Mi primer encuentro físico con el trabajo de Kurt Hentschläger fue en 2007. Una tarde fui al Ars Santa Monica para asistir a unas conferencias organizadas por el Sonar y cuando iba a entrar en el edificio el guardia de seguridad me preguntó si iba a la instalación. Esa pregunta me extrañó porque los guardias de seguridad de los centros de arte nunca te preguntan nada al entrar, así que sentí curiosidad y le pregunté por qué me hacía esa pregunta. La razón era que para ir a la instalación había que firmar un formulario porque estaba desaconsejada la entrada a gente con ciertos problemas de salud, como epilepsia y asma.

Ese mismo día, alguien comentó que era como el Dragon Khan (una montaña rusa que hay cerca de Barcelona) del noise. Finalmente, fui con un par de amigos, firmamos los papeles y nos sentamos en la habitación a ver y experimentar Feed. El espacio era similar a un cine pequeño, con sillas y una pantalla. Yo estaba un poco ansiosa, incluso con miedo, porque no me siento muy cómoda en los espacios cerrados llenos de humo, y la base de la instalación era simplemente humo y luz.
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En la primera parte del artículo sobre arte olfativo empezamos con algunas generalidades sobre el tema a modo de introducción, con la promesa de complementarlo con un segundo post sobre algunos artistas. He optado por elegir a dos de las pocas artistas que centran su trabajo exclusivamente en esta disciplina: Maki Ueda y Sissel Tolaas.

Maki Ueda se define a sí misma como artista olfativa y sensorial. Es una japonesa afincada en Holanda que trabaja con el olor en relación a la memoria, las emociones, la percepción y las experiencias personales. Quizás lo más llamativo de Ueda es que no trabaja con ingredientes sintéticos, como la industria del perfume, maneja solamente ingredientes naturales, destilando los olores a partir de su propia fuente a través un proceso bastante sencillo.
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Hace unos meses publicábamos con motivo del festival Sensxperiment 2011 un post sobre la Dreamachine de Brion Gysin, tema central de la primera muestra relacionada con ese festival que se celebrará el año que viene en Andalucia. Hoy una amiga ha visto casualmente que en Nueva York se está celebrando una exposición titulada Brion Gysin: Dream Machine que se podrá ver hasta principios de octubre en el New Museum.

Se trata de la primera retrospectiva que se hace en Estados Unidos sobre este pintor, poeta, escritor y performer que trabajó en infinidad de medios. Por supuesto, entre lo mostrado se incluye una Dreamachine, que desde el museo describen como “una escultura de luz cinética que aprovecha el efecto del parpadeo para provocar visiones al observarla con los ojos cerrados”.

The New Museum will present “Brion Gysin: Dream Machine,” the first US retrospective of the work of the painter, performer, poet, and writer Brion Gysin (born 1916, Taplow, UK–died 1986, Paris). Working simultaneously in a variety of mediums, Gysin was an irrepressible inventor, serial collaborator, and subversive spirit whose considerable innovations continue to influence musicians and writers, as well as visual and new media artists today. The exhibition will include over 300 drawings, books, paintings, photo-collages, films, slide projections, and sound works, as well as an original Dreamachine—a kinetic light sculpture that utilizes the flicker effect to induce visions when experienced with closed eyes.

Aunque Gysin no es un artista muy conocido, al menos no a nivel de masas, fue el inventor del famoso método del cut-up que se suele atribuir a William S. Burroughs, y ha sido una gran influencia para numerosos artistas, desde John Giorno a Genesis Breyer P-Orridge.

La mayoría no tendremos la oportunidad de visitar la exposición, aunque alguno quizás tengáis planes de pasar las vacaciones en Nueva York, pero siempre queda la posibilidad de comprar el catálogo, ilustrado y con varios ensayos. Creo que en la web del museo no lo venden, pero supongo que se podrá conseguir por algún medio.

No toda la culpa del retraso de esta crítica se debe a los problemas técnicos que han tenido a la página en silencio durante un tiempo. Pero no sólo vagancia, también un poco de paciencia para hablar de una exposición, que sea o no la primera en algo (con ese dudoso mérito), se ha plantado posiblemente como la más grande y ambiciosa sobre este tema en este territorio. Quizás por ello a algunos se nos haga extraño que pese a una repercusión mediática considerable, esta no haya recogido en ocasiones toda la actividad allí desarrollada. Entiendo que por las prisas que imponen algunos medios, pocos se han podido parar a exponer que lo que el evento aglutinaba no eran sólo las esculturas e instalaciones de La Casa Encendida y La Colina de las Ciencias de Madrid, sino los trabajos de cerca de 100 personas, incluyendo teóricos, cineastas o artistas de muy distinto pelaje. Con algo más de tiempo, hemos tenido suerte de ver y oír casi todo lo que ha pasado allí.
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rbp31 (Radio Bienal Pontevedra XXXI) ofrece un juego para el oído al interferir en el medio radiofónico tradicional. Lo hace poniendo de manifiesto sus posibilidades expresivas e inherentes, propias de ese medio, aunque expandiendo su lenguaje normalizado y previsible; interfiriendo en él. Un proyecto de Escoitar.org para la oreja liberado del corsé de la escritura y entregado a la realidad sensible, aquella que se manifiesta a través de la vibración de los cuerpos y objetos.

Escoitar.org también diseñó un sistema de audioguías para “escuchar” el sentido generado por las obras de los artistas que exponen su obra en el Sexto Edificio del Museo de Pontevedra. Un sistema compuesto por reproductores MP3 y mapeado del espacio mediante sinaléctica (ofreciendo de este modo experiencias acústicas ligadas a espacios concretos) con entrevistas a los artistas, micro-relatos, docudramas y audio-ficción cultural al servicio de la pura experiencia sensorial.