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Isidoro Valcárcel Medina gana el Premio Nacional de Artes Plásticas.

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Une présentation historique et théorique des poésies expérimentales, une anthologie, une bibliographie internationales, 300 reproductions, 400 pages.
L’introduction historique de Jacques Donguy met en lumière les expériences de la poésie concrète depuis 1953 (Gomringer et de Campos), jusqu’aux recherches actuelles (zone numérique). L’anthologie, suivie d’une bibliographie internationale, dresse le premier panorama de cet art de l’expérimentation textuelle, visuelle et sonore.
Point n° 1. Le débat avant-garde / post avant-garde n’a pas lieu d’être. Il est lié aux évolutions technologiques comme l’ont bien vu Mallarmé et Apollinaire, quand ce dernier parle du phonographe et du cinématographe, comme aujourd’hui on parlerait d’ordinateur et d’Internet. Très logiquement, on passe de la « poésie abstraite » basée sur la lettre et non sémantique (Hausmann, Schwitters) à la poésie sonore (la bande magnétique), puis à la poésie numérique.
Point n° 2. Comprendre aussi, par contrecoup, que la poésie typographique, existant depuis Gutenberg (1456), est basée aussi sur une technologie, l’imprimerie, avec toutes les conséquences que l’on peut mieux comprendre à la suite de l’usage de nouvelles technologies : inscription pour l’éternité sur la page, d’où l’utilisation par Mallarmé dans le Coup de dés, du Didot, qui est le caractère de la loi, d’où aussi l’obsession du style chez Flaubert à l’apogée de la civilisation du livre.
Point n° 3. Comprendre enfin que l’évolution de l’art du langage (la poésie) est parallèle à celle des arts plastiques et à celle de la musique. Apollinaire était l’ami de Picasso (cubisme), le brésilien Augusto de Campos se réfère à Anton Webern, Eugen Gomringer à Max Bill. Et que donc cet art du langage du XXe et du XXIe siècle dit « expérimental », constitue en fait la véritable poésie du XXe et du XXIe siècle.

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A lo largo de la historia podemos encontrar múltiples ejemplos de las fructíferas relaciones entre el arte, la ciencia y la tecnología. Incluso ha habido épocas, además del Renacimiento, en las cuales grandes artistas hacían a su vez destacadas aportaciones a estos otros campos. En la actualidad, la vastedad del conocimiento humano hace que sea difícil que una única persona abarque, ni siquiera, el correspondiente a su propia área de especialización. Por otro lado, gracias a Internet disponemos de herramientas que facilitan enormemente tanto el acceso, como la interrelación entre personas con intereses convergentes, sin importar el lugar donde residan.
Muchos proyectos poseen un grado de complejidad tal que para su correcta ejecución es imprescindible el concurso de equipos multidisciplinares, integrados por expertos en campos diversos y que hacen un uso intensivo de estos recursos.
Los artistas, como personas enmarcadas en una época en concreto, estamos de algún modo obligados a conocer los avances más importantes que se vayan produciendo y no podemos evitar que nos influyan y nos provoquen un replanteamiento de los supuestos que, de un modo cíclico y reiterativo, constituyen la esencia de la creación artística. La Comunidad Científica y, por ende la Sociedad, necesitan de esa visión transversal que les descubra aplicaciones insospechadas de sus desarrollos y que les ayude en la divulgación de estos avances desde otras posiciones, en ocasiones más cercanas para el público en general.
Se puede hablar por tanto, de una cierta ósmosis, una permeabilidad entre las membranas que separan estos ámbitos, en apariencia tan distintos y reflejar este hecho es uno de los propósitos de la Muestra en este año.
Juan Antonio Lleó
Comisario de la VI Muestra de Arte Electrónico de Móstoles MAEM 07 MAEM 2007: ÓSMOSIS

Des futuristes des années 1910 aux réductionnistes à l’amorce des années 2000, l’histoire de la musique du vingtième siècle (et du vingt-et-unième naissant) aura été marquée par l’idée d’expérimentation. Celle-ci, et pas seulement dans l’avant-garde, paraît s’être exprimée dans tous les domaines apparus alors, qu’il s’agisse entre autres de la musique électroacoustique, du jazz (quand celui-ci s’est dit « free » par exemple) ou du rock (qu’il ait été « kraut » dans les années 1970 en Allemagne, « en opposition » au milieu des mêmes années en Europe, ou encore « bruitiste » au Japon dans les années 1990). Comme si la musique, quand elle souhaite échapper à l’intimidation dominante, devait perpétuellement s’inventer afin de continuer à être. Voilà l’histoire que raconte cette anthologie, au travers d’indomptables réfractaires à toute forme d’académisme.

