites audio directamente a un proyector de vídeo, este no reconocerá la entrada. Con nuestro dispositivo puedes conectar el sonido a un proyector de vídeo y este reconocerá la máquina y podrás jugar con él.

Bas van Koolwijk: Eso explica el nombre de Synchronator; con él puedes sincronizar cualquier tipo de datos, pueden ser sonido o cualquier otra cosa, y convertirlos en una señal de vídeo estándar.

Gert: Vas un poco en la dirección de lo que quiere la máquina, lo que le gusta hacer, ese es uno de los elementos clave, juegas con eso, con algo que sale de la máquina de manera natural.

Bas: El ruido visual lo forma la propia lógica de la máquina, te encuentras con ello y lo exploras, es otro mundo.

Los dos trabajamos de una manera muy directa. Yo estaba transformando el vídeo en sonido, Gert hacía lo contrario, a veces metiendo el audio directamente en televisores. Hacíamos algo similar, nos aproximábamos al medio a través del vídeo o del sonido de una manera muy cruda. A veces los sonidos no son agradables, no tienen que ser bonitos, pero si tienes cierta actitud puedes encontrar su belleza, el poder del sonido de la máquina, en lugar del de la naturaleza.

Gert: El sonido natural de la máquina.

Bas: Todo esto está presente en este proyecto. Lo que estamos haciendo ahora con Synchronator es usar las frecuencias que le gustan a la señal de vídeo. Synchronator no tiene botones para ajustar esas cosas, no puedes cambiarlo a otras frecuencias, tienes que configurar el sonido para que aparezcan ciertas imágenes, tienes que buscar las frecuencias apropiadas, intrínsecas a esa señal de vídeo concreta. Obviamente, la señal de vídeo es un invento humano, pero fue inventada para otra cosa. Se inventó para que con un ancho de banda reducido pudiese mostrarse la realidad óptica, ilusiones. Nosotros no mostramos ilusiones, sino el aspecto real de la señal de vídeo de una manera directa. Creo que esa crudeza ya estaba presente en el trabajo que hacíamos por separado antes de este proyecto. Quizás por eso nos encontramos y por eso somos capaces de trabajar juntos.

Gert: Hay gente que encuentra estructuras, aunque es totalmente improvisado. Hay gente del público que nos dice que es muy estructurado.

Bas: Por supuesto, cuando improvisas en un concierto siempre aparece algún tipo de estructura de manera natural, y eso hace que a nosotros nos resulte más divertido, claro, porque siempre es una exploración nueva.

Es una continuación de lo que la gente estaba haciendo con el vídeo a principios de los años setenta: Bill Etra… los Vasulka, aunque ellos trabajaban con dispositivos creados por otra gente. En los setenta había gente construyendo sintetizadores de vídeo y haciendo experimentos de este tipo, pero la estética era muy diferente. Si ves esas piezas, verás que usaban sonidos agradables y los convertían en vídeo. Creo que la mayor diferencia es que nosotros aceptamos los sonidos de la máquina, para ellos quizás eso era ir demasiado lejos. Hay incluso una historia de los años 30 sobre el inventor de la televisión, John Logie Baird. Se dice que lo invitaron a Nueva York, para instalar el sistema allí, y que transmitieron una señal de televisión a través de la frecuencia de la radio, así que la gente podía sintonizarla y escucharla por accidente, y se escucharía el mismo tipo de sonido que hacemos nosotros, porque el vídeo funciona con las mismas frecuencias que la tele. El caso es que escribió un artículo en alguna revista o periódico de Nueva York para disculparse, diciendo que no era música y que nadie lo escucharía pensando en eso, y nosotros estamos probando lo contrario. Puedes usar esa señal. La estética va cambiando con el tiempo, y también la actitud, el equipo es del mismo tipo, aunque diferente, obviamente, pero es un referente.

Nosotros tocamos con esta máquina igual que con un instrumento, nos comunicamos. Hay dos instrumentos tocando y enseñamos lo que estamos haciendo en la pantalla de un modo muy directo, pero creo que es interesante seguir lo que está pasando de esa manera.

Gert: Los dos generamos sonido y vídeo.

Bas: Sí, uno a un lado y otro al otro.

Sound in Context: A History of Noise from MOCAD on Vimeo.

Es el tema del momento. SOPA, hermana en la cámara de representantes estadounidense de PIPA, es una propuesta que pretende dar privilegios y derechos especiales directamente a las corporaciones y grandes compañías, con el fin de que éstas tengan el poder de decidir qué contenido es legal y cual no en Internet, y por la cual podría verse cerrado virtualmente cualquier sitio web de la red.

