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iMAL —Center for Digital Cultures and Technology (Bruselas)
Exhibition, screenings and performances

V.O.S.T. OV/OT explore les relations entre le cinéma, l’art vidéo et l’art numérique. Nous prenons pour points d’accroche ces éléments discrets, intermédiaires et fonctionnels de l’industrie du cinéma que sont le sous-titre et le doublage et qui apparaissent comme des brèches par lesquelles les artistes détournent et s’approprient les films. Cette programmation bruxelloise donne une place centrale au langage, à la transcription et à la traduction

Soirée de performances audio-visuelles au Nova le 23 mai, 21h30
Séances de projection à iMAL tous les soirs de l’exposition à 20h00.

V.O.S.T. OV/OT explores the connections between cinema, video art and digital art. The starting points are subtle, intermediate and functional elements of the cinema industry, such as subtitles and dubbing used by artists for appropriation and diversion. This program gives a central place to language, transcription and translation.

AV performances evening at Cinema Nova on May 23 at 21h30
Screening sessions at iMAL every evenings of the exhibition at 20:00

Avec / With: Martin Arnold, Armel Barraud, Pierre Bismuth, Frederico Camara, Jordi Colomer, DEMOLECULARISATION, Christoph Draeger, Reynald Drouhin, Yan Duyvendak, Mario García Torres, Omer Fast, Xavier Gautier, Pierre Huyghe, Kuda.org, Florence Lazar, Danilo Mandic, Julie Morel & Jocelyn Cottencin, ProjectSinge, Nicolas Provost, RYbN, Anri Sala, Keith Sanborn, Antoine Schmitt, Peter Tscherkassky, Virgil Widric.

VARIACIONES inicia un repaso exhaustivo y personal a la historia del sampling en la nueva serie Curatorial de Ràdio Web MACBA.

VARIACIONES toma el relevo a LINEAS DE VISIÓN en la línea de programación Curatorial de Ràdio Web MACBA con una nueva serie de seis episodios comisariados y conducidos en primera persona por el artista sonoro de San Francisco, Jon Leidecker, un auténtico especialista en el apropiacionismo sonoro. El recorrido empieza en 1908 y recoge los primeros intentos de convertir las grabaciones sonoras en nuevos instrumentos, a través de la música de Charles Ives, Happiness Boys, John Cage y James Tenney, entre muchos otros.

VARIACIONES #1 Transición (56′ 09”)

La idea de una pieza musical completamente original es relativamente reciente. Tradicionalmente, la música se transmitía a través del sonido, de generación a generación, incluso siglos después de la invención de la escritura musical. Los compositores del siglo XIV fueron los primeros en firmar sus piezas y reconocerlas como algo enteramente propio, fomentando así el culto al compositor individual. Pero tan pronto como las grabaciones suplantaron a las partituras en el siglo XX, la presencia de la influencia comunal volvió a hacerse presente a medida que los compositores empezaban a usar grabaciones para crear nuevas grabaciones. Ahora oímos más de una voz. Y es que desde el principio, las grabaciones han sido instrumentos.

El primer episodio de este repaso al collage apropiativo en la música va desde 1909 hasta 1961, empezando por Charles Ives, que compuso mediante una técnica de corta-y-pega con partituras, anticipándose a lo que más tarde harían muchos compositores utilizando mezcladores y editores de cinta en multipista. Unas décadas más tarde llegamos a “Twisting The Dials”, el tributo a la radio nocturna de los Happiness Boys en 1928, antes de llegar a las piezas para radio y cinta de John Cage, dos antecedentes del sampling titulados “Credo In US” e “Imaginary Landscapes”. Más tarde presenciamos el éxito de ventas masivo de los discos de Buchanan y Goodman y sus consiguientes pleitos, los collages de Richard Maxfield recortando sermones de un predicador, y concluimos con la cuidadosa disección de una grabación de Elvis en manos de James Tenney: “Collage No. 1″, el primer “remix”.

Sonic Mosaics es un libro de Paul Steenhuisen que recoge entrevistas con treinta y dos compositores contemporáneos, intentando entender los diferentes procesos creativos y maneras de escuchar.

