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Lily is a Firefox add-on that allows users to create rich, complex applications in a web browser. With Lily it’s possible to make programs that mashup the web or the desktop, visualize and animate data, modify webpages, play music, or connect to world outside the computer. Lily programs can be shared with other Lily users as text files or run by anyone as Firefox add-ons or standalone XULrunner applications. Lily runs on Mac, Windows or Linux, just like Firefox.

http://www.lilyapp.org/

Users create Lily applications graphically by connecting functional modules called “externals” in a program document called a “patch”. Each external object serves a single purpose, such as adding two numbers together, displaying an image or providing interactivity like a button. By connecting the output of one external to the input of another, it becomes possible to quickly build complex programs that do what you want. External objects are written in JavaScript (like Lily itself) and it’s simple to write a external to do whatever you want.

There are over 180 externals objects built into Lily: web service modules for APIs like Twitter, Amazon, Flickr, Wikipedia, Yahoo; UI modules that wrap web components from YUI, Scriptaculous, JQuery and Google Maps as well as the browser’s built-in UI elements; modules that offer access to the network, SQLite storage, TCP sockets or the file system; modules to interact with the browser; modules to send and receive Open Sound Control messages or talk to the Arduino physical computing board; graphics modules that encapsulate the browser’s SVG functionality and multimedia modules for playing sound and video.

Lily is free and open source, released under the MIT license.

Finally found a use for the NY Times from Bill Orcutt on Vimeo.

Sound Unbound
Sampling Digital Music and Culture
Edited by Paul D. Miller aka Dj Spooky that Subliminal Kid
Foreword by Cory Doctorow
Introduction by Steve Reich
MIT Press, May 2008

[+info]

If Rhythm Science was about the flow of things, Sound Unbound is about the remix–how music, art, and literature have blurred the lines between what an artist can do and what a composer can create. In Sound Unbound, Rhythm Science author Paul Miller aka DJ Spooky that Subliminal Kid asks artists to describe their work and compositional strategies in their own words. These are reports from the front lines on the role of sound and digital media in an information-based society. The topics are as diverse as the contributors: composer Steve Reich offers a memoir of his life with technology, from tape loops to video opera; Miller himself considers sampling and civilization; novelist Jonathan Lethem writes about appropriation and plagiarism; science fiction writer Bruce Sterling looks at dead media; Ron Eglash examines racial signifiers in electrical engineering; media activist Naeem Mohaiemen explores the influence of Islam on hip hop; rapper Chuck D contributes “Three Pieces”; musician Brian Eno explores the sound and history of bells; Hans Ulrich Obrist and Philippe Parreno interview composer-conductor Pierre Boulez; and much more. “Press ‘play,’” Miller writes, “and this anthology says ‘here goes.’” The groundbreaking mix CD that accompanies the book features Nam Jun Paik, the Dada Movement, John Cage, Sonic Youth, and many other examples of avant-garde music. Most of the CD’s content comes from the archives of Sub Rosa, a legendary record label that has been the benchmark for archival sounds since the beginnings of electronic music.

Contributors:
David Allenby, Pierre Boulez, Catherine Corman, Chuck D, Erik Davis, Scott De Lahunta, Manuel DeLanda, Cory Doctorow, Eveline Domnitch, Frances Dyson, Ron Eglash, Brian Eno, Dmitry Gelfand, Dick Hebdige, Lee Hirsch, Vijay Iyer, Ken Jordan, Douglas Kahn, Daphne Keller, Beryl Korot, Jaron Lanier, Joseph Lanza, Jonathan Lethem, Carlo McCormick, Paul D. Miller aka DJ Spooky that Subliminal Kid, Moby, Naeem Mohaiemen, Alondra Nelson, Keith and Mendi Obadike, Hans Ulrich Obrist, Pauline Oliveros, Philippe Parreno, Ibrahim Quraishi, Steve Reich, Simon Reynolds, Scanner aka Robin Rimbaud, Nadine Robinson, Daniel Bernard Roumain (DBR), Alex Steinweiss, Bruce Sterling, Lucy Walker, Saul Williams, Jeff E. Winner.

Casete, caset o cassette es un formato de grabación de sonido de cinta magnética ampliamente utilizado; designado a menudo casete de audio, cinta casete, o simplemente casete. Aunque estuvieron previstos originalmente como medio para el dictado, las mejoras en la fidelidad del sonido condujeron a que el casete suplantara la grabación de cinta reel-to-reel en la mayoría de sus usos. Sus aplicaciones se extendieron de audio portátil de grabación casera al almacenaje de datos para computadoras. Entre los años ‘70 y empezando los ‘90, el casete era uno de los dos formatos más comunes para la música pregrabada, junto a los discos de vinilo y más adelante al disco compacto.