La respuesta de los usuarios ante esta amenaza ha sido fuerte, tanto que varias de las compañías más importantes de Internet han especulado con la posibilidad de hacer una huelga en su contra, de cerrar sus servicios durante un periodo de tiempo con el fin de expresar su rechazo a la misma, y hacer pensárselo dos veces a quienes intentan aprobarla. Principalmente se especulaba que corporaciones como Google, Amazon o Facebook, podrían ir a la huelga, aunque de momento la propuesta en firme viene de la mano de Reddit, quien organizó un parón de 12 horas para el próximo miércoles 18 de enero, el #18J.

Los participantes son muchos, y muy importantes, y entre ellos se encuentran sitios como la propia Reddit, Mozilla, The Free Software Fundation, TwitPic o XDA-Developers, además de un sinfín de usuarios que pondrán sus páginas en negro para protestar contra la censura de SOPA. Si eres de los que se unirán a las protestas, ahora es más facil que nunca hacerlo gracias a la plantilla que os describo a continuación y que podéis ver en la imagen que ilustra el artículo.

Básicamente se trata de un archivo .html que podéis colocar sustituyendo vuestro index, la página que normalmente se utiliza por defecto como entrada al sitio. Está codificada por zachstronaut, y nos muestra una página completamente en negro en la que al pasar el ratón por encima podemos iluminar el por qué, además de recibir información básica sobre SOPA y PIPA, y de redirigirnos a AmericanCensorship.org, donde encontraremos más detalles.

La demostración la podemos ver en la página del autor, e instalarla es tan fácil como colocarla en el raiz de nuestro sitio, siempre y cuando éste esté configurado para ejecutar index.html.

Préparate para abandonar todas tus certezas y ven a conocer a los autores de proyectos visionarios que cruzan el arte con formas experimentales de activismo y exploraciones personales en la imaginación colectiva. Historias afiladas que perforan el ruido de fondo de nuestra rutina, ideas contagiosas que transforman lo raro e incomprensible en un inesperado surplus de sentido. ¡El mundo te parecerá normal hasta que no lo mires a través de las lentes especiales de los Influencers!

Con la participación de:
El Reverendo Billy y la Iglesia de Earth-a-luya (ya conocida como Iglesia del Basta Ya de Comprar)
Evan Roth, experimentador con imaginario y culturas digitales, además de co-fundador de F.A.T.
El street-artista y fotógrafo JR que presentará el proyecto Inside Out (estamos preparando una acción InsideOut Barcelona ¡participa!)
Una artista con un trabajo sorprendente sobre la vigilancia y la invisibilidad: Jill Magid.
El colectivo más buscado de Rusia: Voina.
Y la crema y nata del pranksterismo: ¡el Biotic Baking Brigade!

Más información en The Influencers

Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB)
9-10-11 de Febrero de 2012

Entrevista Maki Ueda. Sensxperiment 2011 by Sensxperiment on Mixcloud

Entrevista HC Gilje. Sensxperiment 2011 by Sensxperiment on Mixcloud

De los creadores del famoso TOUCH OSC llega esta app para iOS 5 / IPAD 2. No solemos hacer estas cosas “revisiones de software” pero me ha parecido interesante hacerla para ir un poco más allá de la noticia. La app funciona con hasta 125 loops que puedes cargar, siempre desde itunes (sólo mp4 + la cámara del IPAD en directo. Esas son tus fuentes y es una de las principales limitaciones. Luego funciona con dos “canales” y con varios fades de efectos y de mezclas (sólo es posible el corte o el crossfade). La cosa es sencilla y por el rato que la he estado probando es bastante estable y efectiva. Tienes la opción de poner más o menos rápido los vídeos y aplicarles efectos a la mezcla completa o por separado. Olvídate, de momento, de hacer multipantallas, transiciones más complejas, recortar los loops en directo o cambiar la dirección del vídeo. Como es evidente no reacciona al audio. Vale 8 euros tampoco puedes pedirle más. La opción de salida de pantalla no la hemos podido probar por no tener el cable pero parece funcionar sin problemas, el modo fullscreen no sirve de mucho, pero te puedes hacer una idea y lo más interesante y de segundo nivel es poder conectarla vía MIDI o con el propio TOUCH OSC.

¿Para qué usarla?
Se me ocurren dos usos principales o el doméstico/festivo, montarte unos pequeños vídeos o pillar loops y conectarlo en tu fiesta más cercana sin mayor pretensión o usarlo para espectáculos o movidas que no tengan al vídeo como principal foco de atención. En la web hablan de usos profesionales, sí, como un ítem más al que le puedas sacar partido pero no para sesiones largas y nunca como único dispositivo, ya seas de analógico o de digital con tu TouchViZ no creo que puedas estar más de una hora haciendo un espectáculo visual en condiciones.

