De la exposición principal de la transmediale en la HKW podría empezar hablando de dos piezas con tintes político-sociales; Tantalum Memorial y Extreme Green Guerillas. La primera en referencia a las víctimas de las guerras provocadas por el tantalio, un metal usado en la fabricación de teléfonos móviles, GPS, satélites, televisores de plasma, videoconsolas, ordenadores portátiles, PDAs, reproductores de MP3 y demás cacharros electrónicos. La segunda, una elucubración de tintes distópicos sobre un grupo extremista de ideología ecologista.

Otra pieza interesante, también en una línea distópico/post-apocalíptica, es Post Global Warming Survival Kit, una instalación que hay que visitar con gafas de visión nocturna, imaginando un futuro ubicado en un invierno nuclear.

Otro trabajo que merece recordarse es Beyond The End – The Polar Project, un vídeo que muestra a miembros de la comunidad Inuit de Groenlandia de pie, solos, sobre plataformas de hielo, reflejando la dureza del paisaje y de la vida de la gente que vive en esa región.

Más allá de las instalaciones más tecnológicas y conceptuales, mencionaría Trilogy, un proyecto relacionado con el territorio, el estado y la polución ambiental que consiste en unas fotografías de lugares inhóspitos, como el desierto o el polo, con fragmentos coloreados de rojo. No se trata de imágenes retocadas digitalmente, sino de landart creado in situ.

De todas formas, mi pieza favorita es Amundsen / I-Landscape, que consta de un vídeo muy contemplativo capturado en Noruega que hay que ver, y escuchar, subido a un pedestal que genera sonidos graves que son absorbidos por el cuerpo del espectador. Me hubiera pasado allí de pie tranquilamente toda la tarde…

La mayoría de las conferencias nos las perdimos, pero me gustaría mencionar a Alice Miceli una creadora interesada en temas sociopolíticos que actualmente está desarrollando un proyecto fotográfico en Chernobyl utilizando una película especial con la que pretende capturar la contaminación atómica, invisible a la vista.

En lo que se refiere a los pases de vídeo, tampoco vimos muchos, pero sí algunas cosas interesantes, como Recipes for Disaster, un documental en el que el realizador John Webster convence a su mujer y a sus dos hijos pequeños para intentar vivir un año sin usar ningún producto procedente del petróleo. No es ninguna obra maestra, pero ver lo complicada que es la gesta da bastante que pensar, prácticamente todos los productos vienen envasados en algún tipo de plástico, desde el papel higiénico a la fruta, así que la existencia cotidiana se les complica enormemente. Otra peliculilla que no puedo olvidar son unos dibujos animados de los años 60 titulados Automania 2000, una sátira a la obsesión por el consumismo centrada en el automóvil.

Creo que hasta aquí llega todo, seguramente me olvido de cosas porque fueron muchos días y asuntos, pero ahí queda lo que queda… Sólo añadir que la gran mayoría de conferencias y algunas performances fueron transmitidas en streaming y se pueden encontrar los archivos en la página de la transmediale.

Este año el club transmediale contaba además de las actividades sonoras nocturnas con una serie de talleres, exposiciones y conferencias en la Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, un centro dedicado a la promoción de las artes visuales.

De las conferencias ya se habló en su momento, y aunque posteriormente hubo alguna charla más, la verdad se que las de Bill Drummond y John Sinclair fueron las más interesantes y divertidas, así que creo que no voy a añadir nada más al respecto. Quizás simplemente mencionar al colectivo Netznetz, que ha conseguido establecer un fondo de subvenciones dedicado a net art que otorgan los propios artistas, o más bien, lo que hacen es administrar ellos mismos los fondos dedicados a net art por el gobierno, en lugar de dejar la decisión a un jurado externo. Su plantemamiento es interesante y novedoso, pero por momentos no podía dejar de pensar que me encontraba ante una especie de lobby.

En lo que se refiere a instalaciones, destacaría tres. Skinstrument 2 de Daan Brinkmann, una instalación muy lúdica en la que te encontrabas continuamente a niños y padres jugando. La pieza consiste en cuatro terminales que generan sonido a través del contacto con la piel y con otras personas. Por otro lado, y también muy lúdica, teníamos International Dance Party, un baul totalmente equipado para montarte la fiesta en cualquier esquina. Al entrar en la habitación, había sólo una caja, pero al moverte un poco, empezaban a surgir sonidos de música de baile, si el movimiento y el gentío van en aumento, aparecen luces estroboscópicas, lasers y ¡hasta humo! Por último, mencionar Stimuline, una instalación/performance en la que tras embutirte un extraño atuendo futurista podías sentir el sonido a través de la piel y los huesos, no de los oídos. Aunque al asunto en sí le faltaba un poco de intensidad y duración, la verdad es que poder experimentarlo fue un placer.

Hace días que teníamos pendiente un último post sobre la transmediale.09, a modo de resumen, pero también para mencionar algunas cosas que se quedaron en el tintero y que merecen ser recordadas. Creo que lo voy a fragmentar en diferentes aspectos para que no resulte muy largo y pesado, así que empezaremos por los conciertos.