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Ces dernières années, nous avons assisté à de nombreuses initiatives cherchant à intégrer le son dans le champ des arts plastiques. Sound art ou installation sonore, le son est devenu matériau à sculpter, à peindre, à installer. Il s’agit parfois d’engager différents modes d’interaction entre l’image et le son, envisagés comme matériaux plastiques, ou, symétriquement, entre musique et arts visuels. Les musiciens ont fait du laptop un instrument de musique au moment même où les compositeurs en faisaient un outil de synthèse, d’écriture et de spatialisation des sons. Passages et imprégnations réciproques, croisements et tentatives d’échanges, collaborations et hybridations subvertissent la clarté des catégories traditionnelles.
Les RIAM ont choisi cette année de mettre l’image en mode pause, pour consacrer leur programme à l’art sonore. Des labels défricheurs ont une place de choix dans la programmation, à l’exemple d’ Optical Sound, qui fête ses dix ans avec une soirée de concerts au Musée d’Art Contemporain, ou en parallèle, Davide Balula, artiste et responsable du label Active Suspension, qui exposera une nouvelle installation à la galerie SMP. Si son travail évoque le son sans le produire, nous invitons, dans le sens inverse, le plasticien Rainier Lericolais à passer de la galerie à la salle de concert.
Des nouvelles modalités de production et diffusion se sont ouvertes à la musique avec le réseau internet, à travers le flux en temps réel (le streaming), qui sera l’objet d’un workshop et d’un live avec laboîteblanche et Carl. Y, responsables du festival NOMUSIC. C’est aussi le cas des netradios qui seront au centre d’une table ronde organisée avec le ZINC/ECM, mettant en dialogue les responsables de radiowne.org (Thomas Lucas) ou silenceradio.org (Etienne Noiseau) et des radios hertziennes comme Grenouille qui développent leur dimension interactive. Le philosophe Bastien Gallet tissera un fil rouge entre l’hétérogénéité des pratiques musicales, réfléchissant à la façon dont les auditeurs de musique électronique ont inventé des mouvements de danse pour des musiques qui n’étaient pas forcément corporelles.
Plus qu’une accumulation d’événements, les RIAM s’attachent aux échanges produits par les artistes et cherchent en parallèle à rendre sensibles leurs connexions et affinités artistiques pour tisser entre eux un réseau de réflexion sans pour autant le figer dans une thématique univoque.

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“SCHEITERN LERNEN” – TESLA BERLIN – 1-3/11/2007
Sábado 3 de noviembre a las 21.45H.

Los “Conciertos para Apagar” o Blackout Concerts consisten en la escucha atenta de los sonidos continuos perceptibles en un espacio durante el proceso de ir apagándolos gradualmente, según su situación e intensidad, con el objetivo de conseguir un silencio liberado de residuos sonoros y luminosos hasta el máximo posible. Esta disección sonora progresiva permite al público percibir por separado todos los componentes mecánicos y de luz que coexisten en un espacio, descubriendo paulatinamente según avanza el proceso, paisajes sonoros cada vez más nítidos y definidos, más ricos en silencio.

Propuesta para INSTALACION-CONCIERTO

Literal:

Creemos que podría ser de su interés la información de los CONCIERTOS PAISAJÍSTICOS que estamos desarrollando en el MUSEO DE LA NATURALEZA LAS PEDRIZAS de Buenache de la Sierra. Cuenca – ESPAÑA. CONJUGAMOS NATURALEZA Y MUSICA A TRAVES DE ESCULTURAS REALIZADAS CON ELEMENTOS NATURALES, PIEDRA Y ÁRBOLES EN ESTADO NATURAL.

Técnología y naturaleza a través de la creatividad escultorica y musical y se la ofrecemos por si fuera de su interés, una nueva propuesta vanguardista para ser programada.

CONCIERTO – EXPOSICIÓN dinámica con eventos sonoros programables durante el tiempo de exposición de las esculturas sonoras, instrumentos e instalaciones creadas para la ocasión.

Fernando Sanchez Buenache: Escultor Naturalista
Jon Coates: Ebanista
Conrado Jimenez: Talleres
Julio Sanz Vázquez: Profesor y Compositor . Coordinador de Soundwork Players

CONCIERTOS PAISAJÍSTICOS
Piedra, Agua, Aire , Fuego, Árboles de Lluvia, Troncos Resonantes, Quijadas de Animales, Costillares, Arpas de Tierra, Flautas de Hueso, Vasijas de Aliento, la Voz, cantos de armónicos, Arpas Eólicas, Botasoneiros, Cortinas Líticas, Armonizadores de Resonancias Psicoacústicas y… el Gran Litófono como instrumentos del que emana el material sonoro con el que se elabora la base electroacústica para recrear momentos telúricos impredecibles
En busca de los orígenes de la Música y en sintonia con la naturaleza, investigamos, descubrimos, divirtiéndonos y trabajado con el sonido, encontramos: el ritmo, la melodía, el color, el timbre, la necesidad de expresión, comunicación y goce a través de las vibraciones visuales y acústicas.
Proponemos la descontaminación de la información cultural tradicional, descubriendo, inventando, “Imaginando” sobre los inicios que motivaron a los seres vivos a utilizar y construir sistemas de expresión y comunicación sonora así como sus aplicaciones musicales desde sus orígenes más allá del tiempo.