¿Y merece la pena?
Merece la pena para los visuales de un concierto pequeño, para una conferencia audiovisual, para espectáculos escénicos sin mucha complicación, para pequeñas fiestas… Es muy interesante porque vas con un cacharro que no pesa apenas nada, que no necesita enchufe y que siempre puedes tener a mano para mostrar tus últimos loops. No le resto importancia a sus limitaciones porque creo que lo positivo de la herramienta es que es muy intuitiva, simple y directa. Sin que sea un videojuego, con esta app convertirse en un VJ va a ser muy fácil. Otro uso interesante es para el contexto educativo, trabajando todo el proceso de loops, formatos y posibilidades del arte del vídeo en directo.

Link: TouchViZ de Hexler

For over twenty years, Max has been used by performers, artists, and composers to make cutting-edge work by connecting basic functional blocks together into unique applications. Max gives you the parts to make your own music, sound, video, and interactive media applications. Simply add objects to a visual canvas and connect them together to make noise, experiment, and play.

Link: http://cycling74.com/products/max/

Atención al minuto 7. Historia tecnológica del sonido ibérco.

“A finales del 89 me dejé mi trabajo de electrónico y empecé a construir mi primer estudio en Valencia, concretamente en la c/ Manuel Candela, enfocado a la grabación de grupos y anuncios de publicidad. Era un estudio bastante avanzado para la época, con un ordenador ATARI 1040STFM como centro de gestión del estudio, el software secuenciador PRO 24 III de Steinberg, predecesor de Cubase, módulos sintetizadores como el EMU Proteus/1, KORG M3R, Roland R8R, Sampler AKAI 950 ampliado al máximo de memoria, o sea, tan solo, 2Mb de RAM, un teclado ENSONIQ VFX, una mesa TASCAM 520, un magnetófono de 8 pistas FOSTEX, una sincro, y algunos micros, (el audio digital en esa época estaba en desarrollo, y los ordenadores tan solo se dedicaban a gestionar MIDI).
Fueron pasando los meses, y entre las cuñas de publicidad fui construyendo algunas bases rítmicas, que sirviesen también para bailar. Mis influencias siempre han sido los grupos de Rock Sinfónico como Genesis, Yes, Jethro Tull, etc., el Pop de The Beatles, El Techno de los Kraftwerk, y la psicodelia electrónica de los Tangerine Dream.
Como dato curioso en aquellos años, fue el hecho de que nunca fui a discotecas para no influenciarme de lo que estaba de moda en ese momento.” [Autobiografía]

Germán Bou es el padre del sonido Valencia, Maquina Total, Bomabas, La Tia Enriqueta o Así me gusta a mí. Para algunos sólo parte de la historia. Que quede su música y su sabiduría en consejos como este.

Acabo de recibir la fantástica noticia de que este año tenemos otra vez Supersimetría, esta será sólo la segunda edición, pero esperemos que haya muchas más. Las entradas (6 euros) se pondrán a la venta la misma semana de los conciertos y el programa es el que podéis ver en el flyer. A mí ya se me está acelerando el pulso pensando en Hecker…

26.01.12
20:30 Lorenzo Senni
21:30 Cut Hands

27.01.12
20:30 Dave Phillips
21:30 Hecker

28.01.12
20:30 Rafael Toral
21:30 Phill Niblock

IN-SONORA presenta el módulo especializado: Conceptos del Arte Sonoro divididos en tres sesiones individuales:

. Arquitecturas para la Exposición Sonora: Museo y Espacio Auditivo
. Música Conceptual: Arte, Sonido y Minimalismo Experimental
. Tiempos de Escucha en el Campo Expandido del Arte

Con estos tres ejes se trazará un recorrido que nos ayude a visualizar algunas de las reflexiones más sugerentes extraídas del complejo sonoro.

Dirige y coordina:
Alicia G. Hierro
Sede:
Espacio Menosuno, c/La Palma 28. Metro Tribunal. L1 (Madrid)
www.in-sonora.com
Los interesados escribid al mail: talleres@insonora.com

CURSO COMPLETO: 50€
HORARIO: Viernes, Sábado y Domingo de 17 a 20h
Enero 20/21/22
Febrero: 3/4/5, 10/11/12, 17/18/19, 24/25/26

Curso completo (3 días + CD material de curso) 50€
Sesión individual 25€

El objetivo del curso se centra en identificar los elementos conceptuales así como escénicos y auditivos que están ransformando el campo artístico y la sociedad contemporánea.