El festival de este año se abrió con Wolfgang Voigt/Gas, del que ya hablamos en su momento, pero desde la perspectiva que otorga hablar de todo lo visto y oído una vez finalizado, diré que fue una de las actuaciones que me resultaron más emocionantes. A pesar de jugar con imágenes prácticamente abstractas, el contenido ofrecía una sensación extrañamente narrativa, con una estética, un ritmo y una atmósfera absolutamente hipnóticos; un verdadero viaje.

Seguiremos por la oferta nocturna del Maria am Ostbahnhof. Yasunao Tone, uno de los artistas más veteranos de los presentes a sus 73 años, nos deleitó con una de las actuaciones más ‘ruidosas’. Era la segunda vez que lo veía en unos meses, y es un placer dejarse llevar por las masas sonoras que genera. El resto de esa noche lo conformaban Evala, Keiichiro Shibuya y Pan Sonic. De Evala puedo decir poco porque llegamos prácticamente cuando se estaba acabando, Shibuya me dejó un tanto perpleja porque tuvo un acceso techno transitorio que no acabé de entender muy bien, y Pan Sonic he de decir que no están tan inspirados como antaño. No obstante, en conjunto, esa noche dedicada al sello ATAK fue una de las más memorables.

La noche siguiente hubo también muchos elementos sonoros de los que hablar. La sesión comenzó con Minibloc, con sus exploraciones sutiles de objetos y mecanismos. Después vimos la actuación de Martin Tétreault con Artificiel, centrada en la manipulación de tocadiscos. Acto seguido, Tétreault volvió a actuar con diez baterías. He de confesar que al entrar y escuchar tanto tambor al unísono pensé que era lo mismo que irse a una procesión de semana santa, pero a medida que se fue desarrollando el asunto llegó a cotas bastante intensas, con Tétreault a los platos generando mucho ruido. La jornada llegó a su fin con Mika Vainio, que nos ofreció lo mejor de sí mismo en una actuación en la que más que escuchar te sentías penetrado por el sonido.

El miércoles llegó el turno de Raster-Noton, que anunciaban una actuación con una configuración de pantallas especial para la ocasión. El caso es que cuando llegamos ya estaba Frank Bretschneider en plena faena, y había tanta gente que fue absolutamente imposible ver nada. Después hicieron su entrada SND, que estuvieron bastante neutros. Alva Noto estuvo tan eficaz como siempre; a veces me canso un poco del bombo que se le da a esta gente, pero lo cierto es que verlo en directo no deja de emocionarme. Byetone estuvo correcto, y después de su concierto salió Alva Noto y tocaron un rato juntos, la gracia del momento fue que se les fue la mano y durante un buen rato se estuvo viendo un trozo de pantalla del Ableton sobre los visuales. Uno de los fallos de la noche, además de las molestias de la muchedumbre (¿a quién se le ocurrió meter eso en la sala pequeña?) y la colocación un tanto inexplicable de una de las pantallas, que al estar en un lateral desaparecía entre tanto gentío y en los conciertos en los que sólo se proyectaban visuales en ella, y no al fondo, te veías obligado a ver las imágenes de reojo o a escuchar el concierto de ‘reoído’.

En la Haus der Kulturen der Welt, cuartel general del festival, también se pudieron ver algunas actuaciones especiales. La Sonolevitation, que como curiosidad no está mal, pero después de cinco minutos pierde bastante interés ver a Evelina Domnitch colocando la lamina de oro una y otra vez. Zimoun y Pe Lang con sus Untitled Sound Objects, un proyecto muy interesante que creo que tiene mucho más sentido en forma de instalaciones que en directo. Ryoichi Kurokawa, uno de los artistas que más curiosidad me despertaba porque nunca lo había visto en directo, me dejó totalmente indiferente tanto a nivel musical como visual, rozando por momentos la ñoñería absoluta. Y finalmente, Telcosystems, que ofrecieron un concierto muy coherente y cuidado, infinitamente más seductor que lo de Kurokawa.

Más allá de todo esto, casualmente nos topamos con un concierto de John Wiese; quizás el concierto más corto de mi vida, pero este ruidista también merece ser nombrado.

Podéis encontrar vídeos de muchos de los conciertos en la cuenta de Vimeo.

La conferencia más interesante de la última jornada de la transmediale fue la centrada en Public Netbase, aunque no se trataba de una charla, sino más bien de la presentación del libro Public Netbase: Non Stop Future – New Practices in Art and Media, que recoge una antología de textos de diferentes teóricos y artistas relacionados con Public Netbase de una manera u otra, entre ellos Hakim Bey, Bruce Sterling, Critical Art Ensemble, Lev Manovich, etc.

Public Netbase era una iniciativa cultural centrada en los nuevos medios, el arte electrónico y la cultura digital. El proyecto se inició en Viena en el año 1994, y a pesar de tratarse de una organización reconocida en todo el mundo tuvo que cesar finalmente sus actividades en 2006, debido principalmente a conflictos originados por las políticas culturales de la derecha austriaca. Los problemas surgieron ya en 1998 a raíz de una serie de eventos de corte feminista que fueron tildados de ‘entartete kunst’ (un término que usaba el régimen nazi para describir todo el arte moderno, en contraposición al arte político defendido en la época).

