El pasado jueves daba comienzo en Barcelona el Xperimenta’09, la segunda edición de este encuentro bienal dedicado al cine experimental. A pesar de ser un festival joven y concentrado en pocos días (finaliza el domingo) su programa es muy amplio e interesante, abarcando desde proyecciones de piezas difíciles o imposibles de ver por otros medios hasta mesas redondas en torno a temas variados: historia, distribución, creación, activismo, etc.

El programa de este año incluye a cineastas reconocidos en todo el mundo, destacando personalidades como Craig Baldwin, Peter Tscherkassky o Abigail Child, pero también a creadores menos famosos o prácticamente desconocidos dentro de nuestras fronteras, así como a investigadores, comisarios y todo tipo de expertos en el tema.

La charla de inauguración corrió a cargo de Yann Beauvais, un cineasta, comisario y crítico francés que dio un discurso quizás demasiado denso que resultaría interesante leer con calma, pero que en directo resultó un tanto pesado debido a que se limitó a leer en un tono bastante monótono.

La primera mesa redonda tuvo lugar el mismo jueves tras la charla inaugural. La verdad es que el título no auguraba nada bueno: ‘Mujeres y cine experimental’. Personalmente (aclaro que soy una ‘mujer’, aunque odie atribuirme esa etiqueta por todas las consideraciones sociales y culturales que implica), me despierta bastante rechazo cualquier tipo de retórica feminista, y mis sospechas no era infundadas. La mesa acogía a tres mujeres de estilos y generaciones muy diferentes: Gunvor Nelson, Abigail Child y Laida Lertxundi. La moderadora se inclinó por tratar las cuestiones más tópicas que suelen surgir en este tipo de debates, a pesar de confesar ciertas dudas sobre la tarea que se le había encomendado. Afortunadamente, hubo más de un asistente que expresó su disconformidad, sacando a colación temas como que a un artista de sexo masculino jamás se le harían cierto tipo de preguntas, pero también subrayando que este tipo de debates tienen muy poco sentido y a muchas (y muchos) nos resultan incómodos e incluso retrógrados. Las tres artistas en la mesa parecían tener opiniones muy diferentes frente al tema, Nelson bastante incómoda, Child entre dos aguas —en ciertos sentidos contraria pero con un discurso ligeramente feminista—, mientras que Lertxundi, la más joven de las tres, se mostraba bastante favorable a este tipo de actividades genéricas.

Tras una primera jornada un tanto incierta, el viernes se abrió con un encuentro mucho más emocionante con la presencia de Craig Baldwin y Peter Tscherkassky. Aunque ambos se basan en el uso de ‘found footage’ (metraje encontrado), sus piezas son radicalmente diferentes. Baldwin actúa desde un punto de vista más político, mientras a Tscherkassky le interesa más la propia materia fílmica. Fue una charla amena, aunque dio un giro un poco extraño cuando empezaron a proyectar una serie de obras de artistas menos conocidos presentes en la sala y a comentarles sus impresiones. La idea era hacer una especie de ‘open class’, pero la verdad es que desde fuera te daba la impresión de estar viendo a unos alumnos de primero de carrera pasando por un examen crítico. Presentar piezas poco conocidas y tener un espacio abierto a comentarios es loable, desde luego, pero la forma en la que se desarrolló a mí me resultó un tanto extraña.

Por la tarde pudimos ver proyectada en cine una de las películas de Tscherkassky, siempre un placer. Para quienes no lo conozcáis, explicaré que trabaja directamente en el laboratorio, imprimiendo a mano con un puntero láser partes de películas ‘encontradas’ en otro negativo, fotograma a fotograma, creando un resultado bastante crudo e intenso, tanto a nivel de imagen como de sonido. Se trata de un tipo de cine bastante matérico que busca afectar al espectador de una manera física.