Investigaremos cómo se forja la armadura, la composición o la trama dentro de obras (tanto del video/performance/audio como instalaciónes) articuladas desde el plano sonoro. A partir del análisis de piezas concretas enlazaremos conceptos como lo expositivo, la inmaterialidad, la economía, la repetición etc.
Observaremos las corrientes que con más potencia han calado en el arte gracias a las ideas musicales. Haremos una pausa en aquellas que reivindican la apertura a todas las frecuencias, incluyendo el ruido, el silencio o la resonancia.

De otra parte nos preguntamos cómo responde el arte específicamente a la idea de escucha y a la cuestión del auditorio. ¿Cuáles son las propuestas performativas que abordan esta preocupación de manera creativa?. En busca de líneas de actuación y reflexión recurriremos a vías paralelas: literatura, filosofía o sociología para extraer claves textuales.

Los aspectos sónicos en el campo de las artes plásticas han cobrado un inusitado valor de acción, de presencia y por ello cada vez más audiencia. Pensaremos simultáneamente por qué este hecho se ha desmarcado con voz propia y cual es la
fuerza así como la dirección que sigue su dinámica actual.

TEMARIO

V20. SONES EXHIBIDOS
DENTRO DE CUBOS BLANCOS Y NEGROS
Música y espacio expositivo desde los años ´80 a nuestros días.

En esta primera sesión recorreremos a través de ejemplos de comisariado los espacios de difusión de la música experimental y el arte sonoro. Prestando atención a la política de las arquitecturas que envuelven estos eventos: museo, galerías, teatros, auditorios, etc.
Nos acercaremos a los comportamientos estéticos surgidos a raíz del concepto de muestra, exposición o concierto. De esta manera comprenderemos con un amplio abanico de ejemplos las dinámicas artísticas musicales y sonoras a través de la política de su exhibición.

S21. LO INAUDIBLE
SOBRE EL ESPECTÁCULO INMATERIAL

Diagrama de prácticas radicales sonoras. En el análisis de las obras nos centraremos sobre un fragmento del espectro sonoro caracterizado por la influencia del arte minimalista, donde se conjuga el papel neutro con el irónico de manera alternativa. Recorreremos los artistas e ideas estéticas que desde los años ´60 apuestan por el desarrollo de una perspectiva poética de tono “etéreo” pero con gran peso formal e intelectual. Agudizando los aspectos infra- de la experiencia, se resaltarán fallas olvidadas o rechazadas. Abordaremos las lecturas de John Cage y las filosofías que
han apuntado hacia conceptos como el de la paradoja.

D22. PREVISIÓNES FUTURAS
El TEATRO DE LA ESCUCHA
Música y experiencia de representación

En esta ultimo día abordaremos el concepto de escucha. Nos preguntaremos sobre sus orígenes, la sociedad y la cultura que la rodea. Prestaremos atención a textos clave que nos abrirán pistas acerca de su valor actual. Repasaremos su nomenclatura, su ejercicio sensible, su acción. Veremos los artistas que trabajan aportando creativamente desde diferentes perspectivas. Por ultimo destacaremos el papel de las audiencias, como poder determinante en los medios y en el mercado, nos preguntaremos en qué medida la escucha genera el teatro auditivo y qué escena podemos atisbar para una representación futura.

Immersion Into Noise by Joseph Nechvatal
Series: Critical Climate Change

The noise factor is the ratio of signal to noise of an input signal to that of the output signal. Noise can block or interfere with the meaning of a message in both human and electronic communication. But in Information Theory, noise is still considered to be information.

By refining the definition of noise as that which addresses us outside of our preferred comfort zone, Joseph Nechvatal’s Immersion Into Noise investigates multiple aspects of cultural noise by applying the audio understanding of noise to the visual, architectural and cognitive domains. Nechvatal expands and extends our understanding of the function of cultural noise by taking the reader through the immersive and phenomenal aspects of noise into algorithmic and network contexts, beginning with his experience in the Abside of the Grotte de Lascaux.

Immersion Into Noise is intended as a conceptual handbook useful for the development of a personal-political-visionary art of noise. On a planet that is increasingly technologically linked and globally mediated, how might noises break and re-connect in distinctive and productive ways within practices located in the world of art and thought? That is the question Joseph Nechvatal explores in Immersion Into Noise.

http://openhumanitiespress.org/immersion-into-noise.html

Descargar

http://soundexplorations.blogspot.com/

This is a directory of Internet videos ( and some slide/sound programs) related to the field of Acoustic Ecology. On the left are the most recent additions to this Blog. The Archive below provides access to all the other videos that have been added over time.