El precursor de la iniciativa en contra de Public Netbase fue Jörg Haider, líder de la extrema derecha austriaca, hijo de nazis y defensor de todo tipo de ideas xenófobas y nacionalistas. En 1999, Haider se convierte en presidente de la región de Carintia (por segunda vez, ya lo había sido entre 1989 y 1991) y en candidato firme a primer ministro. El éxito de Haider, provocó que Public Netbase sufriese cada vez más impedimentos para acceder a las ayudas financieras dedicadas a proyectos artísticos, hasta que finalmente se vieron obligados a suspender sus actividades cuando a principios de 2006 se les informó de que el departamento de cultura les retiraba todas las ayudas.

El libro, que trata un espectro de temas amplio en torno a las políticas de los medios culturales digitales, las prácticas artísticas, el trabajo en red y la auto-organización, fue presentado por su equipo editorial, que habló especialmente sobre temas político-artísticos relacionados tanto con la trayectoria de Public Netbase como con los conflictos bélicos de los Balcanes.

Ayer finalizaba la transmediale de este año, después de un par de semanas de actividad intensa tanto diurna como nocturna. Durante la ultima jornada tuvimos la oportunidad de asistir a las últimas conferencias y pases de vídeo que fueron desarrollándose en la Hauses der Kulturen der Welt (HKW) igual que todos estos días, aunque con un ambiente más festivo y relajado.

Hasta primera hora de la tarde, la plataforma brasileña Des).(centro fue la anfitriona de un ‘brunch’ que reunió a arquitectos, pensadores, poetas y bloggers. El evento osciló entre el diálogo, la performance y el banquete, y aunque sólo asistimos a parte de él yo destacaría sobre todo la pequeña charla de Isaac Mao, un conocido activista mediático chino que usa el blog como herramienta básica para desarrollar sus actividades. Mao habló principalmente sobre la importancia de los blogs y redes sociales, desde una perspectiva bastante personal y distendida, sin entrar en muchas profundidades.

La larga mañana acabó con Overbug, una presentación a la que ya habíamos asistido el día anterior. Se trata de un software musical diseñado por Hiroshi Matoba que se basa en una interfaz muy lúdica y colorida que recuerda a un circo de pulgas, con matamoscas e insecticida incluido para deshacerse de los sonidos. No es un programa pensado seriamente para grandes virtuosismos sonoros, más bien de un juguete musical entretenido que permite crear composiciones basadas en loops. Se desarrolló con processing y Jsyn y se puede descargar desde la página de Matoba tanto para Mac como PC.

The transmediale publication is out now:

transmediale parcours 2
DEEP NORTH
Stephen Kovats, Thomas Munz (eds.)
244 pages, English
2009 – Revolver Publishing, Berlin
by Vice Versa
ISBN 978-386895-023-6

The second edition of the transmediale parcours, the festival’s new publication series, is intended to sketch a conceptually meandering path through and along the themes that the festival addresses, picking up on points, manifestos and images supporting the festival’s conceptual background. As a stand-alone publication next to the festival with its own character, content and style, the DEEP NORTH parcours looks beyond the festival’s temporality while reflecting on the event’s artistic and critical research.

DEEP NORTH considers the global consequences of climate change by looking beyond the alarmist scenarios of environmental catastrophe shifting the focus to its impact on culture and social transformation. As part of the mechanism of technological and post- industrial society climate change becomes the indicator of an urgent, far deeper and fundamentally essential cultural change. Are we about to reach another historically succinct and unavoidable moment of spontaneous global catharsis point of no return leaving in its wake an unforeseeable global transformation?

Leading authors, researchers and cultural practitioners explore the artistic and cultural strategies beyond the rhetoric of climate change, providing a fleeting glimpse of where we are going… the DEEP NORTH of a newly emergent and global cultural awareness.

With contributions by: Claus Leggewie, Rob van Kranenburg, Jean Malaurie, Saskia Sassen, Lars Spuybroek, Andrea Polli, Roger Malina, Marko Peljhan, Heiko Hansen, Helen Evans, Michiko Nitta, Esther Polak, Jonathan Fletcher, Bureau d’etudes, Reynold Reynolds, Dmitry Gelfand, Evelina Domnitch, Territorial Agency, Marco Evaristti a.o.

tagr.tv will cover tm.09 with a team of ten people, offering daily video portraits of the exhibitions, lectures, performances and interviews with artists and other involved people.

tagr.tv built a unique mobile interview environment, the tagr.tv umbr.ella, which is equipped with a bird-view camera and a microphone inside the umbrella. Besides the technical advantages, this setup provides the interview team with an own space – no matter where the interview takes place.

Since its foundation two years ago by students of the digital art class at the university of applied arts in Vienna, tagr.tv has grown into quite an archive of videos and other documentation of mostly European media arts festivals, and the works, artists and ideas presented, happening and evolving there.

AMUNDSEN / I-landscape
Jan-Peter E. R. Sonntag – de, 2003-2008

The interactive video and sound installation AMUNDSEN / I-landscape is part of Jan-Peter Sonntag´s series ‘almost cinema works’. The footage was taken in Norway close to the former house of Roald Amundsen (1872- 1928), the famous polar scientist. While watching the screen, the visitor is confronted with a psychoacoustic paradox, caused by sounds that can be experienced through headphones as well as a pedestal that generates deep sounds, which are absorbed by the viewer´s bodies.