Entre los entrevistados hay músicos de todo tipo, algunos tan conocidos como R. Murray Schafer, Robert Normandeau, Pierre Boulez, John Oswald, Mauricio Kagel o Hildegard Westerkamp. Entre tanta variedad de enfoques, desde el paisaje sonoro o la música electroacústica al apropiacionismo, es de esperar que sea una lectura de interés.

It is a common misconception that it is difficult or impossible to discuss music, that a piece of music simply speaks to the listener—or not. Paul Steenhuisen, in conversation with composers, offers readers insight into the creative process, and ways of listening and entering into works of new music. Steenhuisen, himself a composer of merit, talks one on one with thirty-two of his contemporaries—twenty-six of whom are Canadian—with a colleague’s candour, sympathy, and expertise. These rare intimations afford fellow composers, musicologists, students, and inquisitive listeners a comparative look into the lives of the people who write some of the most innovative, challenging, and sublime music today. Composers Interviewed: R. Murray Schafer; Robert Normandeau; Chris Paul Harman; Linda Catlin Smith; Alexina Louie; Omar Daniel; Michael Finnissy; John Weinzweig; Udo Kasemets; Pierre Boulez; Barbara Croall; James Rolfe; John Beckwith; Yannick Plamondon and Marc Couroux; George Crumb; Peter Hatch; John Oswald; Francis Dhomont; Martin Arnold; Helmut Lachenmann; Juliet Palmer; Christian Wolff; Mauricio Kagel; John Rea; Gary Kulesha; Howard Bashaw; Christopher Butterfield; Keith Hamel; Jean Piché; James Harley; Hildegard Westerkamp.

Estas últimas semanas, trabajando en la producción de la obra No-Tours (Enrique Tomás + Escoitar.org), nos hemos dado de bruces con cierta realidad.

La cuestión es que habíamos pensado en la posibilidad de utilizar algunos registros documentales históricos que RNE guarda en su/nuestro archivo de la palabra [http://www.rtve.es/rne/areas/ar_docum.htm], pero el acceso es, cuando menos, difícil:

[Respuesta a la solicitud de acceso al material:]

///

-Enviar una solicitud del permiso de consulta por parte de la Dirección de la tesis o de la investigación a realizar. La solicitud se enviará por correo electrónico a las siguientes direcciones:

-El investigador estará obligado a depositar en la biblioteca de la Dirección del Fondo Documental una copia de su trabajo final.

///

Pues parece que a pesar de que la Radio Pública la pagamos todos y el costoso proceso de digitalización también “(adjudicado mediante concurso público a la empresa IBM en el mes de Noviembre de 1998 por el precio de 757.913.738 Pesetas (4.555.153 Euros”), no podemos hacer uso de estos archivos más allá de una fiscalización muy restrictiva y de un acceso limitado. Supuestamente está digitalización se realizó para uso interno…

Lo que me resulta más extraño es esa parte que reza: “se aplicará la vía de venta y explotación comercial aplicando las tarifas de la Dirección Comercial para tales efectos y bajo un contrato de uso detallado”.

Pero sin entrar ya en el uso/explotación de este material y sus derechos…, que daría para discutir largo y tendido, lo que plantea Radio Nacional es que para consultar todo este patrimonio inmaterial (que ellos custodian celosamente) hay que desplazarse y conseguir algo podría demorar meses e infinidad de gastos colaterales, que digo yo que, si ya hemos pagado por la digitalización ¿Por qué tenemos que volver a pagar?… De nuevo el centralismo.

Estamos equivocados… o el patrimonio sonoro digital de RNE no es tan público?

Confío que algún dia las cosas cambiarán…

Presentación del libro Metraje encontrado. La apropiación en el cine documental y experimental
Martes 3, 20.30 h
Con la presencia de su autor Antonio Weinrichter. Entrada gratuíta.

Presentaciones y coloquio con el director Craig Baldwin:

TRIBULATION 99: ALIEN ANOMALIES UNDER AMERICA
¡O NO CORONADO!
Martes 3, 20.30 h
Acompañado por Antonio Weinrichter
Entrada gratuíta.

MOCK UP ON MU
Miércoles 4, 20.30 h
Entrada gratuíta.