Definición en la Wikipedia

Recopilando algunos enlaces para el podcast de ZEMOS98 (Radioactivos) me he puesto a escribir esta lista pequeña e inconclusa de algunos proyectos relacionados con cintas de casete, no es para nada exhaustiva y de alguna manera quiere general el flow que generó esta entrada conjunta en el blog de incongruente.zemos98.org

1/ Para hablar de casetes encontrados hay que irse a http://www.harsmedia.com/SoundBlog/ que lleva trabajando el tema desde el año 2000. Es la primera referencia sobre este tema

2/ Ellos han producido esta interesante exposición de Found Tapes que sigue creciendo y que tiene multitud de imágenes y sonidos. Han tenido bastante movimiento en 2007 aunque la primera fue en 2005

3/ En esa exposición señalan como referentes este vídeo “Lost Sound” de Jhon Smith que puedes ver su ficha en la distribuidora LUX

4/ En myspace (ese sitio) hay un proyecto de Chicago http://myspace.com/audiotaperecoveryproject de recuperación de cintas

5/ Magnetic Migration, mp3 de cintas encontradas, proyectos de remezclas, y más enlaces http://www.magneticmigration.net/ un proyecto de 2000 a 2003

6/ En telecompro tienen unas cuantas de cintas por 2 euros. Y en ebay puedes encontrar sobre todo reproductores

7/ En Melofanas encuentras todos los tipos de cintas editadas, especiales, de publicidad, por marcas… un recorrido archivístico

8/ En UBU.com puedes encontrar ensayos sobre el cut & paste y más cosas, como siempre UBU, aquí una sugerencia de búsqueda

9/ Una exposición de 100 carátulas de cinta en polar art

10/ Mención aparte tiene el padre del cut & paste en cinta William S. Burroughs

Origin and Theory of the Tape Cut-Ups (3:43) por William S. Burroughs

Del apropiacionismo a los estudios visuales (de lo falso en el arte, a lo falso del arte)
Conferencia de José Luis Brea
Ciclo “Lo falso” dirigido por Enrique Lynch.
Institut de Humanitats - CCCB, Barcelona
Miércoles, 16 de Enero, 19 h.
www.cccb.org/instituthumanitats/

En realidad, alguien muy puntilloso podría objetarle a Cheryl Bernstein que su presunción de que en el trabajo de Herron se producía una verdadera “elusión de autor” -o esa continuidad lograda entre obra y análisis del lenguaje de ella, entre procedimiento generativo y resultado, entre forma y contenido, entre concepto y producto- que en toda esa proclama de logro y consecución en el trabajo de Herron, había ciertas concesiones, cierta benevolencia, impropia en realidad de alguien que proyectaba tanta exigencia a la hora de analizar el trabajo de Stella, reconociendo en él lo que muy pronto el desarrollo posterior de su obra haría evidente: que no había en ella sino “un autor” generando “un cierto estilema”. Que no hubiera otro tanto en la obra de Herron parecía, parecería, para ese lector puntillosísimo, un juicio descuidado. Pues al fin y al cabo de nuevo allí detrás tendríamos una subjetividad, una vida psíquica, una emocionalidad en trabajo … un “autor” al fin y al cabo; y detrás de sus obras y productos, igualmente, interpretaciones posibles, mercancías, objetos de culto y aura, etc. Es decir, todo aquello que enfáticamente Bernstein da por eludido y elidido, por desmantelado, en la figura de Herron.

Ahora, si hiciéramos ese reproche –contra Herron y su obra- nos encontraríamos con una pequeña sorpresa. La de algo inesperado que ello tendría a su favor, y que aunque hubiéramos podido presuponer no hay de hecho ningún lugar en que se nos informe de modo fehaciente. A saber, que “realmente” Hank Herron nunca ha existido, sino que era un “autor” inventado por Bernstein para valer como la figura teórica de un no-autor. Y naturalmente, podemos presuponer, tampoco existió nunca su obra –de tal forma que la coincidencia para ella de obra y descripción es indiscutible, ya que no hay otra cosa que ella.

Pero para entonces, empezamos a movernos en una nebulosa de extravíos: ¿es Herron realmente un mero invento virtual de Bernstein y su obra una figura teórica para señalar un “horizonte heurístico” para la obra de las segundas vanguardias? Y quién es su inventor, ¿acaso Cheryl Bernstein, la autora que por primera vez escribe de él? Pero el misterio, podemos imaginarnos, no va a disolverse tan fácil. En efecto, Cheryl Bernstein es, igualmente, una autora ficcionada, inexistente en lo real (que sepamos). Su escrito sobre Herron es, en efecto, el único que se le conoce. Estamos pues ante un “crítico” imaginado que escribe sobre un “autor virtual” para mostrar que una “obra virtual” –nunca hecha, para más señas- es la mejor realización del arte de las vanguardias. Y, si creemos a Crow, la marca de un espíritu que las neovanguardias apropiacionistas de los años 80 intentarían haber emulado.