[TM.09 exhibition : Survival and Utopia : Visions of Balance in Transformation]

Click & Glue
Jana Linke – de, 2006/2007

Click & Glue consists of four metal walls hanging from the ceiling that define a space in which a balloon filled with helium moves and floats through the air. The balloon is connected to a nylon thread and a mechanism that distributes glue. As the balloon continually moves, it touches the surrounding walls and leaves a small deposit of glue that functions as an anchor before the balloon continues its movement through the space. Thread by thread, the installation generates a web that eventually prevents the balloon from moving. In this way, Click & Glue becomes responsible for creating a network that locks itself in.

[TM.09 exhibition : 'Survival and Utopia : Visions of Balance in Transformation']

Sonic Antarctica
Andrea Polli – us, 2008

90degreessouth.org

The Sonic Antarctica project is a radio broadcast, live performance and sound and visual installation featuring recordings of the Antarctic soundscape made during the author’s seven-week National Science Foundation residency in Antarctica during the 2007/2008 season. Sonic Antarctica features natural and industrial field recordings, geosonifications and audifications, interviews with weather and climate scientists and soundscape compositions. The areas recorded include: The Dry Valleys (77°30′S 163°00′E) on the shore of McMurdo Sound, 3500 km due south of New Zealand, the driest and largest relatively ice-free area on the continent completely devoid of terrestrial vegetation; and the geographic South Pole (90°00′S), the center of a featureless flat white expanse, on top of ice nearly nine miles thick. Sonic Antarctica has been produced as a full-length audio CD on the gruenrekorder label.

[TM.09 exhibition : 'Survival and Utopia : Visions of Balance in Transformation']

Extreme Green Guerillas
Michiko Nitta – uk, 2007

We are forced to face the reality on a daily basis that environmental damage is more advanced than experts predicted. As global warming becomes the top of almost every government’s agenda, recent trends have put pressure on world leaders to act immediately: for instance, forced recycling, carbon offsetting and a 10-year campaign to make environmentally friendly living fashionable.

Are these efforts really improving the environment? Are these activities saving the Earth? What is eco-friendly living? When we live in a period where the worst climate disaster is about to happen, how can we live the ultimate green lifestyle?

Nitta’s project takes current green trends to the extreme. The Extreme Green Guerillas are a network of amateur self-sustaining people who have shortened their lifespan through the ultimate green lifestyle. Whilst going to extreme lengths to protect the environment, they try to enjoy a decadent quality of life by re-using urban waste and biosystems, embracing emerging technologies in order to develop the ultimate green solution.

The Extreme Green Guerillas reject use of the corporation-controlled internet or CO2-producing postal services, instead preferring to send digital messages via migratory animals. By modifying urban vermin, such as pigeons and rats, they create edible and gourmet-like new delicacies. They attempt to solve overpopulation and resource problems through a ritualistic, premature death, administered via a euthanasing earring. The purpose of these individual, provocative gestures is to question the role of consumerism within green activities and to provoke questions regarding green lifestyles. The position the guerillas represent is realised through an ironic, playful and artistic use of creative, self-explanatory systems.

EGGs web

[TM.09 exhibition : 'Survival and Utopia : Visions of Balance in Transformation']

Tras un par de días de programación nocturna orientada a la pista de baile en el Club Transmediale, ayer se celebró una de las noches que más expectación nos generaba. Fue la ‘Atak Night 4′, organizada por el sello japonés Atak, dirigido por Keiichiro Shibuya (recordamos Filmachine, instalación con que co-participó el año pasado en Transmediale, que nos impresiono un tanto).

Además de la actuación del propio Keiichiro, disfrutamos de otro contundente directo de Pan Sonic, ya clásicos para la gente con una oreja pegada a esto del ‘experimental’. También estuvo Evala, artista asociado a Atak aunque no tan conocido fuera de Japón (a partir de ahora le prestaremos atención a su sello Port Audio) y el gran Yasunao Tone, veterano artista japonés conocido por su implicación con el movimiento Fluxus y en el ámbito del arte sonoro por su trabajo desde los 80 con cds dañados, uno de los precursores de lo que se vino a llamar glitch en los 90s. En el CTM realizó una performance inmersiva con un sistema de sonido 7.1.

Aqui (y por orden de aparición) algunos pequeños fragmentos de video documentando esta magnifica noche:

Seguimos estos días de visita por Berlin, asistiendo a la programación del Club Transmediale, a la que se sumará la de la Transmediale en sí, que arranca en unas horas. Una de las novedades del CTM este año es la extensión de su programación diurna, que incluye este año una nutrida serie de conferencias, paneles y proyecciones bajo el tema de esta edición: ‘STRUCTURES – Backing-up Independent Audio-visual Cultures’.