The conclusion of a series exploring the politics of urban sound in Bangkok and beyond, through first-person reporting, field recordings, and analysis. In 2010 and 2011, protest was something of a way of life in Bangkok, with a culture developing around the constant demonstrations and occupations. In this episode, Tausig explores the audio spaces of the protests, recording the music, political oratory, and improvised broadcast systems that flourished among the opposition encampments.

Puedes escuchar el podcast aquí

Recomiendo ir leyendo el post con este audio de fondo

Hace poco paseaba por la catedral/mezquita de Córdoba en uno de los ratos libres antes del masaje sonoro que iba a recibir de Pascal Battus en Sensxperiment 2011.
Al llegar al altar mayor de la catedral cristiana, comencé a fijarme en la escultura de San Lucas en su forma tetramórfica (es decir, en forma de toro) recordando la historia que me contó mi padre sobre ese toro trayendo las columnas una a una para la mezquita. Recordé cómo las historias orales se adornan con las incertezas, frente al conocimiento iconográfico que me decía que un toro de piedra es un evangelista y no un homenaje a un toro obrero. La historia de mi padre era mejor.

El caso es que mirando a San Lucas, comencé a escuchar unos sonidos extraños. Primero uno mecánico repetitivo, luego de golpes secos, luego como de flauta. Comencé a grabar. La acústica era peculiar, de un coro de madera, contra una cúpula de piedra, contra un bosque de columnas, llenos de voces y de sonidos metálicos del carillón.

En un principio pensamos que alguien limpiaba el órgano, de ahí el sonido metálico. Cuando me disponía a irme, me animaron preguntar, subir y grabar esta limpieza. Pero no se estaba limpiando, sino construyendo un nuevo órgano. Lo que no nos esperábamos eran los 20 minutos de charla que tuvimos a continuación.
Para un fan como yo de la música especulativa, esto es, música de las esferas, teórica y matemática, todo lo que va contando Santiago Orta de Organería Navarra, y en el orden en que lo cuenta, son principios vitales.
Seguramente dentro de los patrones del arte sonoro y las músicas experimentales actuales, oír hablar de la futilidad de la escala no parezca gran cosa. El asunto, recordemos, es que estamos hablando a los pies de un órgano preparado para obras barrocas y románticas, lo que pone de manifiesto esa otra sensibilidad de época, no la estética, sino la tecnológica. Estamos hablando aquí de una cultura de la escucha basada en los conocimientos científicos y tecnológicos actuales. Atención al minuto 11.30 o al 17.30, donde se recitan muchas máximas, hasta la del cerebro reptil que tanto gusta usarse en las campañas de neuromarketing de la última década.

Santiago se incluiría dentro de una vertiente de organeros que no respeta los criterios históricos musicales, tan de moda desde hace unos años, y construye los órganos con criterios tecnológicos y acústicos actuales. Claro que quien quiera pelearse en este asunto, aquí tiene un foro.

ENCUENTRO CON GUY SHERWIN: OPTICAL SOUND FILMS from Revista Lumière on Vimeo.

Desde la muy destacable Lumiere, nos llega este video de Francisco Algarín Navarro y Féliz García de Villegas realizado a partir del encuentro con Guy Sherwin en (S8). Mostra de cinema periférico en A Coruña.
Encuentro con Guy Sherwin en el marco de las proyecciones de:

Si no tienes coche, ni siquiera bici, boomboxeate la espalda. Via Ruido y capitalismo.

Desde EMBED.at/remix se lanza convocatoria de vídeos de remezcla política. El plazo termina el 25 de diciembre de 2011.

«Political Remix Video» es un género audiovisual que utiliza la transformación DIY de los medios en donde los artistas critican las estructuras de poder, deconstruyen mitos sociales y desafían a los medios dominantes con técnicas de re-cutting and re-framing de fragmentos de los grandes medios y de la cultura popular.

Estos trabajos de remezcla tienen sus raíces en la tradición del détournement donde los artistas modificaban y subvertían los mass media, proponiendo nuevos mensajes y narrativas. Aunque los «Political Remix Videos» varían ampliamente en forma, temas y mensajes, comparten aspectos similares con la técnica situacionista.

Primero, «Political Remix Videos» presentan mensajes políticos. La palabra «política» en este contexto se refiere a trabajos que son críticos no sólo con las instituciones y los gobiernos sino también en aspectos sociales y culturales como género, raza, sexualidad o medio ambiente.

Segundo, «Political Remix Videos» son trabajos de guerrilla que se apropian de material con propiedad intelectual sin permiso de sus titulares. Además, estas remezclas suelen ser bastantes críticas con sus fuentes así que pueden vulnerar o provocar reclamaciones de la DMCA (Ley de Propiedad Intelectual en Estados Unidos).