CGAI
Calle Durán Loriga, 10 bajo
15003 A Coruña
Galicia - España

El pasado jueves daba comienzo en Barcelona el Xperimenta’09, la segunda edición de este encuentro bienal dedicado al cine experimental. A pesar de ser un festival joven y concentrado en pocos días (finaliza el domingo) su programa es muy amplio e interesante, abarcando desde proyecciones de piezas difíciles o imposibles de ver por otros medios hasta mesas redondas en torno a temas variados: historia, distribución, creación, activismo, etc.

El programa de este año incluye a cineastas reconocidos en todo el mundo, destacando personalidades como Craig Baldwin, Peter Tscherkassky o Abigail Child, pero también a creadores menos famosos o prácticamente desconocidos dentro de nuestras fronteras, así como a investigadores, comisarios y todo tipo de expertos en el tema.

La charla de inauguración corrió a cargo de Yann Beauvais, un cineasta, comisario y crítico francés que dio un discurso quizás demasiado denso que resultaría interesante leer con calma, pero que en directo resultó un tanto pesado debido a que se limitó a leer en un tono bastante monótono.

La primera mesa redonda tuvo lugar el mismo jueves tras la charla inaugural. La verdad es que el título no auguraba nada bueno: ‘Mujeres y cine experimental’. Personalmente (aclaro que soy una ‘mujer’, aunque odie atribuirme esa etiqueta por todas las consideraciones sociales y culturales que implica), me despierta bastante rechazo cualquier tipo de retórica feminista, y mis sospechas no era infundadas. La mesa acogía a tres mujeres de estilos y generaciones muy diferentes: Gunvor Nelson, Abigail Child y Laida Lertxundi. La moderadora se inclinó por tratar las cuestiones más tópicas que suelen surgir en este tipo de debates, a pesar de confesar ciertas dudas sobre la tarea que se le había encomendado. Afortunadamente, hubo más de un asistente que expresó su disconformidad, sacando a colación temas como que a un artista de sexo masculino jamás se le harían cierto tipo de preguntas, pero también subrayando que este tipo de debates tienen muy poco sentido y a muchas (y muchos) nos resultan incómodos e incluso retrógrados. Las tres artistas en la mesa parecían tener opiniones muy diferentes frente al tema, Nelson bastante incómoda, Child entre dos aguas —en ciertos sentidos contraria pero con un discurso ligeramente feminista—, mientras que Lertxundi, la más joven de las tres, se mostraba bastante favorable a este tipo de actividades genéricas.

Tras una primera jornada un tanto incierta, el viernes se abrió con un encuentro mucho más emocionante con la presencia de Craig Baldwin y Peter Tscherkassky. Aunque ambos se basan en el uso de ‘found footage’ (metraje encontrado), sus piezas son radicalmente diferentes. Baldwin actúa desde un punto de vista más político, mientras a Tscherkassky le interesa más la propia materia fílmica. Fue una charla amena, aunque dio un giro un poco extraño cuando empezaron a proyectar una serie de obras de artistas menos conocidos presentes en la sala y a comentarles sus impresiones. La idea era hacer una especie de ‘open class’, pero la verdad es que desde fuera te daba la impresión de estar viendo a unos alumnos de primero de carrera pasando por un examen crítico. Presentar piezas poco conocidas y tener un espacio abierto a comentarios es loable, desde luego, pero la forma en la que se desarrolló a mí me resultó un tanto extraña.

Por la tarde pudimos ver proyectada en cine una de las películas de Tscherkassky, siempre un placer. Para quienes no lo conozcáis, explicaré que trabaja directamente en el laboratorio, imprimiendo a mano con un puntero láser partes de películas ‘encontradas’ en otro negativo, fotograma a fotograma, creando un resultado bastante crudo e intenso, tanto a nivel de imagen como de sonido. Se trata de un tipo de cine bastante matérico que busca afectar al espectador de una manera física.

La tarde de ayer acabó con otra mesa redonda centrada en el proceso creativo, con Claudio Caldini, Tscherkassky y Lisl Ponger, donde se habló, entre otras cosas, de las relaciones entre imagen y sonido, un tema que a mí personalmente me interesa mucho. En este aspecto, resaltaría nuevamente el trabajo de Tscherkassky, que suele trabajar con el sonido de la misma manera que con la imagen, es decir, imprimiendo partes del sonido de la película original en una nueva. Esto es posible gracias a que antiguamente las películas usaban sonido óptico, un tipo de sonido en el que la banda sonora va impresa directamente en la película. Esto implica que es posible ‘reconvertir’ la imagen en sonido y viceversa, es decir, podemos ver la onda sonora en la pantalla o escuchar fragmentos de la imagen.