En estas jornadas se examinan toda una serie de aspectos relativos al estado actual de las pequeñas inciativas, redes y escenas independientes musicales, los cambios en curso en los modos de distribución, consumo y apreciación musical, el potencial socio-cultural y político de las culturas musicales y su papel como agente de cambio, etc. Se está hablando de temas como la tan cacareada crisis de la industria musical, las licencias libres, las implicaciones de la incipiente digitalización de la música y los cambios de soporte, las redes p2p, los mp3 blogs, los pequeños sellos y tiendas especializadas, las escenas musicales no-profesionales, el activismo sonoro y las relaciones entre política y música, etc etc.

El sábado fue el día de introducción, y arrancó con la participación del musicólogo Peter Wicke. Su keynote, titulado ‘la crisis de la industria musical: ¿oportunidad o calamidad?’, tuvo un corte bastante técnico y se propuso analizar la progresión en los ultimos años de la industria musical a nivel general, analizando el papel de la red en los cambios observados, aunque no entró tanto en ilustrar otros modelos alternativos de negocio o el papel de las licencias libres. Wicke subrayo que el valor económico o las cifras de ventas no son análogas al consumo ‘real’ o el valor cultural de los productos y aportó datos como que estadísticamete la gente que más música descarga de internet es también la que más música compra y más involucrada está en la cultura musical (creo que bastante obvio creo para much@s pero en lo que puede que sea necesario incidir). También apuntó la transformación progresiva del valor cultural asociado a la música así como en la percepción de los símbolos relacionados con la cultura musical, con el paso del ‘branding’, la mitificación de los artistas y la figura del consumidor pasivo hacia modelos más participativos e interactivos. Su conclusión fue eso que ya muchos venimos opinando desde hace tiempo, y es que la tan alarmante (según nos quieren hacer creer muchos interesados) crisis de la industria musical a causa de la red es tan solo la crisis de un modelo muy específico de negocio y en absoluto no una crisis cultural.

Tras Peter Wicke tuvo lugar un panel en el que se habló de un evento muy relacionado que tuvo lugar la semana anterior en Berlin, la conferencia ‘Dancing with Myself – Music, Money and Community after Digitisation’. Se informó de lo que por allí se discutió, destacando por ejemplo la presencia de Jacques Attali (conocido por su libro ‘Ruidos – Una economía política de la música’, publicado en 1977) y sus teorias sobre la música como un elemento civilizador muy importante, cuyas estructuras y mecanismos anticipan los cambios en las estructuras sociales y políticas. Se habló también de la ‘desterritorialización de los canales mediáticos’ y de la influencia en los gustos musicales de la crítica musical (con la creciente hibridación entre la profesional y la amateur) o las herramientas 2.0 (sistemas de recomendación musical por ejemplo), destacando como paradójicamente pueden propiciar una mayor homogeneización y estancamiento que un enriquecimiento de nuestros habitos de escucha.

Los títulos de otros de los días que componen estas jornadas han sido ‘El valor de la música’ o el de ‘Música como agente de cambio’, con la presencia por ejemplo del colectivo de activistas sonoros Ultra Red, que representados por Manuela Bojadzijev, realizaron una presentación general de su trayectoria, modos de operación y algunos trabajos recientes.

También han pasado por aquí algunos personajes, como Goodiepal (cuya intervención nos perdimos por desgracia), con una conferencia titulada ‘Radical Computer Music and the War on the Scandinavian Education System’, sobre los problemas que ha tenido en el contexto académico musical de Dinamarca en los últimos tiempos. Hay un grupo de facebook sobre su iniciativa y también ha estado realizando en el festival un workshop en el que pone en práctica su discurso y métodos.

Otros dos personajes legendarios para muchos que han participado en las jornadas estos días son Bill Drummond y John Sinclair, cuyas intervenciones creo que fueron particularmente intensas, cargadas de significado y divertidas para el público asistente. Drummond fue miembro en los 90s de los exitosos ‘The KLF’ y estuvo muy activo en la escena musical británica como productor hasta 1992, año en que proclamó su retiro de ese sistema. Desde entonces ha llevado a cabo provocativas inciativas como su ‘No Music Day’ o su proyecto más reciente, ‘The17′, con el que declara algo así como que “toda la música grabada ya ha agotado su curso” y demanda una especie de año cero para la música en todas sus formas.

John Sinclair fue el protagonista de un pequeño panel titulado ‘Disidentes sonoros’, que siguió a la proyección de un documental sobre su vida. Sinclair es un icono del underground norteamericano, activista político, escritor, historiador del blues, poeta y músico. Fue manager de la banda de proto-punk MC5 en Detroit, tuvo un gran papel en los movimientos contraculturales de los 60s y como defensor de los derechos civiles (fue cofundador de los grupos “Rainbows Peoples Party” y “White Panther Party”). Tras ser sentenciado a 10 años de prisión por la posesión de dos porros continuó con sus actividades como poeta y también como agente cultural, y desde 2003 vive en Amsterdam.

Las conferencias aún se prolongarán por cuatro días más, con temas sugestivos como el de la jornada de hoy, dedicada a la cultura de los netlables y a como los amateurs y aficionados estan cobrando un papel cada vez más importante en la cultura.

Mas info sobre todo esto en el propio blog del Club Transmediale.

Como comentaba en el post anterior, hay algunos eventos de la transmediale de este año que serán emitidos en streaming a través de su web. Básicamente, serán emitidas las conferencias que tengan lugar en el auditorio de la HKW, pero también algunas performances. La mayoría de los streamings serán en inglés.