Since Autumn 2003 People Like Us have been doing a weekly show on WFMU, called DO or DIY. The aim of the show is to mix highbrow with lowbrow to challenge whether there is much difference. Also, many artists played on DO or DIY get very little radio play (a google search for many of these bands brings the show’s airplay at the top of the results). Each weekly show has been known to have excess of 50,000 listens per year (based on average Realplayer stats archives collected over the space of one year).

Here are the archived playlists and realaudio streams of at least 100 shows from 2003 to the present day. www.wfmu.org/playlists/PL

Subscribe to the Podcast of DO or DIY by right clicking and saving this link, and pasting into the Advanced section of iTunes.

DO or DIY is a freeform sound art radio show broadcast weekly by Vicki Bennett (project name People Like Us) on WFMU.

This show has been in existence since 2003, and has broadcast more than 100 shows.

The philosophy behind the show is simple. That within the realms of avant-garde and experimental sound art the goalposts defining “accessible” and “inaccessible” are constantly moving. As the radar rises and dips, fragments and shards of underground creations unearth, and popular culture and artist resonate, shifting shapes accordingly with one another in reflections of changing spotlights. The avant-garde and popular culture rely on each other’s energy. People Like Us collage both “hard to listen” works and popular listening matter, showing that in fact, beyond the restrictions of genre, genre IS the restriction and it is possible to like many kinds of art and music. The key is finding the door - DO or DIY leads the way into new and unusual realms of listening and hope to show the way in.

Each show consists of collages made of sound works from the 20th and 21st century, often layered and looped many times over, resulting in an album type effect on each show.

Video Vortex.2
From 08-12-2007 until 03-02-2008
Johan Grimonprez & Charlotte Léouzon, Martijn Hendriks, Jaap de Jonge, Meta.Live.Nu presents DFM RTV INT, Nancy Mauro-Flude, Oog Volkskrant Online, Park 4DTV, Rabotnik, Sonic()bject, Martin Takken, Thomson & Craighead

http://www.montevideo.nl

Video Vortex.2 is a sequel to the Video Vortex exhibition that responded to the Web2.0 phenomenon. Web2.0 stands for power to the user and democracy for everyone. It has led to innovative forms of media use in which open and friendly cooperation stimulates critical reflection and new ideas. In Video Vortex.2 attention is given to a different side of the democratic movement. How are artists reacting to this democratization process? To what extent does the democratic movement in Web 2.0 differ from previous utopias around radio and television? How can artists retain their autonomy and diversity outside the mass media? Is the esthetic of amateurism the new genre? Once again, artists will be responding to Web2.0, with special attention this time being given to the situation in The Netherlands and Belgium.

Video Vortex Workspace
In the Workspace everyone can get acquainted with open and free software (FLOSS, in collaboration with Derek Holzer), Vlogging (under the guidance of Seth Keen), network mapping (Govcom.org), take part in the Furtherfield Visitors Studio and more. See the website for the latest program.

Curator for One Day
And of course you can still become Curator for One Day!

Video Vortex international conference
January 18 and 19, 2008, PostCS Amsterdam
Organized by the Institute of Network Cultures

Video Vortex is a collaboration among the Netherlands Media Art Institute, the Institute of Network Cultures and Argos, Brussels.

[images of the exhibition at flickr]

**Nancy Mauro Flude, MythEngine

“The quote represents the culture itself as the principle of human becoming, the improving of human thinking, from quoting to quoting, from the evolution of ideas to others and their negation. The culture is a tissue of citations, resulting from thousand sources of culture and signs. The history of human thinking is a tissue of quotations drawn from the innumerable centers of culture.”

http://www.peoplequotepeople.com/

The (second) removal of the author is merely a historical fact.

The figure of romantic genius was born in XVIII century, since this time, many speculations have been doing around the myth of author and its aura. Then it has been the culmination of capitalist ideology, which has attached the greatest importance to the “person” of the author. The image of ideas to be found in ordinary culture is tyrannically centered on the author, his person, his life, his tastes, his passions.
In the first decade of XXI century, the myth of author die.

The user-producer is a concept that speak to the digital experience and the freedoms that this digital culture allow for ordinary people to become artist and producer. This model fundamentally challenges the traditional assumptions of author, it moves away from the idea of the romantic notion of authorship, which saw authorship and cultural production as an isolated activity of a genius sitting and creating something out of nothing.
In the act of copy, many usually in the digital world, as we lose the concept of the original, we forget the author ever more. So the only effective things that we remember and we still feel are narrative codes and moral signs.