El objetivo de la convocatoria es hacer una selección que funcionará como playlist para eventos EMBED (a celebrar durante el año 2012). Cada vez que esta selección sea proyectada cada autor recibirá, en concepto de comunicación pública, la cantidad fija de 150€ (impuestos incluidos).

ABOUT THE EXHIBITION

Data/Fields is curated by renowned sound artist Richard Chartier.

These selected and commissioned works at Artisphere are the artists’ gallery debut in the Washington, DC area and include two premiere exhibitions in the United States.

Help bring artist Mark Fell and curator Richard Chartier to Artisphere to perform in Multistability: Live, a concert on Wednesday, October 19. “Sharply installed and smartly edited mini-survey of cutting-edge contemporary art… the works in “Data/Fields” sharpen your senses, even as they blur the boundary between sight and sound.” – The Washington Post

Data are points that flow through fields. We can pause in these fields and extract the information. If data fields are those set boundaries in which we place, consider, and collect information, then a gallery might be a great plane of these fields. Or, leaving the natural world for the subjective, it could become an index, compiled by artist and viewer together. Created by five noted international artists, the works in Data/Fields utilize the thematic implications of the data field as they transform gallery space into hubs of sensory information: sites of signal, noise, presence, and absence. The viewer/listener becomes another connection, another point, in the flow and transferral of data.

ABOUT THE ARTISTS

Caleb Coppock (U.S.) Graphite Sequencer, 2007-201, graphite, paper, tone generator, wire, wood, custom housed turntable

Mark Fell (U.K.) Tone Pattern Transactuality, 2011, computer generated sound and image

Andy Graydon (U.S./Germany) Untitled (band pass Arlington), 2011, sculptural video installation

Ryoji Ikeda (Japan) data.scan, 2009, digital audio & video. computer, monitor, loudspeaker, wood plinth, 6 minute (loop)

France Jobin (Canada) Entre-deux, 2011, 6-channel site specific sound installation, 144 minute cycles

ABOUT THE CURATOR

Richard Chartier (curator) (b.1971), sound and installation artist, is considered one of the key figures in the current of reductionist electronic sound art which has been termed both “microsound” and Neo-Modernist. Chartier’s minimalist digital work explores the inter-relationships between the spatial nature of sound, silence, focus, perception, and the act of listening itself. Chartier’s sound works/installations have been presented in galleries and museums internationally, including the 2002’s Whitney Biennial. He has performed his work live across Europe, Japan, Australia, and North America at digital art/electronic music festivals and exhibits.

In 2000 he formed the influential recording label LINE and has since curated its continuing documentation of compositional and installation work by international sound artists/composers exploring the aesthetics of contemporary and digital minimalism. In 2007 he curated the sound/video program Colorfield Variations, a collection of works influenced by the Color Field painting movement. This program continues to screened and exhibited and digital/film festivals, museums, and art galleries around the world. In 2010, Chartier was awarded a Smithsonian Institution Artist Research Fellowship. 3particles.com + lineimprint.com

[ACTUALIZACIÓN: Como podéis ver en el comentario inferior, Thomas ha tenido problemas con la editorial del libro. En su página web aconseja no comprarlo porque pronto lo colgará entero para que quien quiera se lo pueda bajar gratis, así que ya sabéis...].

Hace unas semanas, estaba revisando mi biblioteca de libros sobre el ruido para escribir una especie de lista personal sobre el tema para bookcamping, y el socio mediateletipero Pablo Sanz me sugirió Microbionic de Thomas Bey William Bailey. De entrada el libro no me sonaba de nada, luego me di cuenta de que lo tenía fichado en delicious desde febrero, y justo ahora acabo de ver que otro socio de estos lares, José Luis Espejo, había publicado un post cuando salió, hace un par de años, pero tengo tantos libros por leer que supongo que el meme andaba perdido por alguna neurona…

El caso es que me hice hace un par de semanas con el libro en cuestión y me ha resultado de lo más entretenido, y algo curioso también por alguna que otra razón. Bailey hace una especie de recorrido histórico por toda la música electrónica ‘radical’ de los últimos 40 años, desde Throbbing Gristle y el movimiento industrial hasta Raster Noton, pasando por Whitehouse, Coil, Merzbow, Negativland, Mego, Carl Michael von Hausswolff, Francisco López, John Duncan, etc. Vamos, un abanico muy variado de gente que en algunos casos no tiene mucho que ver entre sí.