Programa completo del streaming

Esta tarde a las 19:00 es la ceremonia de apertura de la Transmediale.09 DEEP NORTH en la House of World Cultures de Berlín. El evento incluye la participación de Evelina Domnitch y Dmitry Gelfand. Aunque sólo se puede entrar con invitación, será emitido en streaming a través de la página del festival para todo aquel que esté interesado. De todas formas, si estáis en Berlín y os interesa verlo en directo, la actuación volverá a repetirse mañana miércoles a las 20:00 dentro del programa abierto al público.

Dmitry Gelfand y Evelina Domnitch crean entornos inmersivos que unen física, química e informática con prácticas filosóficas extrañas. Su trabajo actual se centra sobre todo en fenómenos relacionados con las ondas, con el objetivo de investigar cuestiones en torno a la percepción y la constancia.

En esta ocasión, la pieza presentada se titula Sonolevitation, y consiste en suspender y mover láminas de oro en el aire usando vibraciones acusticas:

The reduction of gravitational effects may evoke emancipatory associations, yet such conditions predominate in our universe, and are in fact a significant obstacle for a variety of scientific research conducted beyond the Earth’s atmosphere. In a spacecraft, the only way to transport and position nearly all uncontained gases, liquids, and powders, is by means of a phenomenon known as acoustic levitation. Below on Earth, the selfsame phenomenon creates the impression of a localized absence of gravity, enabling the airborne levitation of fluids and solid matter.

A 15 kHz standing wave is generated between a transducer and a reflective surface: two waves sharing the same frequency and amplitude propagating with a 180 degree phase shift in opposite directions. Where the two waves superpose, the acoustic pressure is cancelled out, resulting in the formation of pressureless nodes that occur at half wavelength intervals — standing waves cannot arise unless they divide their medium into an integral quantity of half wavelengths. A high frequency, high amplitude standing wave, traveling through the air, creates tightly focused pressure fields that are strong enough to trap matter in the pressureless nodal cavities.

For this rendition of Sonolevitation, slivers of gold are acoustically suspended and spun in different directions at varying speeds. The spin reveals the rotary behavior of acoustic vibrations as well as the dynamics of frictionless motion (untainted by gravitational forces). A close-range microphone monitors the slivers’ modulation of the levitatory standing wave: the slightest turbulence or change in spin has highly audible consequences. The slivers also interact with each other, modifying one another’s spin patterns.

Because optical radiation similarly exerts pressure on matter in a nodal fashion, precise analogies of frequency, wavelength and particle size can be made between acoustic and electromagnetic levitators. As such, sonic ‘force field tailoring’ serves as an ideal testing ground for colossal, long-wave electromagnetic levitators that will be a critical necessity for automated architectural engineering in microgravity. Acoustically levitated materials can also be efficaciously sculpted by sound fields, with specific variations in density that can turn free hanging micro-droplets of liquid into highly sensitive optical resonators, capable of lasing and intra-cavity absorbance.

‘Space’ exploration is not only imperative for scientific and survivalist reasons, but also for purely aesthetic ends. Sonolevitation is the first in a series of projects in preparation for microgravitational, near-vacuous environments. The capacity to create artworks in large-scale vacuums (much larger than the ones that could ever be produced on Earth) permits the actuation of altogether unforeseen optical and acoustic processes.

Ayer daba comienzo la programación del club transmediale en el MAO (Maria am Ostbahnhof). Aunque esta primera noche estaba centrada en géneros electrónicos afines al funk y al reggae, que personalmente me interesan poco, me acerqué para ver la actuación de apertura de Halbzeug Oberflächenveredelung.

La noche empezó con una larga espera a la orilla del río, disfrutando de la brisa ‘veraniega’. Se suponía que el asunto empezaba a las 10, aunque iba ya con la idea de que no fuesen muy puntuales recordando los horarios del año pasado. Cuando llegué a las 10 y pico estaba todavía cerrado, y cuando abrieron la puerta un buen rato después la cola considerable que se había formado en la entrada para invitados, prensa y demás acreditados iba tan lenta que tardé casi 40 minutos en entrar. Ya me habían dicho que eso de la puntualidad y la organización alemana en Berlín no acaba de cuajar mucho…

En resumen, Halbzeug Oberflächenveredelung comenzó casi con una hora de retraso, y muy poca gente entre el público. No era un concierto propiamente dicho, sino una instalación en directo centrada en una ‘escultura’ de estirofoam con proyecciones superpuestas. Vamos, eso a lo que llaman ‘realidad aumentada’ que últimamente está tan moda. Creo que la presentación duró como mucho media hora, y aunque estaba bien la verdad es que he visto unas cuantas piezas similares. Además, estaba colocada sobre la barra del bar, así que no había mucho público prestándole atención, creo que hubiera tenido más sentido en un espacio más ‘expositivo’.

Halbzeug Oberflächenveredelung es una colaboración entre Visomat Inc., Telematique y Errorsmith.

[fotos]

Wolfgang Voigt es un personaje que no se prodiga mucho en directo, así que el concierto de apertura de este año del club transmediale provocaba cierta expectación.