Esta mañana hemos asistido a otra mesa redonda repleta de energía, centrada en la historia del cine experimental. Se ha discutido acaloradamente sobre varios temas, en especial el hecho de que parezca que para la mayoría de investigadores e historiadores el cine experimental se acaba en los años 70, ignorando completamente la historia posterior. Por otra parte, salió a colación el tema de que muchas veces se ignora absolutamente cualquier tipo de historia que no sea la estadounidense. Finalmente, los organizadores del festival hablaron un poco sobre la historia del experimental español, subrayando que tenían entre manos un proyecto que constaba de una serie de programas de proyección, un dvd y un libro. Desgraciadamente, el libro no va a publicarse porque les han recortado el presupuesto.

En lo que se refiere al experimental español, hicieron un retrato bastante pesimista, explicando las penalidades a las que se están enfrentando para lograr llevar a cabo su proyecto. Por un lado, muchas películas han sido destruidas o han desaparecido y otras están en tan mal estado que sería imposible proyectarlas. A estos problemas de índole puramente práctica hay que añadir los elevados derechos de autor que exigen ciertas distribuidoras, artistas o galerías de arte. No obstante, el problema más grave y surrealista es que muchos creadores se niegan a que sus películas sean proyectadas o incluidas en un DVD por temas puramente mercantiles. Cuanto más única sea la obra y menos gente la haya visto, más dinero se puede exigir por ella dentro del mercado. Antoni Pinent, uno de los organizadores del festival, se refería a este tema diciendo que hay ‘cineastas’ que quieren que su obra la vea la mayor gente posible, y hay ‘artistas’, que quieren que su obra se venda lo más cara posible.

Si estáis en Barcelona, todavía quedan algunas proyecciones y charlas esta tarde y mañana, además de una actuación cinematográfica en directo de Bruce McClure que tendrá lugar esta noche.

Hace unos años, leí un ensayo muy recomendable titulado La cultura de la copia. No se trata de un libro sobre piratería ni derechos de autor, sino una reflexión exhaustiva en torno a todo tipo de réplicas y la fascinación que nos producen, desde los gemelos a los autorretratos. De todas formas, una de las frases que más recuerdo es precisamente una sobre la propiedad intelectual:

(…) los chinos, para quienes los derechos de autor “eran el regateo de la prostituta por el precio de la vergüenza”. Para el escritor chino, “el que sus opiniones sean copiadas y hechas circular es un motivo de felicidad… Si son impresas y desparramadas hasta los rincones más remotos del imperio, se cruza de brazos y muere como un triunfador. Ha dicho lo que tenía que decir y los hombres han escuchado”.

Hace unos días recordé esta frase a raíz de una información que considero bastante curiosa. Al parecer, en una ciudad de China existe un suburbio llamado Dafen famoso por su industria de la copia pictórica. A principios de los 90, un grupo de unos veinte artistas bajo el auspicio de un pintor y hombre de negocios de la zona, empezaron a especializarse en pintar réplicas de pinturas al óleo clásicas de pintores como Dalí, Van Gogh o Rembrandt. Las copias empezaron a venderse en muchos países a precios bastante bajos, así que cada vez les pedían más. Para satisfacer la demanda, muchos artistas chinos empezaron a emigrar a Dafen. Actualmente viven allí miles de pintores chinos, ‘falsificando’ a jornada completa.

En teoría, lo que hacen no es ilegal, ya que se supone que sólo copian cuadros cuyos pintores hayan muerto hace más de setenta años, con lo cual ya no tienen derechos de autor.

Podéis ver un pequeño documental en YouTube.