La tarde de ayer acabó con otra mesa redonda centrada en el proceso creativo, con Claudio Caldini, Tscherkassky y Lisl Ponger, donde se habló, entre otras cosas, de las relaciones entre imagen y sonido, un tema que a mí personalmente me interesa mucho. En este aspecto, resaltaría nuevamente el trabajo de Tscherkassky, que suele trabajar con el sonido de la misma manera que con la imagen, es decir, imprimiendo partes del sonido de la película original en una nueva. Esto es posible gracias a que antiguamente las películas usaban sonido óptico, un tipo de sonido en el que la banda sonora va impresa directamente en la película. Esto implica que es posible ‘reconvertir’ la imagen en sonido y viceversa, es decir, podemos ver la onda sonora en la pantalla o escuchar fragmentos de la imagen.

Esta mañana hemos asistido a otra mesa redonda repleta de energía, centrada en la historia del cine experimental. Se ha discutido acaloradamente sobre varios temas, en especial el hecho de que parezca que para la mayoría de investigadores e historiadores el cine experimental se acaba en los años 70, ignorando completamente la historia posterior. Por otra parte, salió a colación el tema de que muchas veces se ignora absolutamente cualquier tipo de historia que no sea la estadounidense. Finalmente, los organizadores del festival hablaron un poco sobre la historia del experimental español, subrayando que tenían entre manos un proyecto que constaba de una serie de programas de proyección, un dvd y un libro. Desgraciadamente, el libro no va a publicarse porque les han recortado el presupuesto.

En lo que se refiere al experimental español, hicieron un retrato bastante pesimista, explicando las penalidades a las que se están enfrentando para lograr llevar a cabo su proyecto. Por un lado, muchas películas han sido destruidas o han desaparecido y otras están en tan mal estado que sería imposible proyectarlas. A estos problemas de índole puramente práctica hay que añadir los elevados derechos de autor que exigen ciertas distribuidoras, artistas o galerías de arte. No obstante, el problema más grave y surrealista es que muchos creadores se niegan a que sus películas sean proyectadas o incluidas en un DVD por temas puramente mercantiles. Cuanto más única sea la obra y menos gente la haya visto, más dinero se puede exigir por ella dentro del mercado. Antoni Pinent, uno de los organizadores del festival, se refería a este tema diciendo que hay ‘cineastas’ que quieren que su obra la vea la mayor gente posible, y hay ‘artistas’, que quieren que su obra se venda lo más cara posible.

Si estáis en Barcelona, todavía quedan algunas proyecciones y charlas esta tarde y mañana, además de una actuación cinematográfica en directo de Bruce McClure que tendrá lugar esta noche.

Hace unos años, leí un ensayo muy recomendable titulado La cultura de la copia. No se trata de un libro sobre piratería ni derechos de autor, sino una reflexión exhaustiva en torno a todo tipo de réplicas y la fascinación que nos producen, desde los gemelos a los autorretratos. De todas formas, una de las frases que más recuerdo es precisamente una sobre la propiedad intelectual:

(…) los chinos, para quienes los derechos de autor “eran el regateo de la prostituta por el precio de la vergüenza”. Para el escritor chino, “el que sus opiniones sean copiadas y hechas circular es un motivo de felicidad… Si son impresas y desparramadas hasta los rincones más remotos del imperio, se cruza de brazos y muere como un triunfador. Ha dicho lo que tenía que decir y los hombres han escuchado”.

Hace unos días recordé esta frase a raíz de una información que considero bastante curiosa. Al parecer, en una ciudad de China existe un suburbio llamado Dafen famoso por su industria de la copia pictórica. A principios de los 90, un grupo de unos veinte artistas bajo el auspicio de un pintor y hombre de negocios de la zona, empezaron a especializarse en pintar réplicas de pinturas al óleo clásicas de pintores como Dalí, Van Gogh o Rembrandt. Las copias empezaron a venderse en muchos países a precios bastante bajos, así que cada vez les pedían más. Para satisfacer la demanda, muchos artistas chinos empezaron a emigrar a Dafen. Actualmente viven allí miles de pintores chinos, ‘falsificando’ a jornada completa.

En teoría, lo que hacen no es ilegal, ya que se supone que sólo copian cuadros cuyos pintores hayan muerto hace más de setenta años, con lo cual ya no tienen derechos de autor.

Podéis ver un pequeño documental en YouTube.