Voigt es conocido como músico electrónico, pero también como fundador de Kompakt. Su proyecto GAS viene ya de 1996, año en el que empezó a publicar esta serie de discos de corte bastante ambiental.

En esta ocasión, el concierto se anunciaba como una experiencia audiovisual creada en colaboración con la vídeo-artista Petra Hollenbach, basada en fotografías del propio Voigt. El lugar elegido era el Volksbühne, un teatro construido entre 1913-14 con el objetivo de promocionar el realismo socialista ofreciendo espectáculos a un precio asequible para todos los trabajadores. Durante la Segunda Guerra Mundial sufrió muchos daños y fue reconstruido durante los años 50. A partir de 1992 se centró más bien en piezas experimentales y conciertos, línea que conserva hasta el momento.

El auditorio estaba lleno, pero al tratarse de una inauguración parecía haber alguna gente que se encontraba más por compromiso que por interés, ya que más de uno abandonó la sala tras empezar el concierto.

Tras una pequeña presentación por parte de los organizadores, subió el telón para presentarnos a Voigt. Como decía, el sonido de GAS se inclina bastante hacia el ambient, pero hacia un ambient de tintes oscuros con un cierto aura de misterio próxima a la concepción de la naturaleza que tenían los románticos, especialmente los alemanes. El sonido se integraba perfectamente con unas imágenes orgánicas bastante oscuras, a ratos podían reconocerse siluetas de ramas y árboles, a ratos se inclinaba hacia formas abstractas, con una profundidad que durante parte del concierto se vio apoyada por una segunda pantalla semitransparente en la parte frontal del escenario que ayudaba a crear una sensación más tridimensional. En todo momento con un ritmo visual bastante pausado.

Cuando se acercaba el final, hubo un crescendo musical más rítmico e intenso acompañado por imágenes casi estroboscópicas, con colores y parpadeos rápidos que acabaron dando paso al título: GAS. Fue el momento más emocionante, y tras una hora y media larga de concierto la verdad es que al ver aparecer un ‘título de crédito’ tuve casi la sensación de haber estado viendo una película narrativa. Hace unos meses, un amigo me comentaba que los discos de GAS se inspiraban en ciertas experiencias con drogas psicodélicas en el bosque. La historia me hizo cierta gracia, pero no le di mayor importancia, quizás porque desconozco si es cierta. De todas formas, después de ver/escuchar el espectáculo de anoche, la verdad es que la descripción más aproximada que puedo dar sobre la ‘historia que contaba’ es precisamente la de lo visto, escuchado y sentido durante un paseo nocturno por un bosque frondoso y lejano después de haber ingerido setas.

Me temo que en este caso no hay ningún vídeo de muestra porque la persona que tenía detrás se quejó inmediatamente cuando saqué la cámara. No cabía la posibilidad de cambiarse de sitio, y entiendo que una pantalla luminosa justo delante puede distraer y resultar algo molesta, y una es muy educada, pero el caso es que el hombre en cuestión se pasó medio concierto charlando. En fin… He de decir también que el entorno y los visuales eran tan oscuros que en los 10 segundos que llegué a capturar no se ve mucho, pero había más gente grabando, así que quizás en algún momento aparezca algún vídeo colgado por ahí.

>> Club Transmediale (CTM), Berlin’s unique festival for electronic and experimental musical culture, invited SOUNDMUSEUM.FM to its 10th Anniversary Edition in January 2009.

New this year will be a daytime program of events in Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien, which under the theme STRUCTURES – Backing-up Independent Audio-visual Cultures will address both theoretical and practical aspects of today’s independent and experimental music production at the intersections of pop and sound & media arts. Artists, experts, journalists and theorists will present their work and lectures as a means to pool knowledge and sketch out the sector’s future prospects. Visitors can hone their personal skills in workshops designed to encourage and support DIY experimentation.

Selected projects and initiatives will demonstrate what they do in a hybrid formats fusing exhibitions and work-in-progress sessions that engage visitors’ participation. Actions and installations will illustrate further examples of creative output wiring music, art and digital culture.

SOUNDMUSEUM.FM is already a rapidly expanding network structure. Besides the online-platform SOUNDMUSEUM.FM also materialises in space in the form of tangible installations.

The opening of the soundmuseum installation is Friday January 23rd 6pm @ “Kunstraum Kreuzberg/Bethanien” (Mariannenplatz 2, 10997 Berlin).

Hace unos cuantos meses, más de un año de hecho, se publicaba por aquí un post al respecto de OpenSourceCinema.org. En aquel entonces era sólo un proyecto para crear un documental colectivo sobre el copyright en la era digital.

El resultado de esta idea ha sido RiP: A remix manifesto, un documental open source sobre los derechos de autor y la cultural del remix. El trabajo ha durado unos seis años e incluye fragmentos de cientos de personas que han contribuido a través de la página web.

El documental se podrá ver el sábado día 24 dentro de la programación diurna del club transmediale, aunque el proyecto en sí sigue abierto y evolucionando.