Nosotros queremos ir mucho mas allá en el tiempo, siendo actuales, buscamos los orígenes para proyectar un futuro, – como estimulante revulsivo – para la actualización de la cultura, empezaremos por el principio como auténticos “cultural players” o si lo prefieren especialistas que desaprenderemos lo aprendido para vivir nuevas realidades ancestrales.
…y el Caos como sistema de organización dinámico no lineal.

MUSEO DE LA NATURALEZA “LAS PEDRIZAS
Plaza de la constitución s/n
Buenache de la Sierra. Cuenca
tel: 609757080
acmusic@latinmail.com

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nine poems in basilicata és, més que una pel·lícula, un llibre en format audiovisual. l’espectador el pot “fullejar” per capítols o bé llegir-lo tot sencer. conté nou poemes de john giorno, més un epíleg, gravats cadascun en una localització diferent de la regió italiana de basilicata, d’on és originària la família del poeta. els deu poemes en total que mostra el film són just say no to family values (“digues no als valorsfamiliars”), everyone gets lighter (“tothom es fa més lleuger”), there was a bad three (“hi havia un arbre dolent”), wisdom of the witches (“la saviesa de les bruixes”), the death of william burroughs (“la mort d’en williams burroughs”), demons in the details (“dimonis en els detalls”), nothing succeeds like excess (“res triomfa com l’excés”), no good deed goes unpunished (“cap bona obra resta impune”) i welcoming the flowers (“donant la benvinguda a les flors”).
el projecte de la pel·lícula va sorgir una mica de casualitat, quan antonello faretta va conèixer a basilicata john giorno, que estava fent recerques sobre els seus orígens familiars. de seguida va tenir la idea de fer un film sobre la poesia de giorno a partir de 9 dels seus poemes, bona part dels quals inèdits. el film no prova de “representar” o “decorar” els poemes de giorno, sinó que, sense guió procencebut, el film mostra amb absoluta delicadesa la manera particular de recitar de giorno i les tècniques corporals i de respiració que fa servir, però en un context molt diferent de l’habitual: basilicata, una regió apartada al sud d’itàlia. el film és, en certa mesura, la millor aproximació a la poètica de l’autor novaiorquès.

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El Museo de la Radio en Peñafiel es un museo concebido desde la más moderna museología. Descansa sobre una cuidadísima colección, y sobre un discurso museográfico que, a su vez, recupera tres conceptos básicos: Contar, de una manera amena y rigurosa, la historia y evolución de la radio. Dar a conocer “La Historia” de los pueblos a través de los documentos sonoros de las diversas cadenas. Poner de manifiesto la simbiosis del hombre con este medio de comunicación.
Todos somos hijos de la radio, cada uno a su modo. El Museo de la Radio de Peñafiel (Valladolid) es un marco excepcional donde los visitantes se topan con un mundo de sugerencias, de recuerdos, de vivencias personales que ponen en común en un marco incomparable, a la sombra del castillo. Ven y disfruta.
Está ubicado en una casona de finales del S. XIX, donada al Ayuntamiento por la familia Alonso de Peñafiel. Rehabilitada y acondicionada por el arquitecto D. Félix Caballero.
La colección propiedad de D. Félix Valencia, reúne más de 600 piezas en perfecto estado de conservación, originales o restauradas con elementos originales.

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Siguiendo la línea abierta en sus tres ediciones anteriores, Acción!07MAD propone una muestra de trabajos de artistas de la acción nacionales e internacionales, de artistas veteranos y de artistas emergentes.
El arte de acción y/o la performance tiene ya un siglo de vida. A lo largo de este siglo ha salpicado a otros géneros y disciplinas que se han alimentado de aquella contaminación. El BigBang no se ha detenido y junto a los artistas “ortodoxos” de la performance habitan dramaturgos, bailarines, flamencos, matemáticos, hip-hoperos, poetas, activistas, músicos y todo tipo de actividades inclasificables.
Nuestra intención en esta propuesta es continuar explorando los lindes formales del performance art, un género por definición ‘intermedia’, escarbando esta vez en los márgenes de otros ámbitos específicos, más o menos ‘artísticos’. Testar la elasticidad del género “performance” para abrir puertas a ambos lados: del lado del arte de acción, profundizando en su histórica ‘impureza’ y del lado de la disciplina ‘visitada’, agitando sus cimientos formales. Creemos que rompiendo los límites de los campos específicos no sólo encontraremos novedades éticas y estéticas, sino también ‘la vida’ agazapada tras las convenciones formales e institucionales.
Nieves Correa e Hilario Alvarez.