Jim Jarmusch no es el tipo de personaje que suele aparecer en estas páginas, no estamos aquí para hablar de cine, al menos no de cine ‘al uso’, aunque quizás es demasiado exagerar aplicar esa etiqueta a la obra de Jarmusch. De todas formas, hoy he encontrado un texto suyo con unas reflexiones que me parecen bastante acertadas y extrapolables a cualquier disciplina artística, sobre todo en esta Nuestra Era^TM:

Nada es original. Roba de cualquier sitio que te inspire o que alimente tu imaginación. Devora películas antiguas y modernas, música, libros, cuadros, fotografías, poemas, sueños, conversaciones aleatorias, arquitectura, puentes, señales de la calle, árboles, nubes, cuerpos de agua, luces y sombras. Roba sólo cosas que le hablen directamente a tu alma. Si haces eso, tu trabajo (y tus robos) serán auténticos. La autenticidad es muy valiosa, la originalidad no existe. Y no te molestes en disimular tus robos —si te apetece, celébralos. En cualquier caso, recuerda siempre lo que dijo Jean-Luc Godard: “Lo importante no es de dónde sacas las cosas —es a dónde las llevas”.

Podéis encontrar el texto original completo en inglés en MovieMaker.

Hace unos cuantos meses, más de un año de hecho, se publicaba por aquí un post al respecto de OpenSourceCinema.org. En aquel entonces era sólo un proyecto para crear un documental colectivo sobre el copyright en la era digital.

El resultado de esta idea ha sido RiP: A remix manifesto, un documental open source sobre los derechos de autor y la cultural del remix. El trabajo ha durado unos seis años e incluye fragmentos de cientos de personas que han contribuido a través de la página web.

El documental se podrá ver el sábado día 24 dentro de la programación diurna del club transmediale, aunque el proyecto en sí sigue abierto y evolucionando.

http://www.rtve.es/radio/20090114/fiesta-cumpleanos-del-arte/220066.shtml

http://www.kunstradio.at/PROJECTS/AB2009/network-ars-acoustica-group.php

http://www.artsbirthday.net/

“El próximo viernes 16 de enero, entre las 22:00h y las 24:00h, Radio Clásica ofrecerá a sus oyentes la Fiesta de Cumpleaños del Arte (Art’s Birthday Party) en su edición de 2009. Este evento radiofónico internacional, en el que participan más de veinte emisoras europeas, conmemora una idea del artista Fluxus Robert Filliou, quien declaró, el 17 de enero de 1963, que el Arte había nacido exactamente hacía un millón de años, cuando alguien dejó caer una esponja en un cubo de agua. Este programa especial estará presentado por Ana Vega Toscano y Miguel Álvarez.

Desde entonces, miles de artistas han venido celebrando esta festividad cada 17 de enero y ahora, en 2009, las emisoras pertenecientes al grupo Ars Acústica de la Unión Europea de Radiodifusión (UER) se adelantan a la víspera de tan importante acontecimiento y ofrecen a sus oyentes, en directo, nuevas creaciones de arte sonoro y radiofónico, que en España transmitirá Radio Clásica.

El tema escogido en 2009 para la celebración del cumpleaños es la expression anglosajona Safe and Sound. Las contribuciones de las diferentes emisoras a la celebración versarán sobre este tema, de formas bien diversas. La aportación española, realizada por el colectivo gallego Escoitar.org, explora mediante el lenguaje radiofónico, la utilización del sonido como arma y como elemento de control social”.

SONIC WEAPONS by Escoitar.org

..::.. Spanish Radio - Live from Madrid..::..
The physical dimension of sound, its potential to become a source of corporal pleasure, its invisibility, its immateriality, its power to generate emotions or affect our bodies without passing through the barriers of reason and without leaving traces… All these aspects have turned particularly important in the context of a society of control, where the different discourses of power need technologies to perform their dominance, or simply to attack and defend themselves. This is the role of sonic weapons.

The sound work proposed by Escoitar.org, a radiophonic short tale placed somewhere between a documentary and a radio-art piece, is based in the remix of audiovisual documents found across a long and deep research about certain uses, developments and technological implementations of sound. The work proposes both a conceptual approximation to this subject matter and a revealing sonic experience, carried out through an analysis of the impact and the effects of these technologies, their uses and their abuses.

Digitally processed sounds from interviews, recordings of sonic weapons, fragments of works by different artists and recordings of acoustic signals and control devices (such as bells, sirens…) made by Escoitar.org are mixed and intertwined in “Sonic Weapons”. A radiophonic work that pursues a double goal: on one side, to make the listener aware of a problem that affects sound and listening, conceived as control devices, and, on the other, to create a passionate sonic gesture in order to maintain sound safe and to keep working for its freedom.