Dentro de la programación de la transmediale se incluye una convocatoria que este año respondía al tema que da título a esta edición del festival: Deep North. Entre todas las piezas recibidas, 905 de 53 países diferentes, se han elegido ocho que aspiran al transmediale Award 2009. Por segundo año consecutivo, también se han tenido en cuenta los trabajos enviados al club transmediale (CTM).

Los seleccionados este año son:

Man with a Movie Camera: The Global Remake de Perry Bard, una pieza colectiva en la que se invitaba a la gente a participar con vídeos e imágenes que interpretasen el guión original de la conocida película de Dziga Vertov. Se creó un montaje mundial usando un software creado especialmente para el proyecto

The Laboratory Planet de Ewen Chardronnet y Bureau d’etudes, una pieza multimedia periodística desarrollada por un equipo de investigadores artísticos y activistas. Se trata de una plataforma online que habla sobre temas geoestratégicos, medios tácticos y especulaciones, siguiendo los titulares ambiguos de la prensa dominante.

Post Global Warming Survival Kit de Petko Dourmana, una instalación multimedia que muestra una proyección infrarroja del Mar del Norte que sólo se puede ver con un equipo de alta tecnología y que está encuadrada dentro de un paisaje virtual post-apocalíptico que recuerda al de un ‘invierno nuclear’.

Tantalum Memorial de Graham Harwood, Richard Wright y Matsuko Yokokoji, una instalación telefónica en memoria de la gente que ha muerto en las guerras del Congo por el tantalio, un metal que se usa para fabricar teléfonos móviles. Esta pieza también hace referencia a la red de ‘telefonía social’ usada por la diáspora congoleña para permanecer en el anonimato y evitar la censura.

Overbug de Hiroshi Matoba, una herramienta diseñada para componer minimal, dance y pop. A través de bucles y patrones de sonido, el programa crea sonidos polirrítmicos complejos.

Extreme Green Guerillas de Michiko Nitta, un proyecto que lleva las tendencias ecologistas al extremo. La ‘guerrilla verde extrema’ es una red de gente que ha acortado su esperanza de vida en favor de una existencia más ecológica, por ejemplo, rechazando el uso de Internet o los móviles porque los atan a las grandes corporaciones.

Burning The Sound de Rudolfo Quintas, un espectáculo sonoro interactivo sobre la naturaleza de los rituales, el poder y el control. Usa el fuego de un mechero normal para transformar los patrones del ritmo usando el sonido digital para exorcizarlo en una estrategia espiritual.

Six Apartments de Reynold Reynolds, una proyección de vídeo en dos pantallas que muestra a seis habitantes aislados en seis apartamentos en los que viven sus vidas sin ser conscientes de la existencia de los demás. La banda sonora está compuesta a partir de noticias de la radio y la televisión.

La próxima semana comienza la transmediale de este año. Aunque la fecha de inicio oficial es el 28 de enero, la programación paralela se abre el jueves 22 con un concierto de GAS (Wolfgang Voigt).

La transmediale es un festival internacional centrado en el arte y la cultura digital que se celebra cada año en Berlín, desde 1988, cuando fue fundada con el nombre de VideoFilmFest, un proyecto paralelo al International Forum of New Cinema de la Berlinale. En 1997, cambió su nombre a transmediale, para reflejar su programa en expansión, que actualmente acoge un espectro amplio de formas artísticas basadas en diferentes medios. En 1999 se fundó el club transmediale (CTM), un anexo del festival centrado en la música electrónica y la cultura de club, que aunque está integrado en la programación está comisariado y financiado por un equipo independiente.

El objetivo del festival es presentar posiciones artísticas avanzadas que reflejen el impacto sociocultural de las nuevas tecnologías. No se trata de buscar prácticas artísticas que respondan a avances científicos o técnicos, sino que intenten dar forma a la manera en la que pensamos y experimentamos esas tecnologías.

La programación incluye exposiciones, conferencias, premios, pases de cine y vídeo, talleres y performances, además del ya mencionado CTM, que da cabida a eventos relacionados más específicamente con la música.

El epígrafe de este año es Deep North (el norte profundo), en relación a las consecuencias culturales, sociales y filosóficas que podría tener el derrumbamiento de la barrera de hielo del polo norte. Los organizadores sugieren que quizás nos estamos acercando a un cambio revolucionario inevitable, a un punto de no retorno que conducirá a una transformación global imprevisible.

Por supuesto, el polo sólo es una metáfora, la transmediale.09 busca las consecuencias paradójicas que van más allá del propio cambio climático. El ‘norte profundo’ es un paradigma que transforma la pérdida en un estado complejo —un lugar que se funde con la introspección del resto del planeta, creando peligros y oportunidades nuevas.

La idea es que la Tierra es un sistema realmente global de eventos interrelacionados, y es vital buscar un cambio en nuestra percepción y actitudes.

En resumen, Deep North será un foro en el que artistas, activistas mediáticos y agentes culturales explorarán los papeles que juega el arte y la cultura digital a la hora de definir estrategias nuevas más allá de la retórica del cambio climático.

En unos días pondremos rumbo a Berlín, desde donde os iremos informando de todo lo que esté en nuestras manos; los eventos son muchos, y por ahora no gozamos de habilidades para desplegarnos en el espacio-tiempo.

Transmediale
Club transmediale
Transmediale 08