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My first book, The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century, will be published by Farrar, Straus and Giroux in October 2007 and by 4th Estate in the UK the following March. (Links: Amazon, Barnes & Noble.) It is a voyage into the labyrinth of modern music, which remains an obscure world for most people. While paintings of Picasso and Jackson Pollock sell for a hundred million dollars or more, and lines from T. S. Eliot are quoted on the yearbook pages of alienated teenagers across the land, twentieth-century classical music still sends ripples of unease through audiences. At the same time, its influence can be felt everywhere. Atonal chords crop up in jazz. Avant-garde sounds populate the soundtracks of Hollywood thrillers. Minimalism has had a huge effect on rock, pop, and dance music from the Velvet Underground onward.
The Rest Is Noise shows why twentieth-century composers felt compelled to create a famously bewildering variety of sounds, from the purest beauty to the purest noise. It tells of a remarkable array of maverick personalities who resisted the cult of the classical past, struggled against the indifference of a wide public, and defied the will of dictators. Whether they have charmed audiences with sweet sounds or battered them with dissonance, composers have always been exuberantly of the present, defying the stereotype of classical music as a dying art. The narrative goes from Vienna before the First World War to Paris in the twenties, from Hitler’s Germany and Stalin’s Russia to downtown New York in the sixties and seventies. We follow the rise of mass culture and mass politics, of dramatic new technologies, of hot and cold wars, of experiments, revolutions, riots, and friendships forged and broken. The end result is not so much a history of twentieth-century music as a history of the twentieth century through its music.

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Die Schachtel is also an independent and non-profit Art Gallery/Experimental Music Label, devoted to Sound as both an art form and a platform for critical discourse. We develop our exhibition projects in close collaboration with the artists, presenting in a multi-faceted program featuring performances, site-specific installations, and Art Multiples. Our art multiples are hand-crafted, esthetically challenging sound-art objects, as diverse as sonic aquariums, light/sound boxes or sound-text editions, created and manufactured under the supervision of the artist. Blurring the boundaries between visual art and sound culture, the multiples are conceived and designed to document the most advanced reasearch in sound-based contemporary art. We welcome your support to Die Schachtel, either purchasing from our catalogue or through any other form of financial help or sponsoring that would help us further expand the rather neglected Sound-related Art scene amongst a wider public, resulting in an effective support to the artists.
If you want to submit a project, please send a written proposal that describes your work, including the technical specifications, and takes into consideration the capabilities of the space in 35 sq. meters. In addition, be aware that the format of presentation is normally five hour installations of one artist’s work, 5 days per week. SoundOhm (www.soundohm.com) is a very interesting side project of Die Schachtel: it will be soon online as a mailorder website as well as an archive-in-progress dedicated to experimental music. Soundohm’s aim is to make available through the web the most complete information on avant-garde records and musicians of the period 1960-1980. It features complete discographies and record collectors relevant information, such as the original record’s reference numbers and cover photos. We welcome any help in order to complete such ambitious task.

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Nikolaus Harnoncourt ha sido capaz de añadir a su impresionante trayectoria como intérprete y director, un no menos denso e influyente repertorio de escritos y análisis sobre lo que podríamos denominar la «filosofía de la música antigua». Publicado originalmente en 1984, la presente colección de ensayos recoge algunas de las más jugosas contribuciones de Harnoncourt al pensamiento musical de nuestro tiempo. Considerado por muchos como el auténtico «credo» de una de las voces más autorizadas de la interpretación musical histórica, los textos aquí reunidos son una excelente compilación de treinta años de experiencia y reflexión en favor de una mejor comprensión de la música antigua, y muy particularmente la barroca. Una música que nos habla desde un código que el intérprete y el oyente de nuestro tiempo debe conocer para comprender cabalmente el «discurso sonoro» de cada época.

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En una isla volcánica e imaginaria, bajo un abrasador sol tropical, alrededor de cien hombres encadenados, los Indomables, «erguidos como erizos con sus puntas», desnudos y ceñidos con collares de hierro, atados, yacen en una fosa vigilados por unos carceleros negros con bozales. Los Indomables más importantes son: Mirmofim el cirujano, Curguss el cura, Kurotoplac el maestro de escuela, Kizmicá… y los carceleros son: Mazzapá y Vokur. Ferocidad, sangre, violencia son los atributos de estos hombres-fieras. Con el atardecer su furia bestial se apacigua: los negros los liberan y a éstos los Cartáceos, señores de la isla, les quitan el bozal. Llegan al Lago de la Poesía y del Sentimiento, donde los Indomables y sus carceleros se bañan, purificándose. Continúan el camino y alcanzan la Ciudad, donde hierve la rebelión de los Fluviales que se oponen a los Cartáceos, sus dominadores. Y ahí comienza una aventura visionaria de imágenes sorprendentes atravesadas de parte a parte por potentes señales de vanguardia, mezclando pureza e ingenuidad, pasión, poesía, simbolismo y proyección hacia el futuro, hacia una sociedad nueva y soñadora pero en permanente conflicto.
Filippo Tommaso Marinetti publicó Los Indomables en 1922 y hasta ahora no se había traducido al castellano.