Por otro lado, el libro termina con reflexiones sobre los métodos de distribución y el mundo virtual, y hay incluso un capítulo centrado en la sinestesia y las relaciones entre imagen y sonido, que es una de mis mayores obsesiones personales. De hecho, ayer me di cuenta de que el autor del libro es el responsable de un documento que me bajé hace unos meses de SONM titulado State Of The Union: The Synesthetic Experience In Experimental Music And Sound Art.

El libro se ha quedado tal cual en la foto, lleno de papeluchos por todas partes marcando citas, discos, ideas y de todo. No es que sea una obra maestra de la literatura, pero se las apaña para hacer un recorrido más que coherente por gran parte de lo que ha dado de sí la electrónica ‘radical’ prácticamente desde que nació, o al menos desde que existe una conciencia al respecto, por decirlo de alguna manera, porque no creo que nadie se inventase esto, ni nada, de repente de un día para otro. Además, que yo sepa no existe ningún otro libro sobre noise de este estilo (hay unos cuantos libros sobre el ruido, desde el de Attali al de Mattin, pero tiran por otros derroteros).

En archive hay colgado algún que otro fragmento del libro, no sé si muchas páginas o pocas porque como lo tengo en casa la verdad es que no lo he mirado, pero puede servir para echarle un ojo a falta de la cosa en sí.

• A la carta
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• > Radio 3
• > Carne cruda
• > Carne cruda – 15M: Presente! – 21/11/11

Este lunes estuvimos invitados en Carne Cruda de Radio 3 RNE, donde se presentaron distintos proyectos que han surgido, tomado fuerza o coqueteado con lo ocurrido en las calles y plazas a partir del 15 de Mayo y donde se habló de la iniciativa surgida casi en paralelo en esta página The Sound of the revolution?.
La intención del programa, dar a oir que tras las elecciones del 20 de Noviembre (aún me cuesta creer que se permitiera hacerlas en esa fecha) los ánimos y las iniciativas se mantienen.
Allí se presentaron proyectos muy interesantes como la Plataforma de los Afectados por la Hipoteca, Ágora Sol Radio, Bookcamping, y la Fundación Robo.
La cosa, como para confirmar las intenciones del programa, no quieren terminarse aquí y pocas horas después ya estaba montado un Lobby Procumunero (nombre este, el de lobby, terrorífico hasta cuando va en broma).
Poco se pudo aportar, todo el mundo era consciente, en esos 60 minutos sobre el archivo de datos y afectos que se han ido ordenando desde el 15M. Venía más bien a constatar, para hacer algo de historia oral, la frase que ha resonado en la calle: “De norte a sur, de este a oeste, la lucha sigue, cueste lo que cueste”.

If Puredata and Supercollider are two synths, din is a synth of a 3rd kind. It forgets history, to not repeat it. It doesn’t hide analog music hardware in digital music software. You had pulse, sine, triangle and sawtooth, and went forth and made electronic music. Now there is just the Bezier curve. Go make your pulse, sine, triangle and sawtooths. Or this, this, this and this.

This is nothing new. Some old men did it in the 60′s! Punched numbers into cards. Now you edit waveforms in a GUI and watch the sound change before your very ears.

Has it got ADSR? It’s got DADSARSADS. Filters? Infinite length delay lines with Bezier envelope for feedback and volume. Modulation? Bezier on Carrier and Modulator. Eat that Chowning. Notes? Notes! Notes! Notes! Infinite microtones between two tones. Livecoding? In Tcl. Like LISP, but no ((((:-)))) Collaboration? MIDI. OSC. IRC.

I want two! Get it while it’s free.

Sólo funciona sobre GNU/Linux, eso sí…

Hoy la información publica un artículo de Elena Cabrera titulado Micropolítica musical para un país en llamas que recoge algunas de las iniciativas musicales y sonoras surgidas a partir del 15m, además de hacer un reflexión sobre la conexión, y también la desconexión, entre política y músicos.

La grabación de Edu Comelles incluida en el artículo que abre este post es de la manifestación del 19 de junio de Valencia.

Hace unos días se me ocurrió hacer una especie de serie/juego conceptual sobre el tema del Copyright transfigurando cosas que deberían ser de dominio público y no lo son –o leyes y pleitos absurdos relacionados con el asunto– en otro tipo de archivos y ponerlos en el dominio público. Por ejemplo, coger uno de los primeros cortos de Mickey Mouse o la Ley Sinde, hacer un databending para convertirlos en sonido y colgarlos por ahí sin licencia alguna, para que todo el mundo pueda hacer con el resultado, que en realidad son exactamente los mismos datos en otro formato, lo que le dé la gana.