27.02.09 – 01.03.09
PLAY, cine en directo, es un festival de conciertos audiovisuales que explora la frontera entre la imagen y el sonido. Un lugar que atrae a músicos y cineastas inquietos, artistas polivalentes dispuestos a experimentar con nuevos y viejos medios.

El festival se inaugura con Atom, una colaboración entre el músico Robert Henke, también conocido como Monolake, y el programador e ingeniero Christopher Bauder.

64 globos de helio flotan en el aire enfocados por potentes luces LEDs. Los globos se mueven por el espacio y se iluminan con los ritmos y texturas sonoros de Robert Henke creando una impresionante escultura dinámica.

El sábado se inicia con la proyección de Charlemagne 2: Piltzer, documento sobre un concierto de Charlemagne Palestine en el que el cineasta Pip Chodorov propone una representación gráfica de la música. A continuación actuarán Ben Russell y Joe Grimm de Chicago en Mazes, un concierto para dos proyectores de 16mm y sensores de luz.

Les sigue Charlemagne Palestine, un pianista inconfundible, cuya obra musical incorpora a menudo elementos visuales. Una oportunidad única para conocer a un artista muy especial.

El último día del festival consiste en tres actuaciones improvisadas. Xavier Quérel proyectará directamente sobre la superficie del patio de La Casa Encendida sus cuidadas manipulaciones de distintas transparencias en un original juego de luces y sombras.

Joe Grimm actúa con 3 proyectores de 16 mm y varios loops de película en su composición Epiphenomenal Boggie. El festival se cierra con Cinemage, un proyecto del artista japonés Aki Onda que proyectará sus diapositivas acompañado de los excelentes guitarristas Jean-François Pauvros y Noël Akchoté.

The central work of Hans van Koolwijk, the Bambuso Sonoro, originates from the idea of a single performer operating a number of flutes simultaneously. The Bambuso is an unpolished sound sculpture that is used as a musical instrument, whereby the visual is closely related to the aural. Sounds can be seen, as it were. One wants to be physically present, preferably between the flutes, to see the performer sweat, to experience the effort needed to produce the sounds.

De la exposición principal de la transmediale en la HKW podría empezar hablando de dos piezas con tintes político-sociales; Tantalum Memorial y Extreme Green Guerillas. La primera en referencia a las víctimas de las guerras provocadas por el tantalio, un metal usado en la fabricación de teléfonos móviles, GPS, satélites, televisores de plasma, videoconsolas, ordenadores portátiles, PDAs, reproductores de MP3 y demás cacharros electrónicos. La segunda, una elucubración de tintes distópicos sobre un grupo extremista de ideología ecologista.

Otra pieza interesante, también en una línea distópico/post-apocalíptica, es Post Global Warming Survival Kit, una instalación que hay que visitar con gafas de visión nocturna, imaginando un futuro ubicado en un invierno nuclear.

Otro trabajo que merece recordarse es Beyond The End – The Polar Project, un vídeo que muestra a miembros de la comunidad Inuit de Groenlandia de pie, solos, sobre plataformas de hielo, reflejando la dureza del paisaje y de la vida de la gente que vive en esa región.

Más allá de las instalaciones más tecnológicas y conceptuales, mencionaría Trilogy, un proyecto relacionado con el territorio, el estado y la polución ambiental que consiste en unas fotografías de lugares inhóspitos, como el desierto o el polo, con fragmentos coloreados de rojo. No se trata de imágenes retocadas digitalmente, sino de landart creado in situ.

De todas formas, mi pieza favorita es Amundsen / I-Landscape, que consta de un vídeo muy contemplativo capturado en Noruega que hay que ver, y escuchar, subido a un pedestal que genera sonidos graves que son absorbidos por el cuerpo del espectador. Me hubiera pasado allí de pie tranquilamente toda la tarde…

La mayoría de las conferencias nos las perdimos, pero me gustaría mencionar a Alice Miceli una creadora interesada en temas sociopolíticos que actualmente está desarrollando un proyecto fotográfico en Chernobyl utilizando una película especial con la que pretende capturar la contaminación atómica, invisible a la vista.