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Mafarka el futurista
F.T. Marinetti
Editorial Doble J, 2007
Colección Arte/Historia
122 págs., 15 x 21 cm., 15 €
Mafarka es un relato de acción demoledora, exhibicionista y amoral que exalta la velocidad, la temeridad, el peligro y la violencia: Mafarka-l-Bar arrebata a su tío Bubassa la corona de Tel-al-Kebir ante el inminente ataque del rey negro Brafan. Mafarka derrota a Brafan valiéndose de la astucia, pero en los combates pierde a su hermano Magamal, mordido por un perro rabioso. Abandona entonces el cetro de Tel-al-Kebir y decide morir transfiriendo su espíritu a su hijo Gazurmah, una estatua alada de madera a la que da vida con un beso.

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On Monochrome Otomo presents 18 pieces that illustrate the entire range of his solo work from pieces constructed entirely of feedback, static and randomly generated radio noise, to sine wave experiments that bring to mind the humming of the solar wind as it wafts through intergalactic space. There are also rhythmic bursts of feedback and percussion that are almost danceable and subtle Zen like meditations full of slow sustained notes that fill the air with otherworldly overtones.
The Multiple Otomo DVD provides a dizzying compliment to Otomo’s music, full of jittery images both real and manipulated, flashes of visual white noise, strobe-like quick cuts, multiple split screens and extreme close ups that put the instruments Otomo is using into a new visual context. The 30 segments feature improvisations on turntable and guitar complimented by the imaginative video work of Masako Tanaka, Michelle Silva, and Tim Digulla
“Vinyls” has Otomo taking scratching to an extreme level, using recorded music to destroy our notions of what music should be.
On “Plucks” Otomo plays rubber bands stretched and anchored to turntable knobs, tone arms and spindles, using LPs as mallets and caressing the rubber bands with a violin bow; the music is pensive and playful. “Frets” showcase Otomo’s guitar skills in stark black and white video. The piece is full of clanging feedback and rhythmic noise producing what may be the ultimate metal guitar workout. “Tone Generator” is an oscillator solo that moves from gritty feedback to smooth pulsing sine waves accompanied by acid washed video effects.
The program ends with two calming interludes: “Blue Feedback” is a combination of gentle thrumming feedback and throbbing abstract color, while “Turntable Graveyard” is a slow, meditative eulogy for the machinery Otomo has destroyed in his performances. Staccato strings or perhaps plucked rubber bands supply a funereal soundtrack while the camera pans over the ruins of records and turntables suggesting battlefields and graveyards.

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Erakustaretoan izango den hurrengo erakusketa antolatzen ari gara. Uda osoan egongo da ikusgai denontzat, hemengo eta kanpokoentzat.

Izenburua: Soinu-dimentsioa
Komisarioa: José Igés
Gaiari dagokionez, erakusketa hau 1999ko udan leku berean egondako Soinuaren espazioa/begiradaren denbora erakusketaren jarraipena da; halere, oraingo hau aurrekoa baino haratago doa, enfasi berezia ematen baitio, izenak dioen bezala, soinuaren “beste dimentsioari”. Espazioa definitzen duten hiru dimentsioei denborarena gehitzeaz gain, erakusketak soinu-dimentsioa espazioan bertan ere kokatzen du; izan ere, Duchampen hitzetan, soinuak, besteren artean, “espazioa ere okupatzen” baitu.
Funtsean, obra horiek bisitaria espazioan eta denboran barna bidaiatzera gonbidatzen dute, espazio eta denbora jakin batzuetako bizipenetatik abiatuta, nola ez. Zentzu horretan, “soziofonia” nozioa aztertzen dutenei hots ematen diegu –esaera egokiagorik ez dago-, soinuaren esperientzia komunikazioaren eta harremanaren ikuspuntutik azaldu eta aztertzeko. Honela deskubritzen ditugu soinu-esperientziak berak ematen dizkigun “dimentsioak”. Izan ere, soinuak espazioa ere okupatzen du, eta instalazio orok, berez, denbora hartzen du. Baina proposamen honetan fenomeno gehiago ere gertatzen da: bibrazioaren fenomenoak metafora sinestesikoan murgiltzen gaitu, mugimenduari ere erreferentzia egiten dio (entzumen ibiltariak bidaia geldia egitera eramaten baikaitu, eta bai soinua, bai ikuslea, erlatiboki mugitu egiten baitira); proposamen batzuk ikuspuntu anizdunak dira, eta horietako batzuei esker, entzumenaren plano horizontala eta bertikala deskubritu daitezke; azkenik, ahantzi gabe, ikusleak berak ere prozesu horietan parte hartu egiten du. Horrez gain, “dimentsio” horietan bertan, paradoxa ere aipa daiteke, forma eta intentzioen ezagupenaren motor gisa, eta, paradoxan bertan, kode, energia-forma eta harremanen arteko transferentziei ere egin diezaiokegu erreferentzia.
Erakusketak ondoko funtsezko kontzeptuak aztertzen ditu:
. Sinergia: erakutsitako artelanei eta beren arteko loturei aplikatu ahal zaien estrategia orokorra da. Sinergia elementuak integratzean datza, eta bere emaitza osagaien batuketa baino zerbait gehiago da: bi elementu edo gehiago era sinergikoan batzen direnean, bakoitzaren kalitateak baliatu eta handitu egiten dira.
. Era guztietako transferentziak: idatzizko kodeetatik soinu-kodeetara (ALIEN, Valcárcel Medina), argitik soinura (Panhuysen), soinutik mugimendura (Arce, Lucier, Rocha).
. Soinu edo/eta argi uhinen islapena/bibrazioak: pantailetan eta egituretan (Leitner), uretan eta paretetan (Arce), ispiluetan (Oosterlynck), tauletan (Rocha), mintzetan (Lucier).
. Espazioen soinuaren bidezko neurketa: Oosterlynck, Bosshard, González Arroyo.
Eta hau da erakusketan parte hartuko duten artisten zerrenda:

- Alien Productions
- Mikel Arce
- Andrés Bosshard
- Ramón González-Arroyo
- Gary Hill
- Tom Johnson
- Donatella Landi
- Bernhard Leitner
- Alvin Lucier
- Badouin Oosterlynck
- Paul Panhuysen
- Manuel Rocha Ituribide
- Isidoro Valcárcel Medina

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DRONE RECORDS LABEL CONCEPT: The label DRONE RECORDS has been established in January of 1993. It functions as a VINYL ONLY-label, releasing solely 7”es/E.P. s of international groups and artists from the wide area of experimental sound-creation, with a focus on “drone”-elements. The editions of the E.P. s will be at a first step limited to 250 or 300 copies in coloured or clear vinyl and later possibly be re-released in black or coloured vinyl when the first edition has sold out. The cover-artwork will always be HAND- or SELFMADE by the releasing artist, to offer full control over the product and a personal communication-approach to the listeners. The second editions will have printed covers usually. Drone Records as label-project works uncommercially and fights:
- against the capitalistic CD-industry
- for the preservation of vinyl
- against mass-production and for creative individuality
- for the preservation of an independently working Networking-scene to express new thoughts and ideas, society-criticism and unprejudiced art
Drone Records is especially focused on new atmospheric music that has a certain mind-challenging character, thus wanting to support the sensibility of the human senses. Drone Records releases music for the “right side” of your brain, which means: music for the Unconscious, for the irrational mind, for non-linear perception, creating an emotional communication without language. Music for a yet not realized reality….

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Gaur egun, kultura garaikidea merkatuaren lege gupidagabeen joanetorrien eraginenpean dagoela onartzea ez da inolako berritasuna. Baina beharbada, komunikabideek nahiz egile eskubideak kudeatzen dituzten organuek egindako lanari esker, zaila da kultura garaikideak eskaintzen dituen alor guztien artean, musikak bezala, bereganatzearen edo jabetzearen eta egile eskubideen erreibindikazioaren arteko norgehiagoka modu hain garbian eta ikusgarrian erakusten duen alorrik topatzea. Webgune honek , COPY YOUR IDOLS jardunaldiekin batera, gai hauen inguruan sakontze ariketa bat proposatzen du, autoretza, bereganatzea, transmisioa edo erreprodukziorako teknologia berrien inguruko hainbat ideia kontzeptu eta eztabaida jorratuz, eta beti ere PERIFERIAK07 egitasmoak landu nahi duen edizioaren ideia ahantzi gabe. Azken finean, tradizio modernoak, modu batera edo bestera eztabaidatu dituen eta hainbat egitasmo musikalek beraien ikuspegitik modu desberdinetan landu dituzten gaiak dira. Baliabide hauen bitartez guzti hortatik zeozer berreskuratu nahi dugu, nahiz eta batzuetan gure inguruneari entzuten eta berau ulertzen gutxi laguntzen diguten nozioak baztertzeko bada ere.
Hala bada, webgune honetan gai hauetan sakontzen duten lan, adibide eta kasu desberdinak topatuko dituzu, kopia eta jabetzea sortze tresna bezala erabiliz, besteen lanen berkontestualizaziorako eta kritikarako estrategiak bezala aurkezten zaizkigunak.

Que la cultura contemporánea se encuentra a día de hoy sometida a los vaivenes de las implacables leyes del mercado, no es ninguna novedad para nadie. Pero, quizás, y gracias a la labor que los medios de información y los órganos de gestión de derechos oficiales han realizado, no haya en todo el amplio abanico que la cultura contemporánea nos oferta ningún ámbito como el de la música donde el enfrentamiento entre los fenómenos de la apropiación y la reivindicación de los derechos de la propiedad privada se ha mostrado de manera más espectacular. Esta web, como complemento a las jornadas COPY YOUR IDOLS propone una incursión en estas cuestiones, abordando conceptos y estrategias en torno a la autoría, la apropiación, la transmisión o las nuevas tecnologías de reproducción sin olvidar en ningún momento la propia idea de edición a la que se hace referencia en el proyecto PERIFERIAK07. Cuestiones estas, de alguna u otra forma, tratadas por la tradición moderna y que algunos proyectos musicales han desarrollado hasta hoy bajo prismas muchas veces dispares. Mediante estos recursos se pretende recuperar algo de todo ello, aunque tan sólo sea para deshacernos de nociones que para nada ayudan a entender y escuchar el mundo que nos rodea.
En esta web encontrarás varios casos, ejemplos y obras que profundizan en estas cuestiones y que mediante el uso de la copia y el apropiacionismo como herramienta creativa muestran diversas estrategias de crítica, resignificación y recontextualización de obras ajenas.