EFE / ADN.es

El Tribunal Supremo ha dado la razón al compositor Moses Pelham, quien se apropió de un par de segundos de la canción ‘Metall auf metall‘ de Kraftwerk

El Tribunal Supremo alemán ha autorizado el uso del sampleo (un fragmento musical tomado de otro lugar y ensamblado digitalmente en una grabación), al considerar que no precisa del permiso específico del autor, siempre que no se utilicen melodías enteras y que el resultado sea otra obra propia.

El organismo rechaza así la demanda de la pionera banda de electrónica Kraftwerk contra el productor y compositor Moses Pelham, quieb utilizó un par de segundos de Metall auf metall, para la canción Nur mir, interpretada por la cantante Sabrina Setlur.

En la sentencia, los jueces del Supremo establecen que, en líneas generales, incluso para el uso de pequeños fragmentos musicales se precisa del permiso de su autor, al que debe respetarse sus derechos a la propiedad intelectual.

Sin embargo, en ese caso admite que el resultado del uso de esos mínimos fragmentos en la composición para esa cantante pop es claramente una obra distinta e identificable como tal. La sentencia del Supremo no autoriza, en cualquier caso, la apropiación de melodías enteras.

Y yo me pregunto ¿por qué Kraftwerk hace una denuncia como esta? Y como respuesta tenemos los dos vídeos unidos en un cutre-mashup de Youtube

Armando Zaplana es un trabajo de vídeo colectivo realizado por ZEMOS98 con motivo de la reunión estatal de blogueros y blogueras de España y parte del extranjero que tuvo lugar el pasado fin de semana en Sevilla. Y sin ser algo baladí el objetivo último de este vídeo es empezar a introducir, de manera proactiva, la máxima de José Val del Omar y muchos otros “el que más da más tiene“. Tantos años hablando de procomún ya es hora de que lo practiquemos ¿no?. La idea está mejor explicada aquí y si quieres conocer a todos los que participan en este vídeo puedes entrar aquí. Y recuerda que Armando Zaplana somos todos.

Hace unos meses se celebraba en Barcelona la cuarta edición de The Influencers, un festival que explora proyectos artísticos y culturales ‘de guerrilla’. Ya se pueden encontrar en su página web todos los vídeos de las conferencias de esta última edición, unas cuantas horas de vídeo que recogen las intervenciones de:

Brody Condon, pionero en el uso de los videojuegos como punto de partida para la creación de esculturas, performances y videoinstalaciones.

Alan Abel, escritor, cineasta y actor conocido por ser uno de los padrinos de la falsificación mediática.

Alterazioni Video, una empresa comercial de producciones multimedia que nace con el objetivo de asegurarse los recursos necesarios para realizar intervenciones radicales en el mundo del arte y en los puntos de intersección con las industrias culturales.

Santi Cirugeda, arquitecto atípico y utópico que busca procedimientos para individuar los vacíos del espacio urbano y dotarlos de sentido a través de un uso impropio.

Monochrom, un colectivo que opera a escala mundial, trabajando con la tecnología, el arte, el contexto y la filosofía de la piratería informática.

Trevor Paglen, geógrafo de formación, teórico de la conspiración por instinto y periodista de investigación por vocación.

Laibach, artistas, músicos y fundadores del movimiento estético NSK (Neue Slowenische Kunst).