En lo que se refiere a los pases de vídeo, tampoco vimos muchos, pero sí algunas cosas interesantes, como Recipes for Disaster, un documental en el que el realizador John Webster convence a su mujer y a sus dos hijos pequeños para intentar vivir un año sin usar ningún producto procedente del petróleo. No es ninguna obra maestra, pero ver lo complicada que es la gesta da bastante que pensar, prácticamente todos los productos vienen envasados en algún tipo de plástico, desde el papel higiénico a la fruta, así que la existencia cotidiana se les complica enormemente. Otra peliculilla que no puedo olvidar son unos dibujos animados de los años 60 titulados Automania 2000, una sátira a la obsesión por el consumismo centrada en el automóvil.

Creo que hasta aquí llega todo, seguramente me olvido de cosas porque fueron muchos días y asuntos, pero ahí queda lo que queda… Sólo añadir que la gran mayoría de conferencias y algunas performances fueron transmitidas en streaming y se pueden encontrar los archivos en la página de la transmediale.

Este año el club transmediale contaba además de las actividades sonoras nocturnas con una serie de talleres, exposiciones y conferencias en la Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, un centro dedicado a la promoción de las artes visuales.

De las conferencias ya se habló en su momento, y aunque posteriormente hubo alguna charla más, la verdad se que las de Bill Drummond y John Sinclair fueron las más interesantes y divertidas, así que creo que no voy a añadir nada más al respecto. Quizás simplemente mencionar al colectivo Netznetz, que ha conseguido establecer un fondo de subvenciones dedicado a net art que otorgan los propios artistas, o más bien, lo que hacen es administrar ellos mismos los fondos dedicados a net art por el gobierno, en lugar de dejar la decisión a un jurado externo. Su plantemamiento es interesante y novedoso, pero por momentos no podía dejar de pensar que me encontraba ante una especie de lobby.

En lo que se refiere a instalaciones, destacaría tres. Skinstrument 2 de Daan Brinkmann, una instalación muy lúdica en la que te encontrabas continuamente a niños y padres jugando. La pieza consiste en cuatro terminales que generan sonido a través del contacto con la piel y con otras personas. Por otro lado, y también muy lúdica, teníamos International Dance Party, un baul totalmente equipado para montarte la fiesta en cualquier esquina. Al entrar en la habitación, había sólo una caja, pero al moverte un poco, empezaban a surgir sonidos de música de baile, si el movimiento y el gentío van en aumento, aparecen luces estroboscópicas, lasers y ¡hasta humo! Por último, mencionar Stimuline, una instalación/performance en la que tras embutirte un extraño atuendo futurista podías sentir el sonido a través de la piel y los huesos, no de los oídos. Aunque al asunto en sí le faltaba un poco de intensidad y duración, la verdad es que poder experimentarlo fue un placer.

Hace días que teníamos pendiente un último post sobre la transmediale.09, a modo de resumen, pero también para mencionar algunas cosas que se quedaron en el tintero y que merecen ser recordadas. Creo que lo voy a fragmentar en diferentes aspectos para que no resulte muy largo y pesado, así que empezaremos por los conciertos.

El festival de este año se abrió con Wolfgang Voigt/Gas, del que ya hablamos en su momento, pero desde la perspectiva que otorga hablar de todo lo visto y oído una vez finalizado, diré que fue una de las actuaciones que me resultaron más emocionantes. A pesar de jugar con imágenes prácticamente abstractas, el contenido ofrecía una sensación extrañamente narrativa, con una estética, un ritmo y una atmósfera absolutamente hipnóticos; un verdadero viaje.

Seguiremos por la oferta nocturna del Maria am Ostbahnhof. Yasunao Tone, uno de los artistas más veteranos de los presentes a sus 73 años, nos deleitó con una de las actuaciones más ‘ruidosas’. Era la segunda vez que lo veía en unos meses, y es un placer dejarse llevar por las masas sonoras que genera. El resto de esa noche lo conformaban Evala, Keiichiro Shibuya y Pan Sonic. De Evala puedo decir poco porque llegamos prácticamente cuando se estaba acabando, Shibuya me dejó un tanto perpleja porque tuvo un acceso techno transitorio que no acabé de entender muy bien, y Pan Sonic he de decir que no están tan inspirados como antaño. No obstante, en conjunto, esa noche dedicada al sello ATAK fue una de las más memorables.
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HAMLAB
¿Quienes Somos?
Somos laboratorio.
Somos la multimedia en marcha contra el imperio y sus miserias.
Somos una asamblea de cuerpos y máquinas que disfrutamos transgrediendo los límites de lo que nos han impuesto.
Somos los descendientes directos de Isaac Asimov y Luther Blisset, las tataranietas de Ada Lovelace y Alan Turing,
Somos los primos hermanos de Teresa Malina y Wau Holland. Somos el Hamlab, un hacklab.