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Dans le déplacement aux confins du possible qu’est l’utopie, l’imaginaire se déploie, aimanté par le lointain. L’année des trente ans du Centre Pompidou, au cœur d’un espace sensible élargi, l’Ircam inscrit la prospective musicale sous le signe de l’utopie mêlée d’exotisme. Edgard Varèse coupant les ponts avec l’Europe pour vivre la modernité aux États-Unis, Karlheinz Stockhausen rencontrant l’Orient, Jonathan Harvey inventant aujourd’hui la scène lyrique où se croisent le Bouddha et Richard Wagner… ces aventures singulières se sont toutes envolées hors des terres natales. L’ailleurs fonde le “sans lieu” de l’utopie, le déplacement révoque l’embarras des héritages et des origines assignées.
Apparentée à l’esprit utopique, l’attitude expérimentale considère la réalité comme invention et tâche perpétuelles. Elle effectue des essais ou des études qui ne réduisent pas l’éventail des possibles. Qu’en serait-il si… ? Cette question contagieuse, la question de l’Ircam, appartient pleinement à la création qui ne vient pas “doubler” le monde. Elle crée des espaces différents et séparés (Emmanuel Nunes), des lieux absolument autres. Plus fertiles que la nostalgie pétrifiée des grandes utopies historiques fracassées, ces voyages imaginaires dessinent un écart ou un jardin proche.
Un autre méridien.

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A los niños les enseñan en la escuela que los números primos sólo pueden dividirse por sí mismos y por la unidad. Lo que no les enseñan es que los números primos representan el misterio más fascinante al que nos enfrentamos en nuestra búsqueda del conocimiento. ¿Cómo predecir cuál va a ser el siguiente número primo de una serie? ¿Existe alguna fórmula para generar números primos? En 1859, el matemático alemán Bernhard Riemann planteó una hipótesis que apuntaba a la solución del antiguo enigma. Pero no consiguió demostrarla y el misterio no hizo más que aumentar. En este libro asombroso, Marcus du Sautoy nos cuenta la historia de los hombres excéntricos y brillantes que han buscado una solución para revolucionar ámbitos tan distintos como el comercio digital, la mecánica cuántica y la informática. El relato de Du Sautoy constituye una evocación maravillosa y emocionante del mundo de las matemáticas, de su belleza y sus secretos.

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El Museu de la Música ha obert les seves portes a l’edifici de L’Auditori, de Rafael Moneo, amb un projecte innovador, pensat perquè tots els públics puguin viure, gaudir, comprendre i aprofundir en el coneixement de la música.
La música com a llenguatge universal i divers, la seva història a les cultures occidentals, les músiques del món i les d’avui són els àmbits que el Museu de la Música recorre, sempre des de la mirada de la ciutat de Barcelona. L’audició de música a les mateixes sales i altres recursos audiovisuals són els fils conductors de les col·leccions d’instruments i de documents musicals del museu, un fons patrimonial únic a l’Estat espanyol.

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Considérer la musique comme un organisme vivant, avec sa logique propre, son évolution, comme un être sans cesse en mouvement, en mutation : voilà ce que propose de donner à entendre la 15e édition du festival FUTURA.
A travers dix-huit concerts et une nuit blanche, le public se retrouvera au milieu de biotopes imaginaires et sensoriels, formés de mondes bruissants, agités de milliers de grains, mondes de conflits ou d’apaisements, mondes fantasmagoriques ou réalistes.
Quelles disciplines mieux que celles des musiques acousmatiques/concrètes et électroniques peuvent nous plonger dans l’organique, avec leur travail sur le son même, sur sa constitution, nous plongeant dans la nature sonore même.
Ainsi cette nouvelle édition sera plus vivante que jamais, à travers une programmation multiple, allant d’un grand portrait du compositeur, aujourd’hui incontournable, Christian Zanési à la jeune création, nous faisant traverser les continents (Amérique, Asie, Europe, Océanie), nous proposant aussi bien un voyage sonore que visuel (avec le retour à futura d’une programmation vidéo-acousmatique)

http://www.phonurgia.org/

Phonurgia Nova encourage la création radiophonique

Créée en 1983 sur une idée de Pierre Schaeffer, présidée successivement par Marc Jacquin, Dominique Fargeot et Christian Leblé, Phonurgia Nova est une association loi 1901 qui se consacre à valoriser le son et la radio dans leurs dimensions artistiques. Ses activités recouvrent l’édition d’ouvrages pédagogiques, la formation professionnelle, la conservation d’une “mémoire” de cette création particulière et l’organisation d’ateliers ou de rencontres spécialisées tels que les Universités d’été de la radio ou le Concours international de création radiophonique lequel récompense annuellement de nouveaux auteurs explorant le réel et l’imaginaire sonores.