Some factors as the democratic diffusion of tools for create and for spread content, the explosion of economy of imagination, the sharing of intellectual products, the figure of prosumer and the social network of web 2.0, these have desacralized the figure of author, these have stripped its aura, it has been plunged in the Pangea of knowledge, which is the only one creator of human culture, transversely in time and in place.

Authorship becomes indistinguishable from the multiplicity of authors, this profusion transforms the culture and their creators in a unique body. It’s the collective intelligence, it’s the return of the rules of oral and folk culture. Collaborative creativity, influences, remix, sampling, reshaping and mesh of diffuse publications of intellectual products, from ideas and concepts, to arts and researches; these are the causes that have deleted the character of originally, individually and autonomy composition.
Culture consists of multiple writing, indeed, everything is to be distinguished. This multiplicity is collected, united and this place is not the author, as we have hitherto said it was.

So the author back to its old work of compiler, and its name isn’t important anymore. It’s the inevitable way: ever more become more difficult to be sure of attribution, so it might not refer to a real individual. Again as in the past, anonymous narrative contributions are the roots of our culture and our perception of reality. Contemporary examples of this social spaces are Wikypedia and YouTube, MySpace, etc… In the end, the fifteen minutes of fame for each of us, go down to zero seconds, but each little piece of art becomes infinitely more useful for human being. It’s the forest that take shape of tree, not vice versa..

(…continue reading)

Vía: neural.it

Lecturas que re-recomendamos:

[Plagiarismo (VA)]
[Post-Producción (Nicolas Bourriaud)]
[Creación e inteligencia colectiva (Ed. Zemos98, VA)]

“Los artistas no deben pensar en el policía que llevan dentro, sino en hacer su trabajo”.

Entrevista con Rick Prelinger

Del 24 de junio al 6 de julio, se celebró en Bilbo y Donostia el taller sobre la copia y el apropiacionismo “Copy Your Idols!”. Organizado por Periferiak y Audiolab, se cerró con la intervención de Rick Prelinger, coordinador de los “Prelinger Archives” y parte del comité editorial de “Internet Archive”, el mayor repositorio de contenidos con licencias libres en la red.

Rick Prelinger fundó en 1983 los “Prelinger Archives” con el objeto de preservar y facilitar el acceso a un tipo de cine efímero en peligro de desaparición. Este archivo , que cuenta con más de 60.000 películas producidas en su mayoría en los Estados Unidos, acoge material de naturaleza diversa, entre otras, películas caseras, educativas y promocionales. Frente a archivos similares, su particularidad más llamativa reside en que permite e invita a sus usuarios a reutilizar el material archivado gracias a las licencias libres y el principio de “dominio público”, aquél bajo el que se acoge la producción intelectual que queda fuera del copyright y las patentes. Un ejemplo de este uso es Panorama Ephemera, la película del mismo Prelinger que éste presentó en la sala Koldo Mitxelena en Donostia el pasado 6 de julio. En ella muestra las contradicciones y problemas de la sociedad americana mediante material cinematográfico, todo él reapropiado.

M: Cuando habla de cómo con la copia el artefacto gana valor, ¿a qué tipo de valor se refiere? ¿al cultural o al económico?

R.P.: Me refiero a los dos, aunque el económico es más fácil de entender. Cuando trabajaba para HVL, que es propiedad de Timelife, una vez pregunté a ver cuál era la imagen que más dinero les había proporcionado. Me respondieron: “Sin duda, la del público en el cine con las gafas de 3D”. Esta famosa imagen ha sido copiada y pirateada y, de hecho, es la portada de La sociedad del espectáculo, el libro de Guy Debord. Cuando una imagen o un sonido está en todas partes, aumenta su valor y, aunque el dinero no cambie de manos, su valor cultural es de primer orden. El principio de ubicuidad para mí es equivalente al de valor.

M: ¿Qué le parecen las licencias “Creative Commons” (CC)?

R.P.: Admiro a Lawrence Lessig pero, a fin de cuentas, las CC no dejan de ser un proyecto reformista que sirve para que el copyright funcione mejor. Debemos situar la cultura más allá de la propiedad intelectual, no enfocarla a la noción de dinero sino a las de regalo, respeto e intercambio. Pensar en cómo se distribuye la cultura es el primer paso para pensar en cómo se distribuye la propiedad. En este sentido, trabajar en el ámbito de la cultura puede ser subversivo y tener mucho sentido.

vía Música Radikal Brasca

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