Cuando me puse a colgar el primer asunto, me di cuenta de que prácticamente en ninguna página más allá de archive.org dan la posibilidad de elegir ninguna licencia que no sea © o Creative Commons. Este es el caso de bandcamp o SoundCloud, por ejemplo, pero investigando un poco más me he dado cuenta de que en prácticamente todas las páginas típicas para colgar archivos ocurre lo mismo: vimeo, YouTube, etc. Incluso en Flickr, donde hay colgadas colecciones de imágenes de dominio público procedentes de archivos y bibliotecas bajo la ‘licencia’ ‘No known copyright restrictions’, tú como usuario individual no puedes seleccionar esa licencia, sólo Copyright o Creative Commons. Por otro lado, aunque las fotografías sean supuestamente de dominio público, Flickr advierte que sólo se pueden utilizar para propósitos de investigación, estudio privado o pedagógicos, no comercialmente. ¿En qué quedamos? ¿Tienen Copyright o no?

Total, que a raíz de un experimento conceptual me he dado cuenta de que el problema es todavía peor de lo que pensaba, porque al parecer todo el mundo está emperrado en que no podamos publicar nada como dominio público, ¿o será simplemente que ni se les ha pasado por la cabeza que a alguien se le ocurra hacer semejante cosa?

WaveShield de LadyAda es un accesorio para Arduino que reproduce sonidos en formato WAV a 22 kHz y 12 bits a partir de un lector de tarjetas SD integrado, permitiendo interactuar a partir de sensores y sincronizar sonido con cualquier señal electrónica.

En el taller se armará WaveShield completamente desde cero y se realizarán distintos ejercicios con sensores con el fin de conocer el potencial del dispositivo y estimular la creación de nuevos proyectos.

El objetivo del taller es transmitir el conocimiento necesario para poder añadir de una manera sencilla y barata sonido a cualquier proyecto electrónico, repasar conceptos fundamentales de Arduino y ofrecer una herramienta flexible y opensource para generación de sonido.

El profesor es Alex Posada, creador digital e investigador en el campo de la interactividad y los nuevos medios.

Más información en la web de symbolab

Este seminario explorará las posibilidades de SuperCollider para crear sistemas de tiempo real para hacer música con ordenador. Trabajaremos siguiendo la metodología de la programación just-in-time, la cual permite la modificación de partes de un algoritmo mientras éste se está ejecutando. Asimismo, veremos como integrar nuestros instrumentos con una amplia variedad de dispositivos de control de una manera flexible y fiable. Después de cada sesión, evaluaremos el comportamiento de nuestros programas bajo las condiciones de una actuación en vivo.

Puesto que este seminario se impartirá en inglés, el programa completo sólo está disponible en dicho idioma.

Nivel: introductorio/intermedio (asume conocimientos básicos de síntesis del sonido y de SuperCollider)

Instructor: Alberto de Campo

Horarios:

Viernes 25.11.2011, 18:00-22.00h.
Sábado 26.11.2011, 11:00–14:00h, 16:00-19:00h
Domingo 27.11.2011, 11:00–14:00h, 16:00-19:00h

Lugar: Hangar. Passatge del Marquès de Santa Isabel, 40. Barcelona. Metro Poble Nou.

Precio: 90€ (o más económico como parte del curso completo)

Más información en la web de l’ull cec

Este taller está enfocado a generar un espacio de experimentación con las nuevas tecnologías en el ámbito de la telepresencia.

9, 10, 12, 13, 14 y 15 de diciembre de 10h a 18h. Taller gratuito con inscripción previa. (Plazas limitadas)

A lo largo de una semana se trabajará en la apertura de diferentes estaciones/espacios desde donde intervenir y comunicarse en remoto mediante el testeo de herramientas que permiten una comunicación interactiva a través de: el intercambio de datos, la alteración de las condiciones sensoriales y ambientales, sistemas de control a distancia o la creación de espacios virtuales a partir de la Realidad Aumentada.

Además del trabajo con la tecnología, se busca generar un enfoque crítico que permita cuestionar los propios espacios desde donde se trabaja, en este caso, espacios de producción cultural e instituciones públicas. A partir de un posicionamiento crítico se plantearán reflexiones entorno a conceptos como percepción, sentidos, interfaz, control, realidad, la ocupación e intervención al espacio institucional y público, y la biopolítica.

Las herramientas tecnológicas que se utilizarán a lo largo del taller son el software Scenic para telecomunicación y módulos básicos de Arduino y PureData.

El taller va dirigido a: artistas, creadores, o desarrolladores de herramientas, interesados en la Telepresencia desde diferentes ámbitos creativos (danza, VJing, artes digitales, performance etc.). No son necesarios conocimientos previos en las herramientas que se utilizarán aunque sí un interés por la experimentación con estas tecnologías.

Más información