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cUncert-x est un projet de concert étendu, créé par les artistes de Volume-Collectif, proposant au public une immersion dans un espace musical et sonore.

La traditionnelle salle de spectacle a laissé place à un environnement narratif et abstrait, construit principalement autour des paysages sonores et visuels des alentours de Saint-Nazaire.

Les formes visuelles, sonores, musicales ont été emprunté aux différentes activités de Volume-Collectif.

`cUncert-x a permit leur rencontre, leur partage et leur hybridation.

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“An extraordinary piece of sound art” (The Wire)

“Beautifully useless” (New York Times)

“Addictive, spellbinding, hypnotic” (Santa Fe Reporter)

“Insanely brilliant” (Alan Bishop, Sun City Girls)

“Defiantly rough” (Wall Street Journal)

“Mesmerizing” (Pop Matters)

“Reminds us how to listen” (Igloo)

“I can’t stop playing with it” (Pitchfork)

“And it kinda sounds like shit. But a good shit!” (Tiny Mix Tapes)

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What is intermedium rec.? not a label! but a solitary quelle surprise cd series: not only electronics, real-life recording, remix, pop avantgarde, but also radio play, soundtrack, readytape, reading, radiophone text etc.
after the festival intermedium 1 1999 in berlin, intermedium rec. started in january 2000 with initial publications by samuel beckett, philip jeck and walter ruttmann with dj spooky, to rococo rot, mick harris, john oswald etc.
followed by scanner, andreas ammer, romuald karmakar, ernst jandl and elfriede jelinek.
and coming soon exclusively from intermedium rec. as publication no. 23: real-life recordings from the estate of the most important german pop author – rolf dieter brinkmann.
a promise for the future: intermedium rec. will remain unpredictable!
herbert kapfer / br radio drama and media art
publisher of intermedium rec.

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December 24th, 2006 marked the 100th anniversary of Quebecer Reginald Aubrey Fessenden’s first voice transmission by radio. The son of a minister from the Eastern Townships, Fessenden (East Bolton, Québec, 1866 – Bermuda, 1932), was intrigued with the possibilities of wireless transmission when as a child he saw a demonstration by Graham Bell of the telephone.
This event is more than a milestone in radio history: it is a remarkable revolution. The exhibition takes the visitor back in time as it relates the history of a fascinating, but complex technology. The radio technology, as well as its components, the various ways it can be used, and the inventors that contributed to its expansion, are featured in the exhibition.

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Jaarlijks bevolken internationale kunstenaars het festival. Waren de afgelopen twee jaar achtereenvolgens Britse en Franse voorstellingen te bewonderen; dit jaar zijn artiesten uit Spanje aan de beurt. Jonge makers, die je over de grenzen van hun land en taal meevoeren met theater, beeldende kunst, of muziek. Spektakelstuk is Avión, een tot culturele locatie omgebouwd passagiersvliegtuig dat op tien plekken in de Utrechtse stad zal opduiken.
Vooral in het laatste festivalweekend kun je van het zinderende Spaanse Folias genieten. Het programma is tot stand gekomen in samenwerking met het Instituto Cervantes, dat deel uitmaakt van een wereldwijd netwerk om het onderwijs van de Spaanse taal te bevorderen en de cultuur van de Spaanstalige landen te verspreiden.

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EVOL is a computer music project started in 1996. At the core of the project is Roc Jiménez de Cisneros, a musician and composer living and working in Barcelona. Occasional EVOL members and/or collaborators include Danish composer and multi-instrumentist Jakob Draminsky Højmark, British sound artists Joe Gilmore and Jim Brouwer, Spanish writer and sound artist Anna María Ramos, British video artist Andy Davies and British sound artist Joel Ongthorne.
EVOL’s work has been released on internationally acclaimed record labels such as Mego, Lucky Kitchen, Diskono, Scarcelight, Antifrost or fals.ch.
2003 saw the birth of a series of electroacoustic pieces entitled Punani, which addresses some of the main aspects of EVOL’s work, namely: algorithmic composition, noise, diverse synthesis techniques, spectro-morphology and the musical application of fractal geometry and other mathematical phenomena. The series has four parts so far.
Since 1997, Anna María Ramos and Roc Jiménez de Cisneros co-run the record label and artists’ collective ALKU, as well as IMBÉCIL, a platform for absurd computing and binary obfuscation. Apart from ALKU’s audio editions (which include works by Edwin van der Heide, Yasunao Tone, JLIAT, Wobbly, Kotra, Team Doyobi, Beige, Peter Rehberg and various concept-driven music compilations) Anna and Roc have produced installations and digital works for art galleries and museums around the world.