Plunderphonics: Reciclaje
sonoro, con Anki Toner
(Experimentaclub’08´)
El taller
Desde que el collage apareció en el mundo de las artes a principios
del siglo XX (y en las artes sonoras, a mitad de siglo), los cimientos
sobre los que se sostiene el concepto de autoría están cada vez más
resquebrajados. Cuando en 1985 el canadiense John Oswald acuña
el término plunderphonics (literalmente, saqueo sónico) para referirse
al apropiacionismo musical, nos está señalando el cisma entre creación
e industria que se está produciendo en el mundo de la música.
Para acabar de complicar la situación, en los últimos quince años
la herramienta de transmisión de la cultura es digital, y el cut & paste
se ha convertido en el pan nuestro de cada día. En este taller
se explorarán los aspectos creativos, culturales, técnicos y legales
del apropiacionismo sonoro, y sus implicaciones en la dirección
que está tomando la creación en el siglo XXI.
El profesor
Anki Toner (1964, Barcelona) es músico, comentarista, coleccionista y,
desde 1998, director del netlabel Hazard Records, sello discográfico
dedicado exclusivamente a la edición de obras de dominio público.
Empezó a interesarse por los derechos de los autores en 1988 al
descubrir que la música que estaba haciendo con su grupo Superelvis
no era del todo legal. Ha escrito artículos y manifiestos,
y ha participado en numerosos actos, conferencias y mesas redondas,
sobre apropiacionismo, propiedad intelectual y/o derechos de autor.
Además es autor de varios libros sobre música, entre ellos uno sobre
hip hop. Actualmente es cantante del grupo de rock electrónico Ankitoner
Metamars y único miembro del proyecto “File Under Toner”, con el que
explora los límites de la razón en música.
Dirigido a
Creadores, remezcladores, DJs, VJs, músicos y todas las personas
interesadas en el hecho creativo y en la problemática de la autoría.
Duración
12 horas
Fecha
Del 1 al 4 de octubre
Horario
De 16.00 a 19.00 h
Lugar
Sala de trabajo
Plazas
20
Precio
40 €
Inscripciones
Con selección previa.
Se admiten reservas.

Historia de la
música electrónica,
con Oriol Rosell
(Experimentaclub’08)
El taller
Se propone un repaso exhaustivo a las variadas estéticas que
han conformado y conforman el espectro de las músicas electrónicas,
los contextos socioculturales que las han alumbrado y sus resonancias
ulteriores en otras disciplinas del arte contemporáneo, tanto sonoras
como plásticas y visuales. Antes que una mera enumeración cronológica
de nombres y acontecimientos, el taller ahondará en las esencias
conceptuales de la música electrónica, priorizando el análisis de
los motores éticos y estéticos que impulsan y condicionan su evolución.
El programa se complementa con un dossier que incluye una cronología
histórica, una selección discográfica y una bibliografía recomendada.
Contenidos
• Pioneros: de Luigi Russolo a Karlheinz Stockhausen. Música concreta y
electroacústica.
• Electrónica y cultura pop: música industrial, dub, hip hop, tecno pop, etc.
• House y tecno: cultura de club.
• Nuevas vanguardias: arte sonoro, radioarte, computer music, multimedia,
instalación, etc.
El profesor
Oriol Rossell (1972, Barcelona) es músico, DJ, periodista y programador
cultural. En el ámbito de las artes escénicas ha compuesto bandas
sonoras para compañías de danza contemporánea y teatro como
Lanònima Imperial, Teatre Lliure, Àngels Margarit/Mudances, Ballet
Gulbenkian y Derivat; una plataforma para el intercambio, la creación
y la experimentación, en la que convergen diferentes modalidades
de danza (flamenco, butho, clásica y contemporánea) y el uso de nuevos
recursos tecnológicos para estudiar puntos en común y desarrollar
nuevos lenguajes. Como comisario ha participado en la confección
de los programas de festivales tan importantes como Sonar y OFFF.
En su faceta como crítico musical, ha trabajado para La Vanguardia,
Rock de Lux, Trax, Factory, Ruta 66, Voice y RNE-Radio 4.
Dirigido a
Artistas sonoros, músicos (electrónica, electroacústica, experimental),
periodistas musicales, programadores, personas interesadas en los
sonidos electrónicos, etc.
Duración
12 horas
Fecha
Del 29 de septiembre
al 2 de octubre
Horario
De 16.00 a 19.00 h
Lugar
Sala de trabajo
Plazas
20
Precio
40 €
Inscripciones
Con selección previa.
Se admiten reservas.

Información y Reservas

www.guardian.co.uk

“This month’s announcement of a back-room deal between ISPs (internet service providers) and the big record companies to spy on suspected copyright infringers and reduce the quality of their internet connections is just the latest paragraph in the record industry’s long, self-pitying suicide note, and it’s left me wishing they’d just pull the trigger already and stop beating their chests and telling us all how unfair it all is.

Under the new scheme, the rule of law is replaced by a cosy inter-industry deal. Whereas before, anyone who wanted your ISP to spy on your internet connection would have had to show evidence to a judge and get a court order, now any joker who claims to be an aggrieved copyright holder can do so […]”

via: http://microsound.org/