¿Como nos puedes contactar?
En persona, los martes nos reunimos para reciclar equipos, arreglar problemas de linux, cacharrear y experimentar y es el mejor día para conocer el hamlab por dentro. Los jueves tenemos asamblea y estas invitada a participar. El resto de los días suele haber gente trabajando por lo que si te pasas dispuesto a echar una mano, siempre serás bienvenido.
Por correo puedes contactar con isaac.hacksimov (arroba) patiomaravillas.net.
También tenemos una sala de chat en Jabber. Puedes conectarte con tu cuenta de gmail o jabber. La sala se llama Hamlab y el servidor es conf.jabberes.org. Tienes tutoriales de como conectarte con diferentes programas en el siguiente enlace.
Puedes también venir a nuestras asambleas virtuales, a través de Gobby (sudo aptitude install gobby), conectándote al servidor hamlab.patiomaravillas.net todos los Jueves a las 20.30 horas.

¿Dónde está el Hamlab?
El Hamlab esta en el Patio Maravillas, la primera planta, al fondo a la derecha, después de la cafetería, en el edificio nº 8 de la calle Acuerdo, metro Plaza de España y Noviciado, cerca del barrio de Malasaña, de San Bernardo y de la Gran Vía.

Concierto del mítico grupo barcelones Macromassa (Joan Creck y Victor Nubla) acompañados por Anton Ignorant en La Kulturetxea de Tolosa en octubre de 1987 dentro de la programación de Bideoaldia.

Vía: [Eraser]

En la segunda edición del festival dedicado al cine experimental Xperimenta, que tendrá lugar del 26 de febrero al 1 de marzo en el CCCB (Barcelona), se podrán ver algunas sesiones de lo más interesantes, además de acoger algunas actividades paralelas, como mesas redondan y talleres.

Personalmente, destacaría algunas de las proyecciones, como Mock Up On Mu de Craig Baldwin o Instructions for a Light and Sound Machine de Peter Tscherkassky, por nombrar algo. En las mesas redondas, dedicadas a temas tan diversos como la creación, la historia o el activismo, estarán presentes los ya nombrados Baldwin y Tscherkassky, además de otros oradores igualmente interesantes. De todas formas, yo destacaría la presencia de Bruce McClure, un cineasta experimental que trabaja en directo con proyectores de 16mm, creando composiciones noise minimalistas. En esta ocasión, ofrecerá un taller, además de una actuación el sábado 28, algo que recomiendo encarecidamente a cualquiera interesado en estos asuntos [vídeo].

La cámara cinematográfica capta los trazos de luz y los grava en medallones de plata. Yo prefiero la agradable compañía de un proyector cinematográfico que, paradójicamente, es capaz de transubstanciar a una serie de criaturas muertas y hacer que revivan en las mentes de los vivos. Mis «Projection Performances» son una llamada para presenciar las acciones discretas y al mismo tiempo simultáneas de luz obturada a través del cuerpo del film y del glissando de sonido óptico a lo largo de su sustrato sombreado. Tengo la suerte de compartir la fascinante reciprocidad de esta máquina con nuestros sentidos. Sin embargo, el hecho de que todo el mundo se halle en este lado del plano de la imagen hace que la posibilidad de perder el control sea algo real. La sala, el proyector, el proyeccionista, la pantalla, el público de fibras nerviosas y todas las suposiciones cinemáticas entran en acción al mismo tiempo. Para mis performances de proyección, el peligro es indispensable. Esta viva mano, aquí la tenéis, la tiendo hacia vosotros.

Bruce McClure

Todas las actividades son gratuitas.

[Programa completo en PDF]